¡Descarga ideas esteticas y más Apuntes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity!
ESTETICA
TEMA 1: AUTONOMIA VS HETERONOMIA. EL
LIMITE COMO ELEMENTO VERTEBRADOR DEL
CONCEPTO DE ARTE
Película Alicia: para entender arte y belleza s. XVIII. Abre puerta, bebe brebaje, se hace pequeña come dulce y se hace grande. Una vez adquirido el tamaño y atraviesa puerta, mundo diferente al suyo, un mundo con características propias donde los cerdos verdes, plantas y animales hablan. Un mundo que se rige por unas coordenadas propias. Algo así es lo que ocurre cuando hablamos del arte autónomo que surge en el s. XVIII.
Autonomía significa separación, alejamiento, incomunicación, frontera y limite, ruptura con lo de fuera para adquirir sentido propio en lo de dentro.
Hoy día lo vemos en el problema de Cataluña, la autonomía entonces, la podemos definir como la condición de aquello que tiene su razón de ser en si mismo, la condición de aquello que se dota asi mismo de unas normas de funcionamiento y no admite que esas normas le vengan impuestas dese fuera.
El nacimiento del sujeto moderno vinculado a esa misma idea de autonomía en s. XVIII, subjetividad que reivindica la libertad para si mismo y entiende que a través de su razón capaz de auto conducirse en solitario en la vida y ya no tutelas externas. Sujeto moderno nace en s. XVIII. Entiende que en su razón la ley fundamental de su conducta. El sujeto moderno es que cumple en la mayoría de edad en base a esa idea de autonomía.
El nacimiento de la estética se produce también en el s. XVIII, cuando encontramos un arte que establece, define, delimita un territorio propio, arte se convierte en reino clausurado que tiene todo lo que necesita y se desvincula del universo. Proceso de depuración. Alicia determinadas características para ingresas a mundo a través de la puerta.
Para ingresar en edad adulta es desvinculación del universo extra-artístico. Como consecuencia de ese arte autónomo que se reivindica así mismo como mundo propio se entiende que también nace la estética como disciplina del XVIII. Como disciplina también independiente y arrancad del resto de la filosofía, sin embargo, estética como disciplina solo indica el importante cambio de paradigma estético que se produce en ese momento en torno al concepto de arte y de belleza. Estética como disciplina en s. XVIII pero no la reflexión estética en si misma. Hay una reflexión estética anterior que es también estética entendida desde otros presupuestos, que ya no solo exige la autonomía si no que la rechaza porque la reflexión estética anterior a 18 se rige por la heteronomía (entender la experiencia de belleza como una experiencia vinculada a otros ámbitos, comportamiento y del conocimiento, entender arte como algo en estrecha relación con la realidad social y el conjunto de la cultura). Que hablemos de heteronomía en lugar autonomía no significa que reflexión estética sin importancia, solo significa que diferentes pero igual de importantes, el arte es entendido de manera diferente en el plano de la realidad social del momento.
La instalación de la autonomía en reflexión estética en 18 trae una gran problemática porque lo estético que se afirma como hecho autónomo en cultura moderna y la nuestra resulta que al mismo tiempo no se puede entender si no es orientado con fuerza a lo extra-estético., de manera que lo estético solo sentido contaminándose y trabando vínculo con lo extra-estético. El arte nos lo recuerda constantemente, es precisamente mirando hacia fuera de si como de veras el arte importa al hombre, apuntando arte hacia el mundo de fuera como cobra sentido el arte. Esa tensión entre la autonomía como principio irrenunciable y la heteronomía que el arte introduce en sus manifestaciones, esa tensión se deja sentir desde el s. XVIII y del propio Kant. Se va a seguir sintiendo cada vez con una fuerza mayor a partir del romanticismo por las grandes esperanzas de libertad y salvación que estética romántica deposita en el arte. Autonomía en permanente necesidad de la heteronomía.
Toda la dificultad con relación al arte y lo bello tiene que ver con esos dos principios inicialmente irreconciliables llamados a entenderse, autonomía y heteronomía.
El propio platón cierra el primer libro dedicado a la estética, el hitias mayor, con una frase, la belleza es difícil. Pasado los siglos a mediados s. XX, el filosofo adorno encabeza su teoría estética con palabras similares, ha llegado a ser evidente que nada referente al arte es evidente.
HETERONOMIA
Heteronomía en arte, nuestro punto de arranque en Grecia no de manera caprichosa, si no por razón de peso, los estudiosos nos dicen que es en Grecia cuando por primera vez se puede hablar de arte en sentido rigurosos, cuando encontramos una valoración publica y civil de la forma artística en cuanto a forma bella, primera vez que existe apreciación pública y notoria como belleza como tal.
Que es conciencia de arte y belleza? Ser capaz de apreciar que hay algo digno de tener en cuenta. El arte bello o arte restringido al concepto de belleza se dará mucho mas tarde, pero el arte ya unido a la belleza ya en Grecia. Posteriormente una depuración que llevara a la conquista del arte solamente bello, pero la belleza aquí presente ya. Las bellas artes en el s. XVIII, el arte restringido.
