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HISTORIA DE LAS CATEGORÍAS ESTÉTICAS.
La más útiles dentro del campo de historia del arte, el arte, la belleza y la mímesis, estos serán los tres grandes bloques temáticos que estudiaremos.
Cada una de esas tres categorías lo veremos en distintas etapas, arrancando en la antigua Grecia y llegando hasta la actualidad.
La estética como disciplina es algo muy reciente, data de mediados del siglo XVIII, en el mundo griego nace la reflexión sobre el arte y la belleza, no como disciplina apartada, nos remontaremos hasta Platón o Aristóteles es donde están las raíces de todo lo que vendrá después.
Al final tendremos el paso de una estética clásica a una moderna, es decir una estética ideal y mimética a una estética subjetiva, sensual y creativa, esto es, hasta la ilustración se va a considerar que lo bello reside en el objeto de contemplación, la naturaleza, normalmente. Esta se ha considerado bella pues se atenía a una serie de medidas y patrones, estas eran su razón de belleza, el artista se limitaba a reproducir ese objeto bello que se situaba frente a él. En el siglo XVIII se produce un vuelco decisivo la belleza, ya no es la belleza el objeto sino el sujeto de contemplación a partir de lo que siente va a decidir si algo es bello o no. Ahora el artista va a reinterpretar lo que percibe no va a llevar al máximo el principio de mímesis.
TEMAS.
1, LA HETERONOMÍA ARTÍSTICA COM PARADIGMA ESTÉTICO INICIAL, GRECIA Y EL MEDIEVO.
2, RENACIMIENTO Y CLASICISMO.
3, LA ILUSTRACIÓN Y EL ROMANTICISMO.
4, MODERNIDAD ARTÍSTICA, XIX XX.
5, ARTE CONTEMPORÁNEO Y SU REINTERPRETACIÓN DE LA ANTIGUA HETERONOMÍA.
6, ORÍGENES Y PRIMER DESARROLLO DE LA GRAN TEORÍA DE LA BELLEZA.
7, DESARROLLO Y SÍNTOMAS DEL DECLIVE DE ESA TEORÍA EN EL RENACIMIENTO Y CLASICISMO.
8, ILUSTRACIÓN Y ROMANTICISMO EL DERROCAMIENTO DE LA GRAN TEORÍA.
11, MÍMESIS ARTÍSTICA GRECIA YMEDIEVO.
12, CONQUISTA CIENTIFICA DE LA IMITACIÓN DE LA REALIAD, RENACIMIENTO Y CLASICISIMO.
13, ILUSTRACIÓN Y ROMANTICISMO LA SUPERACIÓN DE LA ANTIGUA
MÍMESIS.
14, EL ARTE NO MIMÉTICO MODERNO.
15, EL ARTE NO MIMÉTICO CONTEMPORÁNEO.
BIBLIOGRAFÍA, TATARKIEWICZ, HISTORIA DE SEIS IDEAS, ARTE, BELLEZA,
FORMA, CREATIVIDAD, MÍMESIS, ESPERIENCIA ESTÉTICA, este libro está planteado con una perspectiva diacrónica parecida a la que haremos en clase.
BARASCH, TEORÍA DEL ARTE, DE PLATÓN A WINCKELMANN, es un enfoque más artístico, este libro se queda en el siglo XVIII, para complemento, HISTORIA DE LA IDEA ESTEÉTICA Y DE LAS TEORÍAS ARTÍSTICAS CONTEMPORÁNEAS, BOZAL.
LECTURAS OBLIGATORIAS: DESPUÉS DEL FIN DEL ARTE, EL ARTE CONTEMPORÁNEA Y EL LINDE DE LA HISTORIA, ARTHUR C.DANTO.
DE LO SUBLIME Y DE LO BELLO, EDMUND BURKE.
AVISAR CON ANTELACIÓN A LAS TUTORÍAS, MANDANDO UN CORREO ELECTRÓNICO [email protected] , SON LOS JUEVES Y LOS VIERNES DE 13’00-14’00/ 18’00-19’00.
EXÁMEN, TENDRÁ DOS PREGUNTAS LARGAS, DE DESARROLLO, ESTAS PREGUNTAS ESTARÁN FORMULADAS POR UN ENUNCIADO CONVENCIONAL, UN PEQUEÑO TEXTO QUE HAYA QUE COMENTAR…ETC. CADA UNA DE ESAS PREGUNTAS VALDRÁN 4 PUNTOS SOBRE 10, LO QUE SERÍAN 8 PUNTOS. ADEMÁS HABRÁ DOS PREGUNTAS CORTAS CONCERNIENTES A LAS DOS LECTURAS OBLIGATORIAS CADA UNO DE LOS DOS LIBROS PUNTUARÁ HASTA 1 PUNTO CADA PREGUNTA. PARA QUE SE SUMEN LAS PREGUNTAS CORTAS HAY QUE APROBAR LAS PREGUNTAS LARGAS, SI LAS SUSPENDEMOS NO SE CONTARÁN LOS OTROS DOS PUNTOS.
SE TENDRÁ EN CUENTA LA ORTOGRAFÍA Y LA REDACCIÓN, SE RESTARÁN PUNTOS, 0,25 POR CADA FALTA ORTOGRÁFICA O SINTAXIS. A PARTIR DE LA TERCERA FALTA DE ORTOGRAFÍA EL EXÁMEN DEJA DE LEERSE.
