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TEMA 1: E L MENSAJE DE LA MÚSICA
La Música es el arte de combinar los sonidos en el tiempo. 1.2. ¿Cómo percibimos la música? 1.2.1. El oído humano El oído capta la vibración sonora para transmitirla hasta el cerebro, donde la información sonora se procesa, se analiza y se comprende. Nuestro sistema auditivo está formado por tres secciones:
- El oído externo: formado por el pabellón auditivo (oreja) y el canal auditivo. La función principal de la oreja es captar la vibración sonora y proporcionar cierta protección al oído medio, es decir, prevenir daños al tímpano. Además, canaliza las ondas sonoras hasta el canal auditivo.
- El oído medio: es una cavidad llena de aire donde se encuentra el tímpano y una cadena de huesecillos fundamental para transmitir la vibración sonora hasta el oído interno. El tímpano es una membrana muy estirada que vibra cuando la presión de las ondas sonoras llega hasta ella. Los movimientos del tímpano activan la cadena de huesecillos (martillo, yunque y estribo) que conectan con el oído interno. El estribo es un huesecillo que amplifica la frecuencia de las ondas sonoras y es el que conecta directamente con el oído interno.
- El oído interno: está formado por la cóclea (o caracol), los canales semicirculares o laberinto y el nervio auditivo. La cóclea está llena de un fluido que se encarga del equilibrio, pero lo más importante es su superficie interna, que está recubierta por más de 20.000 células nerviosas que cumplen un papel fundamental en la percepción y transmisión del sonido hasta el cerebro. Estas células liberan un impulso eléctrico que se transmite hasta el cerebro a través del nervio auditivo. Mediante un proceso que no se conoce al 100% aún, el cerebro es capaz de interpretar estos sonidos acústicos recogidos por la oreja y transformarlos en impulsos eléctricos. 1.2.2. Planos auditivos
- Plano sensorial o físico: consiste simplemente en captar físicamente el sonido o la música que esté sonando por nuestro oído. De manera inconsciente todos captamos sonidos del ambiente o músicas a las que no prestamos atención, como el hilo musical de unos grandes almacenes, o la música que suena cuando nos mantienen en espera durante una conversación telefónica. El verbo que usamos para este plano auditivo es el de oír. Oímos que hay algo sonando, pero no prestamos demasiada atención.
- Plano emocional: consiste en escuchar música, es decir, además de percibir la música, esta nos produce efectos emocionales, nos recuerda algo agradable o desagradable, nos gusta o nos disgusta, nos divierte o aburre. En este plano emocional es donde se encuentra todo individuo al comenzar su relación con la música. Verbo escuchar.
- Plano intelectual o analítico: se suman los dos planos anteriores con una peculiaridad; además de captar la música y de discernir si me gusta o no, la analizo, la decodifico, comprendo los elementos que la forman y cómo está compuesta. Verbo oír-escuchar- analizar.
1.3. Elementos que conforman la música: el sonido La materia prima de la música La música está formada por sonidos que suenan en un momento temporal concreto; por tanto, solo existe la música cuando está sonando. 1.3.2. Cualidades del sonido Timbre: es la cualidad del sonido que nos permite distinguir un sonido de otro, es decir el color del sonido. Por ejemplo, nos permite distinguir entre el sonido de un violín y de una guitarra. Podemos agrupar los diferentes timbres en lo que se conoce como plantilla. Al escuchar música distinguimos tres tipos de plantillas:
- Música de plantilla vocal: aquella producida por timbres de voces tanto masculinas como femeninas.
- Música de plantilla instrumental: aquella en la que intervienen timbres de diferentes instrumentos.
- Música de plantilla mixta: aquella en la que intervienen timbres de voces e instrumentos.
El timbre de cualquier sonido depende del material del que esté hecho el emisor del mismo, de cómo se haga sonar y la serie de sonidos armónicos que lleva aparejado todo sonido.