Ya podemos hablar de esa primera reflexión vinculada al concepto de heteronomía, esto significa que el arte lejos de ser un reino clausurado como lo será en 18 es un ámbito extraordinariamente abierto, arte depende de instancias externas, el propio modelo de producción artística vigente en época lo confirma, el artista es un mero artesano, el especialista en una determinada destreza o habilidad que esta permanentemente sometida a normas y preceptos. Artista no tiene control ni poder de decisión sobre lo que produce como ocurre en modelo artístico moderno.
El propio vocablo en Grecia para referirse a arte incide en la misma cuestión, techné que derivara en ars y de ahí nuestro arte. Techné es técnica, habilidad, destreza en sentido general. Concepto de arte amplísimo, arte en este momento es mucho mas que arte porque hace referencia a destreza.
Con el tiempo aspiración de arte es convertirse exclusivamente en arte.
En estos momentos, dentro de la definición arte incluimos esa destreza para dirigir ejército en guerra, para confeccionar prenda, estatua… todo eso es arte para producir cosas para fin específico. Capacidad de producir cosas conforme a fin específico, se le presupone a arte finalidad utilitaria. El concepto de arte puro vendrá después, ahora arte aplicado.
distinta de los hechos por lo que poesía versiones mutuamente excluyentes y no puede haber verdad y conocimiento en ella. Poetas no al servicio virtud y bien, muestran dioses riéndose o infringiendo daño a mortales, por lo que tampoco como aleccionamiento moral, platón expulsa poetas de la república. Arte figurativo de su tiempo dice que ha dejando de ser arte porque ya no utilidad mora que prestaba antes. Preocupado por alegrar sentido que alimentar a la razón, esta perdiendo carácter cogniscitivo y considera que arte falta a su propósito porque buscando deleite a sentido falla en llamar al intelecto y virtud.
Desde óptica moderna cualquier arte nacido para cumplimiento de carácter social no cabe dentro de la definición de arte, el arte aplicado hoy no cabe de la restringida definición artística, pero desde óptica antigua el arte que prescinde de esa utilidad social no es arte.
Salvando pasajes de Aristóteles hasta helenismo es cuando por primera vez encaminamiento relativo hacia esa relación mas estrecha de arte figurativo y poesía con la belleza, persiguen el placer por encima de otra cosa. En helenismo se saca el arte figurativo de las artes plásticas, serviles. El asentamiento de la visión tradicional, arte con utilidad de tras, en caso poesía propiciado por paso de la lirica popular a la lirica culta, paso de poesía de tradición oral a escrita. Con ese paso acontecido Grecia en s. VII y esa circunstancia refuerza la consideración de poeta como sabio, la sabiduría del poeta es muy superior a la fuerza del guerrero.
Poesía tiene clara acción social y cultual, poeta considerado un líder político y religioso, influye en las decisiones que toma el estado, puede introducir cultos.
Esquema artes en Grecia:
Pirámide, abajo artes vulgares( artes plásticas), arriba las artes liberales o ciencia y en la cúspide la poesía, junto a ella esta la música. La heteronomía es extensiva, todas ellas comparten dependencia con universo extra-artístico.
La poesía no leída o recitada sin mas, si no cantada, estrecha simbiosis entre poesía y música.
La música siendo heterónoma tbn comparte superioridad estética con la poesía.
Los pitagóricos, hasta llegada Pitágoras creían que música afectaba cuando se realizaban movimientos que la acompañaban, al danzante, capacidad de sacarlo de sí. La clave en los movimientos.
Pitagóricos dicen que no, que la clave esta en los sonidos que se oyen y esa situación de éxtasis es extrapolable y aplicable al oyente, los sonidos tienen gran influencia en el alma humana, que vibra con los oídos que oye, por eso importante que música sea buena música, que es la que se atiene a normas cánones y reglas establecidas, armonía, orden, proporción…
La buena música se entiende en época puede conducir a hombres a la virtud pero la mala igual que poesía puede llevarlos al vicio y corromperlo. Heterónomos y ético los que rigen el valor social de la expresión artística musical poética y arte. Dl arte se espera mucho en antigüedad clásica.
Arte para ser bello tiene que ser utilitario. Si no no bello ni dentro de la definición artística.
Con periodo helenístico cosas cambian. En periodo clásico ciudades estados facilitaron el contacto de poeta con su Público, por lo que poesía sumergida en realidad social, al llegar helenismo las grandes monarquías por grandes territorios que dificultad ese contacto y se
convierten cultura y lengua griega entre comunicación mas que en instrumento de formación y el consumo de la poesía mas individual ahora que social.
A partir este momento se le pide que conmueva y no tanto que instruya. Los estoicos consideran que la poesía socia indiscutible de la idea de verdad y de bien. Hay historiadores como estragón que hablan que aun educación infantil depende en gran medida de la poesía para hacer hombres sensatos, pero aun asi en mayor parte de escuela y tratadistas época empieza producirse desvinculación de lo poético respecto de su función cognoscitiva y se empieza a separar de la idea de verdad. Ahora concebida como palabra destinada antes al placer que a la utilidad. Poetas quieren deleitar y deleita mas la mentira que la verdad.
Giro del planteamiento de platón y de los tradicionales.
Mayoría escuelas filosóficos separan utilidad del deleite y si no se adopta fórmula de compromiso como lema para la prosperidad, enseñar y deleitar o enseñar deleitando. El sentir dominante de a civilización griega lo recoge muy bien Ovidio,’’ nada hay mas útil que esas artes que no tienen ninguna utilidad’’, lo inútil nos resulta útil en la medida que nos provoca placer.