BLOQUE I, EL ARTE.
La autonomía es la condición de aquello que tiene sentido en sí mismo, dándose con sus propias leyes y no admite leyes impuestas desde fuera. La constitución del sujeto moderno, nace en base al concepto de autonomía, es un sujeto que él por si mismo se da la razón de ser de su conducta. En el AMBITO ESTÉTICO, es la idea restrictiva y utópica por la que el arte, y la belleza se constituyen en un reino independiente, aislado de todo lo demás, con sentido y valor en sí mismo, por tanto ese sentido nada tiene que ver con el valor ético del objeto implicado en ese tipo de experiencias. La
se ponen en juego las manos sino el intelecto, y eso les da una superioridad notable con relación a las artes vulgares o serviles.
Tan artista se considera en el mundo griego un ESCULTOR como un SATRE, los dos trabajan con el cálculo, con la medida, los dos reproducen en sus obras las leyes eternas por las que se rige el universo, solo que la labor del escultor es más reproductiva, esculpiendo imágenes en la realidad, el trabajo del sastre es más productivo, pero en el fondo, no dejan de ser los dos meros fabricantes de útiles. Aún así este tipo de artistas sí que tienen interés, y lo tienen por su utilidad cognoscitiva y moral, o porque están al servicio de la verdad y del bien, de la verdad porque reproduciendo esas leyes eternas son expresión de la verdad y del bien porque invitan a proyectar en la vida humana la idea de orden, mesura, proporción a las que ellos dan forma plástica. Así es como debemos entender las estatuas de los jóvenes atletas, de los Kourois, o Korés, en el periodo clásico como el Discóbolo, que es más real, como el Diadúmenos, son imágenes erigidas en honor a los dioses como agradecimiento por la victoria en los juegos olímpicos.
Hay que entender también desde esta perspectiva a las Korasi, y las imágenes de los dioses griegos, todas comparten una función social, política…sin esta función el arte era inconcebible para los griegos. El arte tenía valor como medio para un fin, pero no como un fin para sí mismo, y por ello era bello. Como decía Platón ( a todas las cosas como los cuerpos, los colores, las figuras, los sonidos y las costumbres, ¿las llamas en cada ocasión hermosas sin considerar nada más?).
Algo parecido sucedía con la POESÍA, en el caso de esta ya no estamos hablando de un arte vulgar, ya no hablamos de una mera destreza, hablamos de casi un saber profético sobre todo antes de la aparición de la filosofía. Para Platón el poeta es un intérprete de los dioses, es un inspirado de las musas, y como se trata por tanto de una figura excepcional que está en contacto con los dioses goza de un gran prestigio dentro de la sociedad griega, es el gran comunicador de la información teológica y cosmológica. El poeta accedía a la verdad en sí misma, era una figura de la que el estado griego no podía prescindir. Como decía Aristófanes ( respóndeme porque hay que admirar a los poetas?, por la destreza y los consejos, porque hacemos mejores a los hombre en las ciudades…) la poesía se entiende como educadora del pueblo, es la PAIDEIA griega.
La educación en el mundo griego consistía en la memorización de los poemas de Homero y Hesíodo, los griegos aprendían recitando poemas, aprendían a convertirse en ciudadanos modélicos, porque en la poesía estaban los valores enaltecidos socialmente. Cuando eran adultos acudían al teatro, recitaban poemas en los banquetes y escuchaban a los rapsodas recitar a Homero y Hesíodo.
La poesía no se atenía a su utilidad cognoscitiva, porque la verdad que se decía que había en ella era muy cuestionable, para Platón la poesía dictaba mucho de la verdad. Para él la pintura era para el deleite de los sentidos, y no cultivaba la razón, los sentidos era lo peor de la época.
El poeta era el que había explicado el origen del mundo, con relatos poblados de dioses y héroes, cuando nace la filosofía va a existir un pugilato muy fuerte entre el poeta y el filósofo pues este último entiende que la verdad nace de la razón, y no por contacto con los dioses o inspiración de las musas. Platón arremete con la tradición poética del momento, pues no está al servicio de la verdad, es la filosofía la que suministra ese conocimiento.
El primitivo pensamiento griego es el hecho de que la estética no se hallaba separada de la ética, solo en el helenismo vamos a encontrar atisbos de autonomía estética, es decir la belleza va a entenderse desde el punto de vista del placer sensible, pero hasta ese momento la concepción es heterónoma. Para Aristóteles el arte es una fuente de perfeccionamiento moral pero también una fuente de deleite, la belleza por sí misma tiene ya valor para Aristóteles.
La intensificación de la consideración social del poeta como sabio se produce en Grecia con el paso de la lírica popular a la lírica culta, o con el paso de la poesía de tradición oral a la de tradición escrita algo que se produce en Grecia en el siglo VII a.c, gracias a la introducción de la escritura en Grecia en el siglo VIII. Y a partir de este momento, en el momento en el que el poeta ve que puede plasmar por escrito lo que compone es cuando se intensifica su estimación social de sabio, lo que buscaba el púbico era la verdad sobre el pasado, la gloria de las acciones de los héroes antiguos, y el placer eran las musas las que daban este saber. El poeta siempre al servicio del culto y al servicio de la política. El poeta se inserta en la vida religiosa, política, es una especie de guía moral, político…es en resumidas cuentas el ideal del hombre completo, participa de las decisiones estatales, introduce cultos religiosos, como por ejemplo ARQUÍLOCO introdujo el Culto de Dionisios en Palos, incluso es el pacificador en momentos de epidemias, de catástrofes nacionales…es una especie de adivino, sacerdote, filósofo… LA POESÍA ESTÁ GUIADA POR CRITERIOS HETERÓNOMOS.
