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Tema 4 La mímesis o reproducción artística de la realidad. Presentación y representación Grecia s XVIII Hoy Estética Clásica Estética Moderna
- Heterónoma, apertura al mundo, abierta
- Objetiva, ideal, conocer, descifrar racionalmente. OBJETO- RAZÓN
- Mimética, imitadora, fondo , forma, prima el fondo sobre la forma, importante el contenido - Autonomía, cerrada, se repliega, tiene sus propias normas
- Subjetiva- sensible, en torno al sujeto, sensibilidad, emociones, imaginación, entendimiento
- Creativa, la forma tiene tanta importancia o más que el fondo GRECIA La mímesis, origen remoto, se genera en ritos dionisiacos, música, danza, canto se agrupan para poner un mismo espectáculo Los MIMOS encarnaban héroes o dioses de un tiempo remoto. Imitaban el comportamiento de esos seres, abandono de la existencia ordinaria para asumir la otra existencia de tipo extraordinario MIMESTHAY, imitar, mimos, mímesis También importancia de la BIS emocional, semejanza entre lo humano y el mundo extrahumano. También arrastra al público en un éxtasis colectivo, ámbito virtual En el s V se han rebasado los límites y se adentra en las artes plásticas, deriva en una imitación o reproducción de la naturaleza, verdad, belleza, orden, equilibrio (pitagóricos), orden matemático de la naturaleza, se accede por la razón, conocimiento El arte griego reproduce la regularidad frente a las diferencias particulares Fidias- amazonas, Mirón- discóbolo No son retratos de alguien son la mujer y el varón idealizados La ley invariable detrás de la variedad y multiplicidad, esto es lo que a los griegos asombra Ley invariable detrás de los seres particulares. Buscan indagar en aspectos generales y unificadores Arte y naturaleza unidos. La culpa la tiene Platón porque el verdadero fundamento del arte es la imitación de la naturaleza. Teoría natural del arte. Habilidad para imitar la naturaleza de la manera más perfecta La imagen tiene que convertirse en imagen IDEAL del objeto, proporciona el PROTOTIPO Imitar = traspasar el revestimiento engañoso de las cosas para acceder a su estructura última, esencia íntima
El fondo, la esencia es lo importante y no la apariencia El arte en su contexto es un arte cambiante, a partir del s V pasa de las formas geométricas a las formas orgánicas y naturales, avance hacia el naturalismo e individualización. Comparamos la Afrodita del Cnido o Apoxiomeno con los Kuroi. También empieza a usarse la perspectiva y el color Se rebela Platón: si el artista no saca a la luz la verdad objetiva, la idea, y se queda en la mera réplica, es un instaurador de lo falso. Produce fantasmas, su arte desatiende los orígenes o fuentes de la belleza, especialmente la pintura Libro X, la república. Pasaje de la cama “un lecho, ya lo mires de lado, de frente o por cualquier otro lado, ¿difiere en algo de sí mismo (…) o parece distinto? E igualmente lo demás (…)? Con vistas a qué se hace la pintura en cada caso? tal vez con vistas a imitar lo que existe, según es, o lo aparente, según aparece, siendo imitación de una apariencia de una verdad? ‘de una apariencia (…) ‘Entonces está lejos de la verdad el arte de imitar” (Platón, República , 598 a) El único mundo verdadero es el de las IDEAS, el mundo fenoménico, sensible está a gran distancia En el estrato inferior está la pintura y escultura como productoras de imágenes, pura apariencia, no participa de la esencia y la verdad de las cosas El pintor es inferior al artesano, el pintor imita la cama, el objeto cama imita la idea de cama. Su producción está doblemente alejada del mundo de las ideas Ya lo vimos con Danto
- Idea
- Copia de la idea
- (^) Copia de la copia de la idea Arte Las representaciones egipcias y arcaicas son preferibles para Platón, mejor que Palas Atenea de Fidias Vemos Rahotep y su esposa Nofret “¿No es cierto que mandando a paseo la verdad, los artistas dan a sus imágenes las proporciones que parecen bellas?” Platón La EURITMIA busca la complacencia no las proporciones exactas. El espectador interpreta que hay proporción y esto es incómodo para Platón Es un problema moral o ético, las imágenes causan perjuicio moral, seducen, engañan, apelan a los sentidos, la parte más baja, e inducen a error. No tenemos por delante la verdad sino la apariencia de verdad La anécdota de Zeuxis y Parrasio, el desafío de las uvas y la cortina que cuenta Plinio el Viejo Parrasio presentó un cuadro con uva y una cortina, los pájaros fueron a las uvas y Zeuxis quiso quitar la cortina, apariencia