La poesía helenística desarrolla sentido de la experimentación, de la novedad y originalidad desconocido hasta ese momento. De acuerdo con esa autonomía tbn desde punto de vista de la creación
``los pintores y los poetas han tenido siempre la facultad de atreverse a cualquier cosa’’ se reconoce al arte figurativo la misma capacidad de innovar y experimentación que a la poesía, y lo vemos en helenismo con ese retorcimiento del laooconte, contagiar emocionalmente al espectador al igual que poesía. Se reconoce capacidad de creación y de originalidad.
Se homologa a figura del poeta y del pintor, esa homologación supone que si antes era infravalorado ahora en periodo helenístico en relación de equidad con la poesía, ha pasado de un extremo a otro, se les reconoce las mismas capacidades que al poeta. Arte figurativo en terreno de la divinización, eso es insólito porque en periodo antiguo esa equivalencia en carácter placentero en vez de utilitario se produce ahora. Se produce agrupamiento de artes de diferente naturaleza en ase al carácter placentero y ya no utilitario. Novedad que hay que realzar. Novedad adquiere forma en lema de horacio’’ut pictura poesis, que la pintura sea como la poesia’’ acento en cuestiones estéticas sobre la extra-estetica, se valora el arte por su capacidad de provocar placer y no por carácter instrumental que arrastra desde siempre. Lema en que que cristaliza ese agrupamiento ya en periodo helenístico.
30/09/
Heteronomia arte considerado ámbito abierto y dependiente de esferas externas y sometidas a todo tipo de reglas normativas y preceptivas. A partir s.XVIII mutaba a autonomía.
En la autonomía lograba dotarse de sentido a si mismo y ya n dependía de estancias externas, ahora de la belleza, lo que dota de sentido al arte. Belleza, placer sensible obtenido de su experiencia.
ETAPA MEDIEVAL
instrumental porque la música instrumental a lo que llama es esencialmente a los sentidos, permitamos de la música la parte que esta al servicio del mensaje a transmitir, la música vocal.
De esa manera la música que se oía en interior de templos románicos era una música ascética y estrictamente vocal, era una oración a dios cantada.
Casiodoro``gracias a la música, pensamos acertadamente hablamos hermosamente y nos movemos adecuadamente´´
En definitiva, obramos bien.
Con el paso del tiempo las cosas comienzan a relajarse, al final de la alta edad media, la música experimenta novedad importante, empieza a ser valorada no tanto por el aleccionamiento en la virtud como por el deleite que procura al oyente. En ese momento nos encontramos con palabras como las de arezzo
Arezzo`` no es nada extraño que los oídos encuentren placer en la diversidad de sonidos, al igual que la vista--´´
Canto a las sensaciones que nos brindan los sentidos como el del oído, con el aspecto sensible. Estas palabras hay que situarlas en su contexto. Finales edad media entorno a s.XII invención decisiva en la música, aparece el contrapunto polifonía, la posibilidad de simultanear varias voces, establece gran contraste a la monomia, una sola voz. Varias voces interpretando la música y en polifonía varias voces diferentes armonías. Antes mínima esencia para reducir al mínimo la distracción, ahora pieza religiosa mas compleja que la anterior y casi el mensaje es lo de menos, uno se puede recrear en la forma apreciando lo que escucha por la música y no por el mensaje religioso. Los nuevos compositores prestan atención al componente formal y se desentiende del fondo. Las cuestiones estéticas se imponen a las extra estéticas.
La música que hasta entonces ocupaba el sitio de honor junto a la poesía se separa de ella y se mete dentro de las artes liberales.
Ahora en pirámide arriba poesía, luego artes liberales con ciencias y música y final las artes vulgares.
De ir unida a la poesía ahora al grupo de las artes liberales. También con el paso del tiempo esa modalidad instrumental que había sido descuidada comienza una revalorización social que marca la ruptura definitiva entre la música y la poesía. Poesía renovación similar a la música.
Las modificaciones son: en el s. XII junto a poesía religiosa aparece una nueva manera poética, poesía de índole pagana, una poesía trovadoresca que supone dejar esa función social que tenia encomendada, ahora se persigue una cosa distinta, ya no quiere ser un recuerdo de los dogmas y creencias cristianas, esta canta al amor, a las pasiones mundanas, a los sentimientos de los que poder deleitar al lector, a la vida del mas aca que del mas alla. Ya no se busca alianza de la poesía con la verdad o con el bien. Ahora se busca por la forma que presenta, la forma poética es valiosa en si misma, lo que tiene que ver con el sonido, con la métrica, con la musicalidad inherente a la propia poesía. Este es un hallazgo de la época, no necesita un acompañamiento musical porque en si misma lo es ya. Se pone énfasis en el aspecto formal y sensible de esta expresión artística.
Van a ser ya dos artes independientes, cada una con identidad propia y por lo tanto autónoma.
En el terreno de las artes plásticas, dentro del grupo de las artes vulgares una nueva denominación, artes mecánicas. Estas siguen teniendo la misma consideración social, igual de inferiores y sucias. En estas artes mecánicas aunque tónica dominante es la heteronomía desde temprano indicios de otra cosa, encontramos cambio de actitud hacia el arte antiguo, hacia la escultura pagana, desprecio arte antiguo por carácter pagano que hacía que primeros cristianos quisieran ver destruido ese arte.