LA MÚSICA, resulta que desde muy antiguo, está entroncada con la poesía porque ningún poema se lee o se recita sin más sino que se canta y danza. Por eso la música tiene una configuración heterónoma, y la tiene a nivel superior poético, hay que referirse a la escuela pitagórica, estos hicieron un importante descubrimiento al respecto, hasta ese momento se creía que la música tenía un gran efecto sobre quien la interpretaba, y sobre quien la danzaba, el danzante veía como la música alteraba sus sentimientos, lo llevaba hasta una especie de éxtasis místico. Estos se dan cuenta de que esa alteración de los sentimientos no es ejecutable no solo al danzante y al músico sino también al receptos, la música tiene una gran influencia sobre
aparecen agrupadas las artes figurativas y la poesía…se ha producido un ascenso social de las artes plásticas.
UT PICTURA POESIS, que la pintura sea como la poesía, y esto significa entender al pintor , escultor, y arquitecto, como un inspirado, como un iluminado, como un portavoz de los dioses, HEMOS PASADO DE UNA INFRAVALORACIÓN A UNA SOBREVALORACIÓN se les atribuye individualidad, creatividad, y son valoradas por la belleza que encierran y no por el servicio que prestan a la comunidad. No es un arte 100 por cien autónomo pero sí se procura que tenga un sentimiento al espectador.
CONCEPTO CLAVE PARA LA ESTÉTICA MODERNA: AUTONOMÍA FRENTE A LA HETERONOMÍA DE LA ESTÉTICA ANTIGUA.
CARACTERÍSTICAS, HETERONOMÍA:
ARTISTA COMO ARTESANO, ARTE COMO DESTREZA MANUAL, ESCASA ESTIMA SOCIAL DE LA ARTES MANUALES, Y LAS ARTES LIBERALES SÍ VALORADAS SOCIALMENTE, UTILIDAD COGNOSCITIVA Y MORAL DEL ARTE, AL SERVICIO DE LA VERDAD Y DEL BIEN SE ENTENDÍA COMO MEDIO PARA UN FIN, Y NO COMO N FIN EN SÍ MISMO AHÍ RADICABA SU BELLEZA.
LA POESÍA ES UN ARTE SUPERIOR SABER PROFÉTICO UNIDO A LA PAIDEIA GRIEGA CUENTA CON UN GRAN PRESTIGIO CONFLUYE ACCION POLÍTICA Y SACRAL.
LA MÚSICA AL MISMO VALOR DE LA POESÍA COMO CONDUCTORA DEL ALAMA.
LA POESÍA Y LA MÚSICA, DE HECHO SOCIAL PASA A SER UN HECHO INDIVIDUAL, EL CONTROL INSTITUCIONAL QUE LAS PRESIDÍA SE VE SUSTIUIDO POR LA CREATIVIDAD, DELEITA MÁS LA MENTIRA QUE LA VERDAD PUES LA POESÍA Y LA MÚSICA CAMBIAN SU ROL PARA DELEITAR LOS SENTIDOS.
UT PICTURA POESIS ES EL PRIMER INTENTO DE AGRUPAMIENTO, NIVELACIÓN Y SISTEMATIZACIÓN DE LA ATES.
POR PRIMERA VEZ LAS ARTES COBRAN VALOR POR SÍ MISMAS.
Bibliografía del tema: TATARKIEWICZ HISTORIA DE SEIS IDEAS.
MEDIEVO.
Al entrar en esta etapa, podemos comentar que la tendencia a un mayor nivel de autonomía conseguida durante el helenismo se verá interrumpida con la llegada del cristianismo, de ese profundo proceso de transformación, que llevaría al hombre a dejar de interesarse en las cuestiones terrenales para centrarse en las espirituales. La nueva cosmovisión tendrá una
influencia directa en la dimensión estética porque el paradigma que siguió reinando será el de la heteronomía (nos referimos un arte dependiente de instancias externas pero entendido dentro de un engranaje donde la única justificación posible es la acción sacra). En este contexto las creencias antiguas van a pervivir pasando por el tamiz de la nueva fe y los nuevos cultos, prueba será la continuación de esa consideración social del arte como una mera destreza, como algo sujeto a preceptos. El arte sigue entendiéndose como destreza, habilidad manual…esta consideración será más acusada que en el pasado, ahora se genera un gran contraste entre el carácter instrumental de los productos humanos y el carácter gratuito de las creaciones divinas, el carácter instrumental es que el arte tiene encomendada una función social, es un medio de propagación del cristianismo y como consecuencia será controlado en sus detalles más insignificantes mientras que las obras de Dios son obras libres que solo se deben a sí mismas. La auténtica ruptura con el periodo helenístico está en que el arte va a desempeñar una importante función didáctica, se le define en la época como la “literatura de los incultos” por eso toda preocupación formal va a quedar sometida a una ocupación funcional. El cometido extra- estético de lo estético en este caso está orientado a divulgar los dogmas cristianos, o recordarlos. En la esfera arquitectónica se construyen templos con plantas de cruz latina, que recuerda los misterios cristianos. En la plástica nos encontraremos con las representaciones del Pantócrator y el Cristo en Majestad, recordando el apocalipsis y la vida eterna.