Intensidad : es el volumen con que se emite cualquier sonido, musical o no. Así, una vez diferenciado el timbre del sonido, por ejemplo, un violín, debemos identificar si suena fuerte o suena débil. Este es el parámetro de la intensidad. En música, usamos la palabra dinámica para referirnos al volumen o intensidad con que se interpreta cualquier pieza musical. Las principales dinámicas musicales son:
Término Abreviatura Significado
Pianissimo pp Muy suave
Piano p Suave
Mezzo i
mp Medio suave
Mezzo f t
mf Medio fuerte
Forte f Fuert
Fortissimo ff Muy fuerte
Estos matices se completan con los reguladores: crescendo y diminuendo. Tono o altura : es la cualidad que permite distinguir entre sonidos graves y sonidos agudos. La altura o el tono viene determinado por el número de vibraciones por segundo, o lo que es lo mismo, la frecuencia. La sucesión de sonidos de diferentes tonos o alturas da lugar a la melodía. En el ámbito de la música se representan con notas: Do-Re-Mi-Fa-Sol-La-Sí. Duración: Esta cualidad del sonido que se relaciona con el tiempo. La percepción del tiempo varía dependiendo de las circunstancias de cada persona. La duración nos permite diferenciar entre sonidos largos y sonidos cortos, sonidos rápidos y sonidos lentos, etc La sucesión de sonidos de distinta duración da lugar al ritmo. En el ámbito de la música se representa con figuras: corchea, semicorchea, blanca, negra, redonda, etc. 1.4. Elementos del lenguaje musical La combinación de los sonidos musicales con sus cualidades da lugar a tres elementos del lenguaje musical: Ritmo: Está relacionado con la cualidad del sonido de la duración. Como palabra genérica el ritmo tiene que ver con el tiempo, el orden y el movimiento. Se distinguen tres tipos de ritmo:
- Ritmo regular: Es el ritmo que no sufre alteraciones de velocidad, que tiene patrones repetitivos. Se distingue porque la música de ritmo regular se puede acompañar fácilmente con las palmas. Este ritmo es propio de la música militar, del aeróbic, y también está presente en el Barroco y Clasicismo.
- Ritmo irregular: Es el ritmo cuya velocidad no es constante. Los patrones no son simétricos, son inconstantes inestables y desparejos. Este tipo de ritmo podemos observarlo en música del Romanticismo, especialmente en la música para piano, con la técnica del rubato, donde se acelera y desacelera la velocidad de una obra musical.
- Ritmo asimétrico: Dentro del ritmo irregular se dice que un ritmo es asimétrico cuando los patrones son muy complejos. -Ritmo libre: es un ritmo no medido. No se distingue patrón alguno. Este tipo de ritmo se ve, por ejemplo, en el Canto Gregoriano donde, además, el ritmo depende del texto.
- Ritmo libre: es un ritmo no medido. No se distingue patrón alguno. Este tipo de ritmo se ve, por ejemplo, en el Canto Gregoriano donde, además, el ritmo depende del texto (ritmo prosódico). La interpretación del ritmo libre es subjetiva, pues depende de los intérpretes.
Melodía: es la sucesión de sonidos con diferentes alturas o tonos. Se relaciona con la cualidad del sonido de tono o altura. En su sentido más literal, una melodía es una combinación de alturas y ritmo. Armonía: es el tercer elemento que conforma la música occidental. la armonía musical y ordenación sonora son un conjunto de normas y reglas por las cuales se rige la composición musical. De modo general, hablamos de «armonía» o de algo «armónico» cuando hay un equilibrio de las proporciones entre las distintas partes que conforman un todo. 1.5. Textura musical
Música no diegética : su composición no está sujeta a la presencia en la pantalla de ninguna fuente sonora. El compositor goza de libertad en la elección de la plantilla instrumental a utilizar. Tiene como finalidad principal subrayar el carácter poético y/o expresivo de las imágenes proyectadas. Su relación no es antagónica, sino de complementariedad. La música diegética se convierte en no diegética. La composición de música para cine se rige por determinados parámetros:
- Tiempo (minutaje)
- Etiquetado de los diversos estados de ánimo
- Leitmotiv
La creación cinematográfica viene impuesta por la imagen. Esta determina la sumisión de la partitura musical a los presupuestos espirituales y estéticos de la película. La música de cine ha de cumplir las siguientes funciones:
- Atmósfera (tiempo y lugar)
- Subrayar refinamientos psicológicos (por refuerzo o por contrapunto)
- Fondo neutro (mantenedor del tono de la película)
- Continuidad (montaje sonoro)
- Sentido final de la escena o película (punto culminante, etc.)