En el código teodosiano del s.V se aconseja apreciar el arte pagano antiguo sol por la forma y no por el contenido, que es precisamente lo que dota de sentido las realizaciones artísticas de esta nueva etapa.
Encontramos que hay indicio de cambio de mentalidad desde punto de vista teórico y practico porque desde temprano se va a recuperar parte del patrimonio pagano antiguo para el interior de los templos cristianos y se recupera por la forma, por el encanto que se advierte en esa forma, encanto que lleva a querer reinterpretar el contenido o significado.
Los cupidos se convierten en ángeles y quimeras de 3 cabezas en representaciones de la santísima trinidad, cambio desde enfoque practico. En seno de la cultura carolingia, Teódulo de Orleans dice
Teodulfo de Orleans: en una imagen artística de la virgen con el niño, solo el titulo indica el carácter religioso frente al pagano porque la imagen en si misma es neutra, es representación de madre con su hijo en brazos. Una cosa es que, el contenido y otra cosa es el como o la forma que tiene tanta valía como el que o el contenido. Cuestiones estéticas al nivel de las funcionales.
Las cuestiones formales tanta importancia como los aspectos de fondo esto es el transito del románico al gótico.
Esa nivelación por descubrimiento del valor intrínseco de las formas, que lo sobrenatural este presente pero también la atención a lo natural.
En el s.XII se produce un hecho decisivo como es el tener en cuenta la suntuosidad artística frente a la austeridad tradicional, el argumento es teológico pero las consecuencias serán estéticas. Razones teológicos: el abad cluniacense entiende que arte como ofrenda a dios debe ofrecer lo mejor de si mismo y las consecuencias estéticas serán que en terreno artístico se da cabina al accesorio, al arte por el arte, a todo aquello a lo que se habían opuesto y se siguen oponiendo cartujos y cistercienses. Gracias a ello a demás de instrumental y era regocijo para sentidos es digno.
Se empieza a valorar el color, las grandes dimensiones de templos, aquello que es fiesta para los ojos predispone el alma al contacto con dios y facilita el transito de la belleza material a la inmaterial.
Hugo de Foulloi: ``oh maravilloso pero perverso deleite´´
Hasta tal punto llega situación que mismo tomas de Aquino, dándose cuenta que hombre única criatura que se emociona y es capaz de apreciar la belleza sensible contra la opinión común cree que es belleza debe tener acogida en el arte. Antes todo lo sensible nos desvía del contacto con dios, ahora la belleza tiene que ser inherente al arte y lo dice en relación al arte figurativo.
Aquino:`` nadie se preocupa por reproducir o crear algo a no ser para crear una obra bella´´
Alberti``será por tanto el diseño un proyecto bello y firme concebido por animo, hechos de líneas y ángulos y dirigido por un animo y un ingenio bueno´´.
En el artista capacidad de concebir ideas geniales que dan lugar a un resultado bello porque ese es otro concepto anexo al de diseño, la belleza. Con ese juego de líneas se busca en ultima instancia es que la belleza resplandezca milagrosamente. Orientación placentera frente a la utilitaria de la anterior. Belleza ahora seña de identidad artística hasta entrada la modernidad. Esas aspiraciones de artistas en convertir su actividad en ciencia tendrá sus problemas, en caso de la ciencia el conocimiento que da autonomía para la ciencia, ese conocimiento aplicado al arte lejos de la autonomía deja atada la heteronomía por lo menos para los 3 siglos siguientes porque el conocimiento en ate supone que arte sigue al servicio de la verdad y eso implica seguir imitando el mundo de fuera y depender de instancias afuera de si mismo.
Se persigue autonomía y se las incorpora a la ciencia pero diseño y dibujo supone para el arte seguir atado a la heteronomía, reproducir y ser testimonio de verdad.
Es incuestionable que aproximación de arte a ciencia permite a artista cambiar su titulo de artesano al de erudito y científico. Por eso antiguos gremios ahora lugares de discusión filosófica y artística. Se da por echo que domina todas las ramas del saber y conocer todas las ciencias, el pintor.
Gaurico`` no permitamos que nadie se acerque a la escultura a no ser que además de tener destreza sea muy inteligente. Nada hay sin cultura ni instrucción (mejor conocimiento posible de la aritmética música y geometría).
Artista aparte de centrarse en idea de verdad debe estar también al servicio de la belleza.
Segunda via o manera, el salto del arte es todavía mas notable y significativo, en primer caso hemos hablado que de arte mecánica pasa a liberal, ahora el arte no se homologa a una ciencia, si no a la poesía. Se dice que en el arte hay inspiración. El promotor de esta corriente es filosofo Ficino. Eran grupo de humanistas que en la época recuperan el pensamiento neoplatónico, regresa al helenismo y en ese regreso recuperan del olvido el lema ut pictura poesis. Divinización de la figura del artista, que nos brinda un conocimiento superior y ya no como científico, si no como un filosofo y coo un sabio, artista a veces rivaliza con el poeta y otras se impone a el, esto se produce de manos de da vinci que al lema oraciano le da la vuelta y dice que en vez de pintura que se mira en poesía es al revés.