Como ocurriera en la antigüedad las artes donde se expresa mejor que en ninguna la función sacral, será en la poesía y la música. La edad media extremando la consideración de que la poesía era cantada y la música recitada, se acabará fundiendo estas dos arte en uno solo, uno hará las veces de contenido y el otro del plano formal, el fondo será la poesía, esta es la verdad a transmitir mientras que la música va a ser la forma sensible a través de la cual hacer llegar la verdad al fiel. Ahora se entiende como oración, suministra un conocimiento fuera del alcance de los mortales, fuera del alcance incluso de las artes liberales. Las artes liberales en esta época se clasifican en dos grandes grupos, el trívium (gramática, retórica, lógica) y el cuadrivium (aritmética, astronomía, música, geometría). Las artes liberales se van a enseñar en las facultades de arte (universidad), frente a la enseñanza en los talleres gremiales de las artes vulgares o serviles. Unas artes estas últimas que en esta época son rebautizadas con el nombre de artes mecánicas. Según Boecio “Ningún camino llega mejor al alma que el oído”.
Lo relacionado con lo sensible se consideraba como un perjuicio para la espiritualidad, por eso las autoridades eclesiásticas decidieron que había que prescindir de los instrumentos, con lo cual la música de la alta edad media será estrictamente vocal. En el interior de los templos románicos, el tipo de música que se oía era una música estrictamente vocal pensada como ensalzamiento de Dios, como es el Canto Gregoriano. Tenía como
que harán que continúe algo que de un modo incipiente se venía viendo desde los inicios de la etapa medieval. En primer lugar se va a producir un cambio de actitud respecto al arte antiguo que era pagano, ese paganismo había originado que entre los primeros cristianos se destruyeran las esculturas antiguas. Desde el siglo V en el código teodosiano se enseña a apreciar y valorar el arte antiguo, desde el punto de vista de la forma, desde un enfoque púramente estético, porque el fondo no interesaba, eso es lo que había que desconsiderar. A las imágenes antiguas por ejemplo de Cupido se les hará pasar por ángeles, y a las Quimeras de tres cabezas se tomarán como interpretaciones de la santísima trinidad.
En el seno de la cultura carolingia Teodulfo de Orleans, dice que en este tipo de imágenes el título indica su carácter religioso o profano, pues la imagen es neutra, la connotación lo ponemos nosotros. Lo que viene a decirnos es que lo que da valor al arte no es el que representa sino el como lo hace, de nuevo la forma sobre el contenido. Estos son los antecedentes de la alta edad media.
En la baja edad media tenemos un paso decisivo, que será el tránsito de la rigidez románica al naturalismo gótico, un paso en el que las cuestiones estéticas se ponen al nivel de las funcionales y lo hacen por el descubrimiento del valor intrínseco de las formas. Lo que ocurre es que el trasfondo suprasensible cederá parte de protagonismo.
Además en el siglo XII, empieza a tener interés la suntuosidad artística frente a la austeridad anterior, el argumento es de naturaleza religiosa, pero las consecuencias serán estéticas. El argumento fue esgrimido por el abad cluniacense Suger, el arte como ofrenda a Dios tiene que ofrecer lo mejor de sí mismo. Las consecuencias estéticas es que se acoge por primera vez el adorno, lo accesorio, lo superfluo, que hasta entonces había sido considerado vanidad. Esto origina un fuerte debate en el seno de la iglesia, si los cluniacenses van a estar a favor de este arte suntuario, los cistercienses serán la facción contraria a esta acogida de el arte de la vanidad. En el ámbito arquitectónico se erigen templos de grandes dimensiones, se elevan buscando a Dios, en la esfera escultórica, y pictórica, así como las vidrieras los colores vivos tienen un gran protagonismo, y de ese arte suntuario, de esas artes menores que guardan relación con los enseres litúrgicos qu se revisten de metales preciosos…etc. La belleza sensible, proporciona un ánimo jubiloso desde el que se hace posible acceder a la belleza inmaterial, esto es lo que defienden los representantes de Cluny, y que el cister y los cartujos no logran ver. La belleza material como trampolín hacia lo inmaterial.
Según Hugo de Foulloi es maravilloso pero perverso deleite. Dice Santo Tomás “nadie se preocupa por reproducir o representar algo a no ser que sea para crear una obra bella”, aquí ya no se habla de Dios se habla simple y puramente de belleza, del aspecto formal de las cuestiones estéticas. Cuando Santo Tomás habla de esta manera es porque valora las artes
plásticas no por la utilidad sino por el placer que proporciona y eso supone diferenciarlas de las artes mecánicas, a las que venían estando homologadas. Es más al reparar en el arte figurativo Tomás está diferenciándolo de la arquitectura donde hasta entonces estaba integrado, pues la pintura y escultura en el Medievo solo se entiende supeditada a la arquitectura. De tan bajas inferiores como eran esas artes estaban desaparecidas.