Existen tres procedimientos para la creación de una banda sonora:
o es encargada en su totalidad a un compositor o incluye única y exclusivamente música pregrabada o emplean conjuntamente las dos opciones anteriores.
El ritmo en el discurso cinematográfico está presente a través de la duración de los diferentes planos que lo conforman; en secuencias breves dependerá del movimiento de la cámara, de los diálogos, de las características de la imagen... Sin embargo, es el único elemento que posibilitará el diálogo entre imagen y sonido. El valor representativo del sonido: la música puede crear una imagen que no está presente en la pantalla. Su representación se incorporará a la acción que estamos contemplando. Se conoce como imagen fuera de campo. La suspensión: fenómeno contrario al anterior. Consiste en la no existencia, o en la desaparición, de un sonido producido por un objeto o medio sonoro que sí está presente en la imagen. Es un procedimiento que genera tensión. Negación de la imagen: la música permanece inalterable en un discurso que no acompaña las características de la imagen. La ignora con una intención de simultanear discursos diferentes. Fuentes musicales históricas: cada periodo histórico posee una música determinada, cuya utilización para ilustrar imágenes del mismo periodo es aconsejable, aunque no siempre respetada. El leitmotiv: técnica compositiva que consiste en la asignación a un personaje, un sentimiento o situación específica de un motivo melódico, tímbrico, etc. que lo identifica y representa a lo largo de la obra, sometido a diferentes transformaciones. Configuración sonora de un personaje: atendiendo a las características físicas y humanas de un personaje, se le dota de una configuración sociológica y psicológica (voz, sonrisa, llanto... con un timbre específicos). Configuración sonora de un paisaje rural o urbano: según las intenciones dramáticas, un paisaje presentará diferentes estructuras sonoras con un elevado valor simbólico. TEMA 2: L ENGUAJE MUSICAL PARA MAESTROS : RITMO , MELODÍA , ARMONÍA Y FORMA 2.2. El ritmo y su escritura Leguaje Musical: vía a través de la cual codificamos los elementos sonoros y rítmicos (partituras). Es la herramienta a través de la cual traducimos y plasmamos los códigos musicales. Es una herramienta imprescindible para el conocimiento y el dominio de la música como lenguaje. El ritmo, en el sentido amplio de la palabra tiene que ver con el movimiento musical ordenado en el tiempo. A la hora de escuchar música, diferenciábamos el ritmo regular, el ritmo irregular y el ritmo libre. Según el sentido más específico de la palabra ritmo, este consiste en un modelo de ataques. Estos ataques se pueden dividir en diferentes dimensiones rítmicas: Pulso (o tiempo): es el colchón sobre el que se organiza la música, una constante, el latido interno de la música. Estos latidos son regulares y no acentuados. La mayoría de las músicas occidentales tienen una pulsación, un latido interno más o menos perceptible.