Hechos, verdad --------- historia Posibilidad, verosimilitud -------- tragedia Esto allana el camino para la llegada del helenismo Helenismo: profundo cambio, deriva naturalista que se traduce en fiebre realista. Se buscan las formas vivas Ideal ---- real, generalidad ------------------- individualidad Pensadores como Cicerón valoran el arte por mostrar, no la configuración interna, sino el aspecto externo de las cosas “uno solo es el arte y método de la pintura y, sin embargo, fueron diferentes entre sí Zeuxis, Aglaofonte, Apeles, y no hay ninguno de ellos al que parezca faltar algo en su arte”. (Cicerón, De oratore III, 7, 26) Verdad y belleza no radican en su estructura profunda sino en sus formas aparentes Novedades: Temático: nuevos contenidos, nuevos personajes Vemos Laoconte y sus hijos, pero también individuos corrientes, pescadores, ganaderos, también TANAGRAS, mujeres en su vida cotidiana, también deformes, enano, todo ello ilustra el interés por lo singular El retrato es la temática estrella, vemos retratos de El Fayum, fiebre realista, individualización, rasgos, señas de identidad, también retrato de Homero y Séneca en la vejez Técnico o compositivo: indaga en el efecto de sombra para conseguir volumen, también la representación de la perspectiva, empiezan en la etapa clásica y despiertan las iras de Platón La perspectiva: por influencia de la escenografía y por el fondo curvo del ojo, el modelo es el de raspa de pez Ej. La casa de Vetei en Pompeya, las líneas perpendiculares al plano de visión confluyen por parejas a lo largo del eje de fuga. Se busca prolongar el espacio pictórico pero tiene la desventaja de que, debido a las diferentes localizaciones, no hay un plano de base unitario y se produce inestabilidad o desequilibrio. Este período es un paréntesis
MEDIEVO
La preocupación con relación a la mímesis es el carácter engañoso. El arte solo puede ser vehículo hacia la verdad, no caben disidencias. La verdad y belleza emigran hacia un orden superior, trascendente, del que depende el orden inmanente donde vivimos Se deshace la mímesis como fue concebida. El arte está unido a la forma pero la forma es un problema teológico porque apela a los sentidos y desvía de la finalidad pretendida
Infravaloración de la FORMA. Búsqueda de un nuevo marco, acorde con la nueva visión espiritual del mundo. Unido a belleza y verdad que se encuentran en Dios La mímesis deja de estar operativa, ocupa su lugar la alegoría, SÍMBOLO objetivo y universal, interpretación única y fija, establecida por textos sagrados y dogmas. La autoridad religiosa vela por la ortodoxia, medio de propagación del contenido religioso Se valora por el contenido, mensaje de tipo teológico. Como forma se desprecia y se considera engaño. Se extreman los planteamientos platónicos La forma es un obstáculo en el camino del conocimiento y la redención Hay una especie de retroceso, la forma seriada e indiferenciada como en el período arcaico griego, férreo control eclesiástico Evita la seducción de la mirada que se aleja de la finalidad espiritual Románico = hieratismo e impasibilidad Ej. Majestad Batlló, vírgenes como tronos, duda de S Tomás en santo Domingo de Silos También pérdida de volumen y profundidad por la renuncia a la ilusión escenográfica Todas las figuras planas, en el mismo espacio, fondo de otro color, línea Figura como grafismo. Las figuras importantes de mayor tamaño La verdad y belleza no pueden ser encerradas en el arte, incluso desmaterializando la materia, el culto religioso acaba siendo ensombrecido por la importancia de la forma, se acaba en culto artístico, es idolatría Para evitar esa posibilidad, San Atanasio critica severamente la simple adoración de un trozo de madera o de piedra, adoración de la forma por la pura forma. “Además, cuando adoran piedras y maderas no ven () que lo que poco antes tenían para el propio uso, eso mismo, después de haberlo esculpido, por insensatez lo veneran, sin ver ni darse cuenta en absoluto que no adoran a Dios, sino el arte del escultor”(San Atanasio, Oratio contra gentes , 13) Por analogía lo adorado no es la forma sino el contenido según s Basilio “El culto rendido a una imagen pasa a su prototipo, porque lo que la imagen es aquí por imitación, eso es allí el Hijo por naturaleza” (Liber de Spiritu Sancto, VIII, s Basilio) Aparecen los iconoclastas, dar forma a la materia es rebasar una barrera infranqueable Dios es invisible, hay que impedir que se hagan imágenes y destruir las ya hechas BAJA EDAD MEDIA, s XIII La escolástica imprime una nueva fuerza a los planteamientos aristotélicos Revalorizan la naturaleza, destierran el prejuicio contra el mundo natural Valora la naturaleza por sus formas como tales y no por lo que significan o connotan