Las artes mecánicas fueron clasificadas por Radulf de Campo Lungo y Hugo de San Víctor. 7 artes mecánicas en contraposición a las 7 artes liberales. En estas dos clasificaciones se menciona la arquitectura pero no aparecen ni la escultura ni la pintura. Se habla aquí del arte militar, de los negocios, de la medicina…de la sastrería…esta clasificación es anterior a Santo Tomás.
Tomás da un paso más allá repara en el carácter diferenciado de la pintura y la escultura frente a la arquitectura es un atisbo de que la autonomía está muy cerca.
Bibliografía: TATARKIEWCZ HISTORIA DE LA ESTÉTICA VOL. II.
UMBERTO ECO ARTE Y BELLEZA EN LA ESTÉTICA MEDIEVAL.
PETER BURKE EL RENACIMIENTO ITALIANO.
H.RAYNOR HISTORIA SOCIAL DE LA MÚSICA.
J.GOMEYAS NUEVA HISTORIA DE LA MÚSICA.
CARLOS GARCÍA GUAL EL REDESCUBRIMIENTO DE LA SENSIBILIDAD EN EL SIGLO XII.
R. ARGULLOL TRES MIRADAS SOBRE EL ARTE.
CARACTERÍSTICAS:
ARTE FIGURATIVO, SIGUE SIENDO UNA DESTRAZA INCLUSO SE ACENTÚA ESTA CREENCIA, EL ARTE SE VUELVE MÁS UTILITARIO QUE NUNCA, TODA PREOCUPACIÓN FORMAL CONSIDERADA PURA VANIDAD.
POESÍA Y MÚSICA, UN SOLO ARTE, LA POESÍA FONDO Y LA MÚSICA FORMA, LA MODALIDAD ES ESTRICTAMENTE VOCAL, LA CUAL SERÁ ADMITIDA O SANCIONADA DURANTE LA EDAD MEDIA.
INDICIOS DE AUTONOMÍA:
MÚSICA, INVENIÓN DE LA POLIFONÍA, INCORPORACIÓN A LAS ARTES LIBERALES, MODALIDAD INSTRUMETNAL, DESGAJAMIENTO DE LA POESÍA, LA MÚSICA COMO ARTE DIFERENCIADO.
POESÍA, MODALIDAD PROFANA, CANTO AL AMOR NO A DIOS, BUSQUDAD D ELA BELLEZA FRENTE A LA ENSEÑANZA RELIGIOSA,NO INSTRUYE SINO QUE DELEITA.
Luego las aspiraciones científicas de artistas como Da Vinci, o Piero della Francesca, buscando para el arte un estatuto superior, lo que conseguirán finalmente es dejar atrás la heteronomía para las tres centurias siguientes. Al final lo que se hace es consolidar esa heteronomía no desde un punto de vista moral sino desde un punto de vista cognoscitivo.
Aún así el artista cambia sustancialmente de condición, pasa de ser un mero artesano, a ser un científico, sobre todo en el caso del pintor, este será el sabio de la época el filósofo del momento y por ello, va a arrebatar esa posición privilegiada del poeta desde el mundo antiguo, sobre todo para Da Vinci, el pintor está por encima del poeta, en su tratado sobre pintura define este arte como pura filosofía. Otros no llegarán tan lejos y lo que harán es poner en pie de igualdad al pintor y al poeta, el cabeza visible de esta otra corriente de opinión de es Ficcino, al frente de la academia neoplatónica florentina, van a recuperar ese antiguo aforismo horaciano de Ut Pictura Poesis ( que la pintura sea como la poesía ) de este modo van a dignificar la figura del pintor, la asimilan a la del poeta y de esa manera se van a poner las bases del sistema moderno de las artes, basado en el agrupamiento de las mismas en base a su carácter placentero no utilitario, en esta época este agrupamiento ya no llegará a tanto se trata de un agrupamiento de naturaleza cognoscitiva donde la belleza tendrá un papel importante, el pintor y el escultor son personas de múltiples conocimientos, son exponente del hombre universal que domina todos los ámbitos del saber por eso los antiguos talleres se van a convertir en centros de discusión científica y filosófica, el artista pasa de estar infravalorado a ser divinizado. Gáurico en su tratado de escultura dice que no permitamos que nadie se acerque a la escultura a no ser que tenga además de destreza inteligencia que tengan el mejor conocimiento posible de aritmética y geometría. El artista es un poeta pero también es un científico, estas palabras es una nueva versión de esas otras con las que Da Vinci encabezó su tratado en las cuales decía, no lea mis principios quien no sea matemático, no entre aquí quien no esté versado en geometría.
RENACIMIENTO.