La belleza es un ingrediente fundamental, al poner en mismo plano poesía y arte figurativo lo que se señala es el carácter placentero de esas artes plásticas y asi en el s.XVI un teórico , Ludovico dolce dice que el objetivo de la pintura por encima de cualquier otra cosa es proporcionar placer. Es cierto que esa belleza sigue estando cautiva de normas y preceptos durante mucho tiempo que tienen que ver con concepto de dibujo y perspectiva lineal, punto de fuga. Normas que muestran que arte al servicio de la verdad pero también a la belleza. Alusivas a perspectiva aérea con dos factores: los objetos difuminan sus contornos mediante se retiran del espectador para sinuar atmosfera entre objeto en lejanía y espectador. La segunda, perdida de intensidad cromática mediante se van retirando. Normas al servicio de la verdad y de la belleza. Dominar la luz que permite crear volumen y profundidad.
Por esa dignificación social del arte por esas dobles vías tal es la importancia de la actividad artística se funda academia de las artes del diseño fundada por Giorgio vassari en 1563.
Academia donde se aglutinan a todas las artes figurativas y se aglutinan en base a la utilidad cognoscitiva y carácter placentero. Este agrupamiento de las artes visuales no es una agrupación similar a la que nos encontraremos en s. XVIII pero si nos acercamos por la importancia que conceden a las cuestiones estéticas frente a intra- estéticas, las formales frente a las instrumentales.
Esto lleva a novedades en la creación, se reivindican como innovadores y gran parte del favor social con el que cuenta guarda relación con dimensión creativa que se le reconoce, tiene que dar testimonio de verdad y se da cuenta de que puede incorporar nuevos valores con los que su obra se individualiza, artista quiere llevar voz cantante en su ejecución plástica. Dentro de modelo heredado se permiten el lujo de innovar (ejemplo ultima cena de Leonardo), el artista es el que tiene la última palabra en la obra, sobre todo en la pintura.
06/10/
Antes arte mucho más que arte, ahora el arte solo es arte. Camino a esa estética de la autonomía la encontramos ene l renacimiento, el arte desde situación de inferioridad inicial que tuvo en Grecia y medievo como artesanía, ahora conquista una dignidad descocida, pasa de infravaloración a sobrevaloración. En renacimiento nace el arte propiamente dicho.
Esa conquista de la dignidad se operaba de dos maneras : en una arte como ciencia, lo que se destaca es el componente intelectual, el responsable fue Alberti mediante concepto de diseño que formula y deja claro que diseño no solo dibujo sino también a la idea de la mente del artista que da forma plástica al dibujo. Se incide de manera rotunda en el componente racional del artista al mecánico anterior.
Lo importante para Alberti es el resultado de la aplicación de ese dibujo que tenía que apuntar a la belleza, si esa belleza en medievo depuesta por el juicio cristiano, en renacimiento es ala seña de identidad y no se separa del arte hasta la modernidad. Acercamiento de la rte a la ciencia ciertos problemas porque supone seguir atado al mundo del conocimiento y de la verdad y ese lastre heterónomo presente. Artista cambia condición de artesano por la de erudito.
Otra via era aquella que venia de la mano de ficcino, en esta línea el arte ya no al nivel de la ciencia si no al de la poesía (inspiración), entrar en contacto con los dioses. En este caso se insuflama al lema ut puctura poesis, lo que se destaca es la finalidad estética común o búsqueda de la belleza. La belleza desde este momento va a acompañar al arte en esa búsqueda de la autonomía hasta modernidad, a partir de este momento el arte homologado a ciencia o poesía entra en sacralización el arte mirado con respeto.
Como consecuencia novedades desde punto de vista creativo en sentido que artista de verse como un erudito se da cuenta de que es también un creador, empieza ser valorado socialmente como un innovador, se da cuenta y reclama para si todo aquello a lo que no tuvo acceso para tener un férreo control por parte del mindo extra artístico.
Da vinci innova en la ultima cena.
También lo vemos en miguel ángel, a la hora de representar juicio final escenifica a dios desnudo. Desdice cánones clásicos a través del David y sentando precedente para el manierismo.
Novedades también desde punto de vista de la recepción porque a lo largo del renacimiento y en Italia vemos algo similar a lo que luego va a ser el público. Amplio numero de expertos o
Sensualidad de la forma al servicio del contenido, arte atado a utilidad pero algo cambió respecto a la servidumbre conocida. En s.XVII el arte es ante todo bello, cosa que no ha sucedido antes, antes arte era arte como medio para un fin y considerado bello, la belleza era consecuencia de la utilidad artística, ahora se declara que arte es bello y por ello es útil y puede prestar un servicio. La belleza ya no es la consecuencia, si no la causa de la naturaleza instrumental del arte.
Arte sigue siendo heterónomo y la actividad artística sigue estando bajo estricta vigilancia, artistas obligados a seguir indicaciones dadas por los orientadores espirituales.
Lomazzo dice que pintor debe ponerse bajo el consejo de los teólogos para pintura religioso. Incluso el aspecto formal y técnico o exterior que se había confiado al artista se resuelve ahora tan autoritariamente como los aspectos de fondo.