Tempo (velocidad del pulso): Esta velocidad se indica a través de términos italianos situados al inicio de la partitura y/o también a través del símbolo de una figura musical = número. Estos términos italianos o las figuras con su representación numérica, se situarían al inicio de la partitura en la parte superior:
Esto significa que la pulsación representada por la figura de la negra va a una velocidad de 100 pulsos por minuto. Los términos más comunes son:
Términ o
Ppm (aprox)
Significado
Largo 40-60 Muy lento Largett o
60 a 66 lento
Adagio 66 a 76 Lento y majestuoso Andant e
76 a 108 Al paso, tranquilo, un poco vivaz Allegro 120 a 168 Animado y rápido Presto 168 a 200 Muy deprisa
Compás: Es la agrupación de los pulsos por medio de acentos. Por lo que depende de los acentos del pulso. Divide el tiempo en partes iguales.
o Acentos cada dos pulsos = compás binario: Fuerte + Débil (F+D) o Acentos cada tres pulsos = compás ternario: Fuerte + Débil + Débil (F+D+D) o Acentos cada cuatro pulsos = compás cuaternario: Fuerte + Débil + Semifuerte + Débil (F+D+SF+D)
Indicador de compás Son dos números en forma de fracción que se colocan al comienzo del pentagrama o ejercicio rítmico. El numerador indica en cuantos tiempos o pulsos se divide el compás.
-Binarios: dos pulsos;
-Ternarios: tres pulsos;
-Cuaternarios (Binarios): cuatro pulsos.
El denominador indica la duración de cada tiempo (figura que vale un pulso). Puede estar representado mediante un número o una figura
Ritmo: son los sonidos que hay entre los pulsos o compases. Se representan a través de las figuras musicales. Cada figura musical tiene su correspondiente silencio con igual duración y valor.
Las notas se colocan en las diferentes líneas y espacios. Depende de en qué línea o espacio estén situadas será una nota u otra. Otro factor que influye en el nombre de las notas es la clave musical. La clave musical es un signo que se sitúa al principio del pentagrama y que nos va a indicar la altura y nombre de las notas.
Eso significa que una nota situada en el pentagrama puede ser cualquier nota dependiendo de la clave en la que se lea. Las claves se utilizan principalmente para suplir las limitaciones del pentagrama. La distancia o zona de extensión de la nota más grave de una partitura a la nota más aguda sería lo que se conoce como tesitura o registro. 2.3.1. El intervalo El intervalo es la distancia que existe entre dos notas consecutivas. Las notas de la escala musical mantienen diferentes tipos de distancia. Escala diatónica : en el sistema tonal la distancia se establece en tonos y semitonos es una escala de 7 sonidos estando en la escala de Do Mayor los semitonos entre MI y FA y SI y DO.
Escala cromática : muy usada en las vanguardias, es una escala de 12 sonidos y la distancia entre una nota y la siguiente es de semitono.
Además de la distancia entre dos notas consecutivas en la escala, necesitamos saber la distancia entre dos notas contiguas. Los intervalos serían además de segunda, de tercera, de cuarta, de quinta, etc. Partiendo de la nota Do, se pueden señalar los siguientes intervalos:
2.3.2. Alteraciones Una nota musical puede ser alterada en cuanto a su afinación, elevándose o rebajándose, por ejemplo, un semitono. Esto se consigue mediante las alteraciones accidentales, signos que se escriben a la izquierda de la nota. Estas serían las alteraciones fundamentales
Sostenido. Eleva medio tono la altura de la nota.
- b Bemol. Rebaja medio tono la altura de la nota.
- ♮ Becuadro. Anula las alteraciones anteriores. 2.4. La armonía y su escritura La armonía u ordenación sonora son las reglas y procedimientos que utilizan los compositores para la creación musical. Estas reglas y procedimientos no son absolutos ni cerrados, sino que han variado a lo largo de la historia. Los sistemas armónicos fundamentales son tres: el sistema modal (hasta el Barroco), el sistema tonal (a partir del Barroco) y otros sistemas a partir del siglo XX como son el atonal, dodecafonismo, escalas cromáticas, etc. Estos sistemas están basados en escalas y en un sistema de jerarquía de notas. El sistema tonal se fundamenta en:
- Escalas basadas en modos mayores o menores. Los modos mayores suelen parecer «más alegres» y los modos menores «más tristes».
- En un sistema de jerarquía de notas, donde algunas notas fundamentales son la tónica (grado I de la escala), la dominante (grado V de la escala) y la sensible (el grado VII de la escala).