La belleza experimenta una evolución, se desprende de la connotación ética y traba un vínculo con la experiencia sensorial, Alberti será uno de los que apoyará esta idea. Se forja la idea del artista moderno, es decir se entiende que el artista demuestra conocimiento, sabiduría, sensibilidad y gusto, aunque el concepto de gusto se forja en el XVII. Esta corriente de pensamiento la inicia Alberti, y lo hace a través de un concepto que define y plasma en el mismo tratado sobre la arquitectura, el concepto de DISEÑO. Tatarkiewicz, nos aclara que lo que un hombre renacentista entendía por diseño es muy contrario a lo que entendemos hoy día, hoy día es un dibujo, en el renacimiento abarcaba a la idea previamente alumbrada en la mente del artista que adquiría plasmación práctica en ese dibujo. Sobre todo lo más importante era el resultado satisfactorio que se obtenía de ese proceso. Alberti dice del diseño que es un proyecto bello y firme concebido por el
ánimo hecho de líneas y ángulos y dirigido por un ánimo y un ingenio bueno. Lo importante era el resultado satisfactorio que se obtenía del arte. El concepto de diseño resaltaba por un lado el componente intelectual, teórico frente al práctico o manual vinculado a la destreza. Resaltaba la orientación placentera frente a la estrictamente funcional, y como de ese diseño van a participar la totalidad de las artes liberales están empezarán a tomar personalidad propia dentro de las artes liberales. La pintura, la escultura y la arquitectura se han desgajado de los oficios, por otra parte comienzan a diferenciarse de las ciencias, y al mismo tiempo aproximación al arte de la poesía gracias a las aportaciones de Ficcino, de la Academia Neoplatónica florentina (ficcino es un pensador del siglo XV este lo que hace es retomar una corriente filosófica de finales del mundo antiguo de la etapa helenística, el neoplatonismo fue impulsado por un pensador del siglo III como fue Plotino, se consideraba heredero de los postulados platónicos, este Platón era de la etapa clásica, y fruto del paso del tiempo el pensamiento de Platón ha sufrido ciertas variaciones, para Platón lo importante era el mundo de las ideas a imitación de esto se había creado el mundo sensible, para Plotino este mundo de las ideas tiene gran relevancia pero también el mundo sensible, supone revalorizar todo lo que guarda relación con lo sensible, la forma y la belleza, es una corriente de corte metafísico donde encaja esa visión del arte como una iluminación del alma humana y como contacto con las alturas) y del sentir de la sociedad, esto último lo que refleja es que en las artes visuales son importantes las ideas de verdad, también es importante el resultado final , lo puramente estético.
Habrá una nueva corriente de pensamiento del teórico DOLCE, afirmó que el objetivo principal de la pintura era proporcionar placer, se olvida de la utilidad y lo importante es la complacencia sensorial. Esta belleza era alcanzada por la representación de la realidad, es una belleza cautiva de normas y preceptos, el arte del momento así lo refleja, como en “los desposorios de la Virgen” de Rafael tiene que ver con la perspectiva lineal, creando profundidad, es decir una belleza con sus normas. Por ejemplo “La Gioconda” de Da Vinci, tienen que ver con la perspectiva aérea o atmosférica, los objetos conforme se van retirando del observador tienen que ir difuminando sus contornos, esta es la técnica del sfumatto, que está ligada a la belleza con sus normas. Hay normas también que tienen que ver con el dominio de la luz como por ejemplo “El sueño de Constantino” de Piero della Francesca. Todo ello son normas que nos indican que esta belleza está muy sometida, que tiene un carácter heterónomo, es una belleza con conexiones con la sensibilidad, es cada vez más a la “medida humana”, acorde con el antropocentrismo de la época, que tendrá como figura principal el humanista Picco della Mirandola. Lo que tenemos ya es que las artes visuales en base al placer que proporcionan comienzan a diferenciarse de las artes liberales o de las ciencias, se han alejado de las artesanías, y esa condición placentera también les permite homologarse a la poesía (ponerse a su altura). Vasari creará una institución pensando en esas artes visuales, “La Academia de las artes del Diseño” y es una institución pensada
En el curso del renacimiento aparecerá algo parecido a lo que más tarde llamaremos público, al menos en Italia, aquí encontraremos un grupo de expertos del objeto artístico, entendiéndolo como un objeto desprovisto de funcionalidad y cuyo interés radica en su apariencia externa. Para esta población la contemplación significa querer volver a sentir esa sensación gratificante, de manera que en esta época se desata una furia comercial de los objetos artísticos y un afán coleccionista, como ni siquiera existió en el mundo antiguo. En esta época esa población va a adquirir las piezas artísticas, y el supuesto deleite en un primer momento tendrá un carácter restringido, se adquiere el carácter artístico como adorno de las casas nobiliarias… con posterioridad se tratará de una actividad de carácter abierto; en las ferias de arte se expondrán las piezas artísticas no ya por su utilidad sino simplemente por ser bellas, esto nos pone en alerta de que la autonomía está cada vez más cerca.
CARACTERÍSTICAS:
PRIMERA SEPARACIÓN CLARA DE LOS ESTÉTICO CON LO EXTRAESTÉTICO, LA ATONOMÍA DEL ARTE ESTÁ CADA VEZ MÁS CERCA.
EL ARTE FIGURATIVO ES UN GRAN PROTAGONISTA EN ESTA ÉPOCA, EL PINTOR COMO EL NUEVO SABIO Y FILÓSOFO, RIVALIZANDO CON LA FIGURA DEL POETA. EL PROBLEMA ES LA AUTONOMIA CONDICIONADA Y PARCIAL, AÚN ASÍ LA IMPORTANCIA DE LA BELLEZA A TRAVÉS DEL DISEÑO, AL PARTICIPAR DE ESTE LAS TRES ARTES VISUALES, SERÁN EL PRIMER AGRUPAMIENTO SERIO DE LAS MISMAS JUNTO A LA POESÍA.