``el tema de los cuadros debe ser fijado por los padres espirituales y no por el pintor que solo dispone de su arte, es decir, de su técnica.´´ s.VIII
Lo que se esta buscado es evitar que el arte de acogida este influida por errores, rigorismo formal y moral que sin embargo o supone oposición al arte como si ocurre en la reforma. Ese rigorismo lo que si significa es un importante cortapisa a la libertad que había empezado a despuntar en el renacimiento y llevando a serio dilema en la época.
Este dilema, el artista ni siquiera como excelente devoto puede cerrar los ojos a la belleza a la que acaba de abrirlos en periodo anterior, por eso se sabe que la reglamentación de su actividad tiene que se muy cuidadosa porque se puede hacer saltar por los aires las consignas espirituales. Establecer control pero no como en los antiguos gremios. Al mismo tiempo la finalidad teórica es prioritaria y no se deben admitir fisuras en la interpretación de los dogmas y la libertad artística es un riesgo que no se pueda correr. Es preferible el carácter serial y diferenciado de algunos motivos artísticos, apenas diferencias entre artistas. Estereotipia mal menos si se compara con la libertad artística.
Dilema en la época será el enfrentamiento entre el deseo de las autoridades eclesiásticas de seguir imponiendo normas al arte y afán creciente de artistas por regirse por sus propias normas. Choque de intereses entre ambos. Choque entre tradición estética y heterónoma y la autonomía incipiente.
Segundo factor responsable, civil: en seno de las academias porque desde la creación de la academia romana de Sanlúcar por zuccaro se va a tratar de autentico fenómeno de expansión por toda Europa a raíz de la creación de esta academia. La génesis de ese fenómeno había sido absolutamente liberadora, las academias nacen con propósito de reconocerle al arte la dignidad alcanzada en renacimiento. La función inicial academias es representativa y testimonial, decir a sociedad que esta actividad tiene mucho que decir y al mismo tiempo esa función va a ser formativa porque van a acabar a sustituir a antiguos gremios en enseñanza de arte, problema es que esa enseñanza inspirada en los clásicos al final deja poco margen de actuación al artista como en los gremios. Nace con propósito emancipador pero con labor formativa se vuelve elemento constreñido del arte, tan reglamentada como la científica y poco margen de creación.
Ejemplo vivo en Claudio de Lorena, observación de las normas renacentistas con perspectiva lineal o aérea. Hay un seguimiento y atención casi obsesiva en sus obras a esas normas heredadas del renacimiento. Academias acaban privando al arte de la misma independencia que se habían propuesto darle. El ejemplo lo tenemos en el academicismo francés.
1648, fecha en la que se abre academia francesa de escultura y pintura.
1671, academia francesa de arquitectura.
Academia francesa nace bajo el lema libertas artium restituta, restitución de la libertad para las artes, y sin embargo acaba poniendo actividad artística bajo nueva tutela, la estatal. Desde estado se le imponen normas al arte al igual que al derecho, finanzas.., a la actividad cultural en general. Arte no mas normas que las dictadas y firmadas por el rey, que reúne todo el poder y decide en materia artística y en todas. A través de esa ultima palabra que tiene la institución académica estatal en terreno artístico se va a invalidad toda posibilidad del artista de individualizar su obra.
La enseñanza en academia es científica porque esta basada en los clásicos, la disciplina, el principio de integración artística, claridad y corrección, los que proporcionan la validez general que se busca en este momento en la esfera del arte y de las ciencias. En el seno de ese simil encontramos en el arte con las reglas de las 3 unidades, lugar tiempo y acción de aplicación poética. Esta regla de 3 unidades indica que en poesía solo puede haber una trama en un solo escenario y en un momento determinado. Esta regla se exporta al terreno figurativo y método a seguir en las artes porque se considera responsable de la belleza en territorio artístico.
Heredado del mundo helenístico, renacimiento y ahora, et pictura poesis, pintura mirada en espejo poesía.
``la poesía habrá de ser como la pintura y la pintura a de ser similar a la poesía´´ se le da la vuelta al lema horaciano que había anticipado da vinci. Poesía mirarse en la pintura. Superioridad heredada del renacimiento. En definitiva, a fuerza de repetirlo el s.XVII se cree que para ser un buen pintor hay que ser un buen poeta y viceversa. Pone acento en que pintor y poeta impongan claridad y sencillez a sus creaciones.
En la pintura en plano formal través de la perspectiva se ha buscado poner orden en la composición y facilitar la interpretación y aspirara a esa claridad y sencillez.
En s.XVII ordenación del fondo por medio regla de las 3 unidades. Normas sobre normas. Arte sigue conservando su condición heterónoma pero insistiendo en la belleza que debe tener sus obras. Puede ser utilitario si es placentero. El placer útil del arte, insistencia en lo mismo, puede prestar servicio pero valiéndose de la belleza para ello.
``El punto principal es captar al lector, entretenerlo y atraer su atención a su pesar en suma de complacerle´´
``aun cuando la verdad siempre nos gusta no deja de ser insípida si esta sola, mas si se suma al entusiasmo arrebata al espíritu en medio de una admiración que se entremezcla con el asombro ´´
Belleza instrumento para alcanzar finalidad pretendida, cognoscitiva, ética e instrumental, pasar por encima de las aspiraciones de los artistas. Pasar por encima de todo aquello que va a ver la lux una vez que se instale la autonomía estética. Pese a todo la autonomía esta cada vez mas cerca, a la luz de las afirmaciones que se vienen haciendo e terreno científico- filosófico.