Giro de pensamiento, si algún misterio hay en la naturaleza, la clave del enigma está en ella misma, no hay que dirigirse hacia otra realidad. Acudiendo a la mirada y a la razón, con capacidad de desentrañar cualquier misterio natural. Con razón y observación se desvela el misterio La verdad tiene sentido dentro de la naturaleza. La alegoría del medievo no da más de sí, no se ajusta a la nueva cosmovisión aunque no desaparece, pero se aleja de la forma esquemática Connotación sensual y carácter tangible Ej. Bronzino, el triunfo del amor Ej. Cristo de Astorga, s XIV, dolor humano y dolor divino Para Bronzino la atención está en el mundo terrenal, desnudo de la mujer. Nuevo marco más allá de la alegoría Naturaleza es lo ideal, fondo último, íntimo de las cosas Interpretación de las tesis de Platón que ya vimos Ahora se da vida a los planteamientos Aristotélicos, dimensión sensible Ya vimos el mito de Acteon y Diana La belleza del mundo cobra tanta importancia que ensombrece la belleza ideal El DESEO insinúa otro horizonte de felicidad, el amor erótico es vehículo hacia el amor divino La belleza sensual y de la forma es belleza en sí misma, tiene consistencia propia El cuerpo de Diana no es un mero portador de belleza divina sino portador de belleza en sí mismo Las madonas se individualizan, más naturalismo, búsqueda de realismo Vemos Duccio, Madona Rucellai, 1285, como diosa, fondo dorado, aureola, ángeles custodios, remite a lo sobrenatural Comparamos con la bella jardinera de Rafael, 1507, es una mujer de carne y hueso, en plena naturaleza, lleva un simple nimbo para delatar su naturaleza Contenidos cada vez más mundanos y menos espirituales También aparecen motivos profanos Ej. Masacio, la Trinidad Ej. Piero de la Francesca, Pala de S Bernardo Aparecen los donantes, belleza que cautiva la mirada, seduce y complace La tragicomedia de Calixto y Melibea de Fernando de Rojas, se ve revalorización de la belleza mundana
A todo esto contribuye el desarrollo de la Ciencia, naturaleza, cosmos, matemáticas y número ya estaban pero ahora se añade el EXPERIMENTO, se interroga a la naturaleza desde ella misma La Ciencia conjuga las leyes matemáticas con atención a las formas naturales donde se materializan esas leyes. Aúna dimensión ideal con la concreción empírica de las leyes científicas La razón no basta para conocer la naturaleza, también es necesaria la sensibilidad Calixto necesita la cercanía, el contacto, la pasión, reivindicación de la belleza corporal El Renacimiento inaugura un nuevo modo de representación, la perspectiva se somete a orden espacial ideal. Las formas como huellas del mundo empírico, permite correspondencia entre el mundo de la imagen y el de fuera. La perspectiva garantiza la perfecta correspondencia entre el mundo interno de la obra y el mundo externo. El plano del cuadro queda asimilado a ventana, como plano transparente, el espectador se asoma. El espacio es matemático, proporcionado y no trascendente Vemos adoración de los Magos de Fabriano (1423) y Botticelli (1485), en el primero alegoría, los protagonistas adelantados y de mayor tamaño, espacio simbólico, jerarquizado. Hay algunos elementos como el abrevadero y el establo con sensación de volumen, también figuras más pequeñas al fondo En Botticelli vemos líneas de fuga, espacio matemático moderno, se presta atención a la naturaleza, colinas, línea de horizonte, vegetación, paisaje El Renacimiento da unidad a la dimensión idealizante del arte clásico y el acercamiento a la naturaleza sensible Con la perspectiva el espacio se va perfeccionando hasta el s XX donde empieza el declive Son precedentes Cimabue y Giotto Los principios ópticos aparecen en la tablilla de Brunelleschi de Sª Mª de las Flores Estas teorías son ampliadas por Alberti en 1436 y rematadas por el tratado de Piero de la Francesca de 1482 Principios geométricos: Para la construcción de la imagen hace falta un punto de vista fijo, del ojo al centro del cuadro se traza una línea, el punto de incidencia es el punto de fuga, hacia él convergen las perpendiculares al plano de visión, líneas de fuga. Los objetos disminuyen de tamaño según su distancia, espacio uniforme como túnel. Las líneas de fuga conducen la mirada Alberti une conceptos ópticos: pirámide visual de vértice el ojo y base el plano del cuadro, rayos visivos, hilos del ojo al cuadro, un rayo va al centro. Visión más clara y profunda Coincidencia en las ideas de los dos autores “El oficio de pintor es … con líneas y puntos, con colores, los objetos en una superficie dada…”