NOVEDADES DESDE EL PUNTO DE VISTA DE LA CRACIÓN,A HORA EL ARTISTA ES UN ERUDITO E INNOVADOR. DESDE EL PUNTO DE VISTA DE LA RECEPCIÓN APARECE NUEVO GRUPO DE PÚBLICO A ESTE ARTE, CONSECUENCIAS EL COMERCIO DEL ARTE, EL COLECCIONISMO, Y LA ACTIVIDAD EXPOSITIVA.
BIBLIOGRAFÍA: MIKAIL BAJLIN, LA CULTURA POPULAR EN LA EDAD MEDIA Y EL RENACIMIENTO, ED. ALIANZA.
A.HAUSEC, HISTORIA SOCIAL DE LA LITERATURA Y EL ARTE, PRIMER TOMO, ED. ROUTLEDGE AND KEGRES PAUL.
JACOB BURCKHARD, LA CULTURA DEL RENACIMIENTO EN ITALIA, ED. SARPE.
PETER BURKE, EL RENACIMIENTO ITALIANO, ED. ALIANZA.
TATARKIEWICZ, HISTORIA DE SEIS IDEAS ESTÉTICAS.
CLASICISMO (SIGLO XVII).
Hay que destacar es que desde el punto de vista de la estética moderna; habrá un importante abandono de los logros renacentista, de aquel intento
de emancipar lo estético de lo extraestético. En este siglo se va a intensificar el vínculo que el renacimiento había mantenido con el universo utilitario, es decir el vínculo cognoscitivo con la idea de verdad. Hay recuperación de la idea de bien, e intensificación de la idea de verdad, el siglo XVII representa una continuidad de la heteronomía que venía de tiempo atrás desde la antigua Grecia. Hay dos circustancias que son las culpables de esta situación una de índole religiosa y otra de índole profana.
Al arrancar el renacimiento existe una relajación del fervor religioso, cuando finaliza esta etapa hay una intensificación de la religión con motivo de la contrarreforma que verá en el arte un aliado perfecto para la difusión de la ortodoxia católica, y contra la heterodoxia protestante (la herejía). Un arma arrojadiza porque los protestantes se van a manifestar en contra del arte. Gracias a la estética renacentista el arte en el XVII avanzó considerablemente, es un arte mucho más dúctil, más soberano y mucho más atractivo desde el punto de vista sensorial, por eso todos los esfuerzos estarán orientados a recuperar para la fe esta característica a favor de los sentidos que se ve en el arte para hacer más comprensibles los dogmas religiosos, y para hacer más atractivas las manifestaciones de culto. El arte sigue estando al servicio de la comunidad, en particular de la iglesia, con un poder de persuasión mucho mayor que tiempo atrás, este poder lo tendrá el arte Barroco, es complaciente con los sentidos, en esa medida una arte eficaz en la labor de defensa del catolicismo y en el ataque contra la reforma. Podemos ver en las obras de Murillo esta nueva realidad, vemos personajes humanos pero con connotaciones religiosas, lo que intentan es aproximarse al creyente, luego tenemos una sensualidad de la forma pero puesta al servicio de la finalidad religiosa. El arte sigue conectado a una utilidad pero el planteamiento cambia radicalmente, el arte sigue considerado como medio para un fin pero lo es porque es bello, se considera bello, algo que no había ocurrido en toda la tradición heterónoma anterior, pues por ejemplo en el mundo antiguo el arte era un medio para un fin y eso lo hace bello, pero ahora como el arte es bello nos sirve como medio para la finalidad religiosa. Claramente hay giro de pensamiento.
Como en toda estética heterónoma este arte estará bajo estricta vigilancia, los artistas tienen que seguir las indicaciones de los orientadores espirituales. Hay comentarios de un teórico del XVI Lomazzo, que dice que el artista se tiene que poner bajo el consejo de los teólogos a la hora de tratar de representar asuntos religiosos. En el concilio de Nicea se decía que el tema no tenía que estar puesto por el pintor pues solo aportaba técnica, este arte formal estará delimitado por las autoridades eclesiásticas, luego hay una limitación en el contenido y en la forma, pues la trasmisión de los dogmas debe hacerse sin fisura alguna, lo importante es hacer frente al enemigo (protestantes), por ello es preciso ceñirse y respetar hasta el más mínimo detalle lo que dicen los textos sagrados y de esta manera el carácter repetitivo en la escenificación de determinados temas será considerado un mal menor frente al riesgo que supone la libertad. Por
Aristóteles de pasada había hecho mención a estas tres unidades que en el XVII sobre todo en el ámbito poético son una norma a seguir pero no solo para la poesía, el arte figurativo entiende que ese es el método que hay que seguir en el plano del arte al igual que la ciencia está desarrollando por la misma época un método propio, y hablar de método en arte es sinónimo de belleza, solo cumpliendo las reglas de los clásicos se entiende por la mentalidad academicista que en el arte es posible crear belleza. En las artes visuales esta regla tiene una ventaja añadida y es que estas son de índole sincrónica no diacrónica, es decir es algo que se capta por la mirada en un solo instante, y esta regla tiene más fácil aplicación en el pictórico que en el terreno poético, será el método a implantar para conseguir la belleza. El vínculo de Horacio Ut Pictura Poesis sigue teniendo vigencia sigue habiendo un hermanamiento entre estas dos expresiones artísticas. Esto lo defiende Charles de Fresnoy academicista que dice que la pintura ha de ser similar a la poesía, y la poesía similar a la pintura, es una reinterpretación de lo que Leonardo dijo en el XV. En el XVII se entiende que para ser un buen pintor hay que ser un buen poeta y para ser un buen poeta hay que ser un buen pintor, hay una relación de reciprocidad porque se persigue lo mismo. Esta claridad y sencillez de estas artes desde el punto de vista formal en la pintura estaba planteada a través de la perspectiva, a este ordenamiento de la escena desde un enfoque formal se añade un ordenamiento desde el punto de vista del contenido mediante estas reglas. Son de nuevo normas sobre normas, estas se superponen porque se sigue entendiendo el arte como un instrumento para un fin interior, el arte es un medio válido para un fin, porque es bello, porque complace a los sentidos. El arte se presta a una utilidad porque es agradable esto en la época da lugar a una fórmula, se habla del placer útil en la esfera artística del mismo se hace eco en poesía, La Fontaine, que decía que al espectador hay que complacerle. Roger de Piles dice que es necesario dar testimonio de la verdad, es decir atenernos a la representación de la realidad en los términos más próximos pero hacerlo de un modo atractivo (bello), de nuevo la fórmula de placer útil. En cualquier caso hablamos de una belleza heterónoma, presidida por una función en este caso cognoscitiva.