Do Mayor
La tonalidad en una partitura se indica de forma gráfica a través de alteraciones, que situadas después de la clave reciben el nombre de alteraciones propias. Si después de la clave no aparecen ninguna alteración propia implica que estamos en la tonalidad de do mayor o la menor que son las tonalidades más comunes en las canciones populares escolares. En cuanto a la jerarquía de notas, si quisiéramos acompañar una canción con algún instrumento melódico tendríamos que tener en cuenta las notas fundamentales de esta escala para formar acordes. Acorde: es el conjunto de tres o más notas diferentes que suenan simultáneamente y que forma una unidad armónica. También pueden existir notas que tocadas a la vez suenen de manera desagradable a nuestro oído. Esto es la disonancia. En la música de las vanguardias es un recurso muy utilizado. Un ejemplo de disonancia son los intervalos de segunda. 2.5. Formas musicales La forma musical refiere al modo en que se estructuran y exponen las ideas en una obra musical. Generalmente se dividen en: 2.5.1. Formas simples Son aquellas formadas por un solo movimiento, sin divisiones y se subdividen en:
- Formas libres: en ellas, el compositor tiene absoluta libertad de estructura, sin ceñirse a esquemas prefijados. A estas formas pertenecen piezas como las fantasías, las tocatas, los preludios.
- Formas fijas: aquellas cuya estructura sigue un esquema fijo. -La forma simple y fija más sencilla es la forma canción, dividida en dos secciones alternas: estrofa (A) y estribillo (B). El esquema es A-B-A. -Otra forma simple y fija muy sencilla es el rondó. Así, un tema A aparece varias ocasiones alternando con distintos temas (B, C, D…). El esquema sería, pues, A-B-A-C-A-D. -Una forma simple pero más compleja en cuanto a construcción es la fuga, que consiste en la exposición de un tema en varias voces, entrando estas de manera escalonada, su combinación con otros elementos y su exposición final tiene un carácter netamente imitativo.
2.5.2. Formas compuestas Son aquellas divididas en varios movimientos. Dentro de estas formas encontramos:
- La suite: forma musical basada en la sucesión de varias danzas, y que solían seguir el esquema danza- vivadanza-lenta-viva-lenta...
- La sonata: se emplea tanto como: -Estructura Global: Referida a los movimientos que la forman. Se articula en en Tiempo vivo-Tiempo lento- Tiempo danzante-Tiempo vivo. -Estructura interna: se centra en la forma del primer movimiento que sigue el siguiente esquema: o Exposición: dos temas contrastados, A y B, en diferentes tonalidades cada uno. o Desarrollo: el compositor manipula los elementos de la exposición de manera libre. o Re exposición: vuelven a aparecer los temas A y B pero en la misma tonalidad. La sección de la Exposición puede estar antecedida de un Introducción. La estructura interna y global de la forma sonata influyó en géneros trascendentales de la historia de la música como: -El cuarteto (para 2 violines, 1 viola y 1 violonchelo) -El concierto (para uno o varios instrumentos solistas y orquesta) -La sinfonía (orquesta sinfónica)
TEMA 3: L A VOZ Y OTROS INSTRUMENTOS MUSICALES 3.2. El cuerpo como instrumento
Respecto a los tipos de respiración, podemos distinguir tres tipos:
- La diafragmática o abdominal es la respiración básica del canto, ya que es la que requiere de menor gasto energético y el intercambio de aire es más completo. Básicamente, consiste en llenar la parte inferior de los pulmones empujando los músculos del diafragma.
- La respiración costal-superior consiste en llenar de aire el tórax, ensanchando las costillas laterales. Este tipo de respiración solo utiliza la parte superior de los pulmones, el esternón y las costillas. Al ser estructuras de escasa flexibilidad, no facilitan la emisión, por lo que no es muy adecuada.
- La respiración completa es la suma de las dos anteriores. Consiste en llenar primero el abdomen, a continuación, el tórax y, por último, la zona costal-lateral.