“En el momento en que la luz se hace queda el arte colmado por las infinitas imágenes que causan los distintos cuerpos y colores que en su seno se disponen y el ojo se convierte en su blanco y piedra imán” Leonardo Luz y sombra, la línea de contorno debe desaparecer “La superficie es el límite del cuerpo, el límite del cuerpo no es partir de ese mismo cuerpo. Lo que no es partir de cosa alguna nada es” Leonardo La línea de contorno no existe. Inventa la técnica del sfumato Previamente Piero de la Francesca, en el sueño de Constantino, escenifica la luz para crear espacio. El cono de la tienda donde incide la luz crea el plano más profundo, un cuarto plano Ej. Leonardo Da Vinci, la despeinada, 1490 Huye de iluminación frontal y fuerte, aquí la iluminación lateral y matizada, en frente, pómulos, nariz, barbilla hay más luz. En párpados, nariz, labios, mentón hay sombra. Gradación de los tonos según la incidencia de la luz Solo hay líneas para perfilar la nariz y la mejilla izquierda sobre el fondo Ej. Leonardo Da Vinci, Leda y el cisne, perspectiva aérea o atmosférica, los objetos se emborronan al retirarse, insinúa el aire interpuesto, enfriamiento cromático, coloración del aire, se añade más azul al fondo. Tonos cálidos en primer término y fríos al fondo
S XVII
Consolidación del Renacimiento, la mímesis experimenta reorientación o reformulación La naturaleza se representa artísticamente desde la Antigüedad. Ahora cambio, hay que imitar la naturaleza pero según sus mejores imitadores, los clásicos, aquí están los antiguos y los renacentistas, especialmente éstos últimos porque en pintura se ha perdido el legado antiguo. La referencia por tanto son los renacentistas, gracias a la perspectiva, han hecho posible que acudir a sus obras sea mejor que acudir a la naturaleza Síntesis entre idealización y experiencia, atención a la realidad y sometimiento al orden y generalidad La mímesis sigue estando operativa pero con planteamiento diferente, base de la doctrina clasicista, se traduce en alejamiento de la naturaleza, se acrecienta la idealización, el factor platónico, alejamiento de lo particular e individual Platón frente a Aristóteles, lo que debe ser y no lo que es La corrección la tienen los pintores del Renacimiento Consecuencia: elevación a norma absoluta de las imágenes, pierden frescura, naturalidad y ganan en estilización y artificio. Sobre todo, en el seno de la academia francesa
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La metáfora de la ventana cae en desuso frente al espejo La ventana proporciona imagen ideal al espectador, se ve lo de dentro y lo de fuera, es directa En el espejo se pierde la proximidad por lo de fuera, lo de dentro y el intermedio, relación indirecta, un 2º mundo que han creado los pintores del Renacimiento Sacrifica la sensación de realismo. Fórmula para crear paisaje que permanece hasta el s XIX Se habla de fórmula, aunque el paisajismo no se había considerado género, ahora adquiere nobleza y dignidad Claudio de Lorena alcanza la perfección en el tema del paisaje, vemos “partida de la reina de Saba”. En el primer plano colores cálidos, figuras a escala, edificio a un lado o a los dos lados, como escenario para contemplar el paisaje, vemos ruinas que crean distancia, geometría, luz y color. Homenaje y tributo a las normas del Renacimiento, demostración de que el pintor conoce la perspectiva lineal, atmosférica y gradación de los tonos Vemos ruinas a contraluz a la izquierda, en la derecha escalinatas y cornisas, líneas de fuga que convergen en el sol Los colores se van enfriando cromáticamente, difuminando las líneas de contorno Imagen de la naturaleza auspiciada por la academia, orden, estabilidad, suelo perfecto para la existencia, serena, calmada, no sucede nada, todo es como debe ser, bello pero convencional, no hay pasión, se huye de la confusión y desorden “la principal y más importante parte de la pintura es reconocer lo que la naturaleza ha formado de más bello y … para su arte aunque dicha elección se realice sin el gusto y la manera de los antiguos, sin los cuales no hay sino barbarie ciega y temeraria que descuida lo bello” Fresnoy Aparece el problema de la verdad en el arte, Roger de Piles regresa al concepto de verosimilitud aristotélica y lo antepone al concepto de verdad platónica Recrear la apariencia y las formas como las vemos es más convincente para el espectador, eso no ocurre al aplicar la corrección excesiva No vale la verdad simple, empírica, tampoco la verdad idealizada desentendiéndose del referente empírico La belleza es confluencia de verdad empírica y real, más verosímil que verdadera Se aplica la mínima corrección para atraerlo y seducirlo Comparamos Caravaggio y Poussin Caravaggio, pintura empírica, realismo Poussin, idealizante, anodino, inexpresivo Roger de Piles dice que no sirven ninguna de las dos, el referente es Rubens porque ve la naturaleza empírica y retoca para que sea creíble, convincente y verosímil. Rubens es el pintor del color Línea y color