El público profano (aquel que no guarda relación con el círculo del arte), también opina aunque esta no se ve refrendada socialmente como este grupo de expertos. En definitiva como hablamos de una belleza heterónomo hay muchos aspectos que no tienen reconocido el derecho a la existencia, de todos modos la autonomía está muy cerca desde todos los ámbitos… todo lo parecido entre el arte y la ciencia es meramente casual, es decir todo el intento de aproximación del arte a la ciencia para alejarlo de la artesanía es erróneo pues estos tienen metas dispares luego es necesario clarificar sus respectivos cometidos para darnos cuenta de que no guardan similitud alguna. En el caso de la ciencia hay que mencionar a Galileo que se da cuenta de cuáles son las virtualidades de cada uno de esos ámbitos nos dice que la ciencia tiene una serie de limitaciones, es matemática y causal, gracias a estas limitaciones tiene una ventaja que es la exactitud, para él el
arte carece de esas limitaciones pero también de sus ventajas luego el arte es un dominio impreciso, se cuestiona la validez de tipo universal que defendía el clasicismo académico (que defendía que el arte debía seguir los preceptos científicos). Desde la filosofía se decía algo parecido, Descartes decía que era inservible el método científico en el plano artístico, porque en el arte lo que manda es el agrado sensorial y por tanto una validez de tipo personal y eso entra en confrontación con los presupuestos de la ciencia, aquí rige la compresión racional y su validez es general, el arte no comparte los estándares de impersonalización y uniformidad en la ciencia. Por primera vez se hace una demarcación seria dentro de las artes liberales, el arte deja de ser evaluados por los criterios extra-estéticos de la ciencia, esto tendrá sus consecuencias, por un lado la música se aparta de las artes liberales y se agrupa con el arte figurativo y la poesía, y por otro lado se producirá un cambio de mentalidad en los propios académicos; Félibien decía cuales deben ser las funciones del arte frente a las de la ciencia, en pintura debe haber siempre algo grandioso, que sorprenda e instruya además de complacer, es como dócere e deleictare, es decir instruir y deleitar, esta función de la instrucción supone relacionar el arte con la ciencia, es una función extra-estética.
TEMA 3, ILUSTRACIÓN Y ROMANTICISMO, LA AUTONOMÍA COMO PARADIGMA ESTÉTICO MODERNO.
El siglo XVIII es el siglo del punto de inflexión para el nacimiento de la estética moderna, es cuando se cambia de heteronomía a autonomía, y la constitución del arte como reino independiente en base a la belleza. Para hablar del vínculo del arte y la belleza tenemos que remitirnos a un nuevo concepto que será la ruptura definitiva de lo estético con lo extra-estético, es el concepto de DESINTERÉS, va a estar condicionado al vínculo que hay entre el arte y la belleza. Dentro del contexto del utilitarismo como rasgo inherente al sistema de economía capitalista emergente en esta época el concepto de desinterés se consolidará en el ámbito estético como reacción a esa filosofía del interés. En contraste con el interés el desinterés fomenta una aproximación a los objetos donde la única rentabilidad es el gozo de la contemplación, la cual es desinteresada como aparecerá por primera vez en los escritos del Conde de Shatesbury y que lo que hará es fomentar el harto perceptivo (el disfrute) a través de la forma sensible de la mirada, es un disfrute que no tiene nada que ver con la utilidad. Este estado de dejarse llevar por lo que tenemos ante la vista es un estado de pureza y autonomía máxima, esto lo dejó claro el pensador Joseph Addison, este relacionó la belleza con el placer subjetivo y al hacerlo se dio cuenta de que las razones del deleite no podían ser nunca externas sino internas, ya no dependían del objeto sino del sujeto de contemplación a partir de ahí abogaría por la constitución de un ámbito propio de lo estético al margen de todas las ideas que se relacionaban con este en todo el tiempo atrás. Por medio del desinterés la estética moderna consigue fundamentar el proceso que había arrancado en el renacimiento que buscaba liberar el arte de todas las