Afirmaciones que no hacen mas que insistir en que todo acercamiento de arte a ciencia para garantizar ruptura con artesanías es falacia aunque las dos englobadas bajo artes liberales son
fundamentar ese largo proceso que iniciado en renacimiento ha buscado liberar al arte de antiguas servidumbres y utilidades.
Esta autonomía se traduce o se deja sentir en :
- Relacionada con la fijación del sistema moderno de las artes, arte consolida rupturas con artesanías y ciencias y pasa a formar grupo a parte, ya no esta ni entre las artes mecánicas ni liberales, forma grupo a parte y se habla ahora de las bellas artes. El primero que consagra esa expresión es Batteux, la finalidad de la pintura, escultura, arquitectura, poesía, música y danza es simplemente la belleza. Estas bellas artes ya no quieren satisfacer necesidades, solo complacer al receptor. Esto permite el agrupamiento.
De esto nos habla la pintura artística del momento, rococó, con colores vivos y luminosos y que huye de los claroscuros del barroco. Pintura de tema amatorio y galante presidida por gran sensualidad, fresca y alegre que busca deleitar el sentido de la vista. Aquí hay ya autonomía, esta demuestra que tiene un pesado lastre a sus espaldas, cuando batteux nombra bellas artes dice que solo se llega por un camino a la belleza, a la belleza solo se puede llegar imitando la realidad. Como consecuencia el arte neoclásico que supone dar nueva vida al clasicismo, seguir rindiendo tributo a idea de verdad, al conocimiento. Podemos hablar de autonomía porque arte grupo a parte del resto artes pero aun arrastramos lastre de la tradición heterónoma anterior.
- En 1750 nace la estética como disciplina filosófica especifica y su padre es Baumgarten, para estudio de las artes en cuanto que bellas. La estética es la disciplina para el estudio del conocimiento sensible obtenido por medio de la forma bella. Se insiste en que en el arte hay conocimiento. Indica que en arte hay una dimensión cognoscitiva y que en la estética también. Estética procede el verbo griego aisthonomai, conocer o percibir de una manera distinta y de el, aisthesis, conocimiento. Hay conocimiento sensible y por ello la estética ccaracter subalterno respecto de la ciencia y su conocimiento racional. Conocimiento por medio de la forma bella es inferior respecto al científico pero siendo inferior es un conocimiento imprescindicle para acceso a la realidad de una manera completa.
- Existe o se produce en s.XVIII consolidación de esa actividad que hemos visto arrancar en renacimiento con la aparición de los museos. Representan la continuidad en el tiempo del proceso de institucionalización del arte que ha empezado en s.XVII con las academias. A través museos finalidad misma que en academias, dotar al arte de la mayor libertad posible, pero ahora de verdad. En estos recintos separados del mundo de fuera y el concepto de interés del sistema de economía capitalista no tiene vigor, si no el interés, se expone objetos desprovistos de utilidad y merecen ser tenido en cuenta por el placer que produce su contemplación. Grito de que desinterés tiene un valor y mucho que decir. Se acotan espacios para el desinterés y decirle al que lo visita que accede a espacio diferente a todo lo demás porque el beneficio y utilidad del mundo de fuera, allí dentro no operativo. El arte en esta época como actividad humana diferenciada de las demás es actividad sacralizada. Se han erigido nuevos templos, los museos para una nueva religión, el arte, de finalidad estética done prima la forma sobre el contenido y hace rendirle culto al arte simplemente por ser arte. La evolución de museos en esta
centuria nos hace ver que se esta abandonando la heteronomía para la autonomía. Obras de arte que se exponen carecen de sentido al margen de esa utilidad teológica.
En 1737 academias hacen los salones, plataformas de exhibición, obras de arte que mejor se ajustaban a los modelos clásicos y que ateniéndose a estos eran exponente de belleza y empiezan a crearse estos con finalidad estética. Con salones y museos nace concepto de obra de arte, entendida como pequeño mundo en si mismo, microcosmos apartado del mundo, autosuficiente y atenta a su propia percepción formal y en museos se les rinde culto.
Empujón definitivo a finales s.XVIII con Emanuel Kant en 1790 con su obra la critica del juicio.
07/10/
A partir de 1737 las academias empiezan a organizar los conocidos como salones,
plataformas de exhibición pública de novedades artísticas, obras de arte que mejor se
ajustaban a los modelos clásicos y que eran exponentes de belleza y empiezan a
crearse los salones con una finalidad puramente estética con lo cual nace el concepto
de obra de arte la cual es entendida como un pequeño mundo en sí mismo, un
microcosmo apartado del mundo. La consagración definitiva y el asentamiento a esa
nueva religión en base a la belleza, la consolidación de la estética recibe el empujón
definitivo a finales del siglo XVII por Kant en su obra crítica del juicio en 1790.
KANT
Para entender la estética Kantiana hay que revivir el contexto ilustrado de la época,
contexto de constitución y sujeto moderno que aparece en base de la misma idea de
libertad, independencia y autonomía. Es el que tiene en sí mismo todo lo que necesita
para conducirse en la vida, el uso de la razón el cual es el fundamento de su existencia
y su libertad. En ese contexto cobra sentido los postulados Kantianos. Es la condición
de aquello que se da a si mismo su propia y en contraste con la Heteronomía. Declarar
la independencia para el dominio estético supone aceptar que los fundamentos de ese
reino no son tomados de fura sino que son fundamentos propios, internos y no
importados desde fuera. La belleza del objeto descansa no en la utilidad del mismo
y desprovista de contenido. El desinterés cuando se lleva al reino artístico tiene
también un aspecto positivo ya que el desinterés es una llamada de atención contra el
entendimiento del objeto como un mero útil. Es la manera de macar una distancia en el
arte frente a lo no artístico y precisamente por que el desinterés se instala en el objeto
artístico hace que el arte se vuelva interesante para el ser humano, por que nos habla
de cosas diferentes a las que vemos fuera del arte. De ello deducimos que la
autonomía en Kant no es una autonomía absoluta, se presta a ciertas
contaminaciones. la cual vale para la naturaleza pero no vale de la misma manera
para el arte la cual no es absoluta sino parcial o relativa. El primer argumento en el que
nos apoyamos es que cuando Kant habla de la belleza hace una distinción: la belleza
libre y la adherente, la diferencia que el establece es que intervenga o no el concepto
en ella. La belleza libre no supone concepto alguno de lo que el objeto debe ser, la
belleza adherente si contiene un concepto de lo que el objeto es, abriendo un
concepto lo que busco en la representación artística es la perfección de ese objeto. En
el primer caso la belleza solo depende de si misma siendo una belleza libre y la
segunda belleza depende del concepto que la acompaña, ya no hay libertad. Belleza
libre para la naturaleza, belleza adherente para el arte. La autonomía para el arte tiene
limites para Kant, no es una belleza absoluta y libre como en el caso de la naturaleza.
El segundo argumento en el que nos basamos tiene que ver en la ética, Kant dejara
ver en sus escritos que es un ilustrado, la prueba la tenemos en la caracterización de
lo sublime. Lo sublime en Kant frente a lo bello es exclusivo al arte. Lo característico
de lo sublime es que además de placer hay mas cosas, el sujeto no solo siente sino
que reflexiona. Luego el sujeto siente y a la vez reflexiona haciendo que le juego de
facultades sea ya un juego serio porque en ese juego además de la imaginación y el
entendimiento participa la razón. Se siente y se piensa, esta diferencia es porque el
objeto que tiene delante de si el objeto es distinto, ya noes un objeto limitado que me
trasmita tranquilidad, el objeto que tengo delante de mi es un objeto delimitado y
perturbador. Es un objeto que en un primer momento me da miedo pero acto seguido
despierta en mi una profunda admiración asiéndome considerar su radical diferencia
respecto a mi. Admiración, respeto, reconocimiento valores que trasmite el arte y que
son aplicable al universo extra artístico, son valores profundamente ético.
Tercer y ultimo argumento en el que nos basamos para afirmar la autonomía artística
de Kant cuando se traslada a la esfera del arte. Kant es el que establece la figura
artística del genio, es el artista que al igual que el sujeto moderno ha conseguido su
independencia, el que ya no admite ninguna regla impuesta desde fuera y es el único
que puede establecer esas reglas para sus creaciones. La creación artística del genio
surge de un tipo particular de ideas llamadas ideas estéticas, producidas en el acuerdo
de la razón , que la obra de arte nazca de ideas estética es lo que evita que el arte sea
un objeto sea un mero juego de formas y apariencias. El genio va de la mano del
gusto, de saber dar con aquella forma a través de la cual hacer comunicable la idea
estética, a través de la cual esa idea estética pueda ser socialmente compartida.
El gusto general, el gusto que impera es lo que evita que el genio artístico se extravié,
la atomía del artista tiene que ser capaz de conjugarse con la sociabilidad. Debe poder
vivirse en sociedad. Las ideas el genio fruto de la libertad deben integrarse en la
cultura, en el conjunto social y por eso aquí el arte entronca con la ética, con la esfera
moral porque no indica que la libertad subjetiva tiene sentido vivía en comunidad.
Desde el arte nos tramite valores que trasciende el universo artísticos, por que solo
desde ese compromiso ético tiene sentido el arte para Kant. El arte sin una dimensión
ética se vuelve mera distracción, un vano entretenimiento, un adorno inútil. Solo
mirando hacia lo extra artístico tiene sentido lo artístico.
La postura de Kant hacia la autonomía fue extremadamente ambigua y compleja.
Debido a esa condición autónoma separada, aislada, debido a esa experiencia
desinteresada que en el siglo XVIII se ha asociado al arte en el romanticismo ese arte
se va a convertir por un lado en una forma de resistencia frente al poder y al nuevo
sistema establecido por la burguesía y la vez se va a entender como una forma de
compromiso con la nueva sociedad anunciada de impronta ilustrada de basada en los
ideales de igualdad que todavía insta de ser una realidad.
Así es como el reino artístico en el periodo romántico estará mas cerca de la vida de
fura que en lo que principio parece. Forma de resistencia y forma de compromiso, se
explica así que en el periodo romántico el arte empiece a utilizarse sin el calificativo
adjunto de bello ARTE = BELLO y al mismo tiempo empieza a utilizarse de forma