3.3.3 La fonación El aparato fonador es aquel en el que el aire se transforma en sonido. Se compone de laringe y cuerdas vocales. Cuerdas vocales: pliegues situados en la laringe por debajo de las bandas ventriculares. En su espesor contienen el músculo vocal y el ligamento vocal de color blanquecino que semeja una cuerda. 3.3.4. Los resonadores El aparato resonador es donde el aire, transformado en sonido, se expande adquiriendo su calidad y su amplitud. Básicamente, la voz es un sonido que se produce en las partes más internas de la garganta, siendo amplificado, posteriormente, en la cavidad torácica y la cavidad bucal. Para un funcionamiento idóneo de este proceso, la voz debe emitirse con:
- Una correcta presión diafragmática que regule la intensidad del sonido
- Una correcta abertura de la laringe, que variará en función de la altura de los sonidos
- Una correcta colocación de la voz, lo que refiere a una proyección o dirección imaginaria del sonido.
3.3.5. La articulación Consiste en utilizar los órganos móviles de la boca y la cavidad resonante para transformar el sonido producido en la laringe en vocales, consonantes, sílabas, palabras, etc. Mientras las vocales deben ser amplias y sonoras, las consonantes deben ser breves y suaves. Tener en cuenta como técnica correcta para el canto:
- Boca: Posición como cuando reprimimos un bostezo (labios cerrados, fondo de garganta abierta y velo del paladar alto)
- Mandíbula inferior: Libre de contracciones, pudiendo ascender y descender con soltura, sin alterar los sonidos.
- Lengua: Blanda y pasiva en los sonidos mantenidos; firme y vivaz para la articulación.
- Velo del paladar: Su posición alta libera el fondo de la garganta y asegura un sonido redondo.
- Labios: Soltura y firmeza requerida.
3.3.6. Clasificación y evolución de la voz La voz humana puede ser clasificada en dos grupos:
- Femenina – infantil (voces blancas): el timbre de la voz infantil y el de la mujer es diferente, pero, en cuanto a la altura, están colocadas en el mismo registro y, en función de la gama de sonidos que un instrumento puede ejecutar, podemos clasificarlas en: o Soprano: la más aguda de las blancas. Su función, por lo general, dentro del coro, es la melódica. o Mezzosoprano: voz intermedia. o Contralto: la voz grave dentro de las blancas. Antiguamente, indicaba la voz más elevada que el tenor.
- Masculina: en función de su tesitura, encontramos: o Tenor: voz más aguda del canto masculino adulto. o Barítono: voz intermedia. o Bajo: la más profunda, su timbre es lleno y potente.
3.4. El canto como proceso educativo-musical 3.4.1. La canción La música, como forma de expresión, percepción y comunicación, utiliza la expresión vocal como un medio. La canción tiene gran importancia porque funde música y lenguaje constituyendo un excelente vehículo de expresión. -Música: expresa alegría, tristeza, melancolía o misterio… (combinación de elementos musicales: tonalidad, ritmo, melodía, etc.) -Texto: transmite mensajes verbales de gran fuerza comunicativa.
3.4.3. Tipos de canciones Según el mensaje que transmita el texto de las canciones no encontramos con diferentes tipos:
- Canciones populares: aquellas referidas al folclore y tradiciones de distintos lugares.
- Canciones infantiles: resultan imprescindibles para la iniciación musical. Son canciones sencillas cuya temática está adecuada al lenguaje y vocabulario de los niños, con líneas melódicas claras, una tesitura ajustada y una interválica sencilla.
- Canciones didácticas: aquellas que responden a fines pedagógicos establecidos, es decir, en las que se trabaja algún contenido específico, como el nombre de las notas, los días de la semana, etc.
- Canciones de juegos: aquellas que forman parte de la dinámica de un juego como las de corro, de comba, etc.
3.4.4. Beneficios del canto en la escuela El canto se muestra como una actividad sumamente útil, ya que: -A nivel cognitivo: favorece el desarrollo de la memoria, la concentración, el análisis y la creatividad. -A nivel afectivo: mejora la autoestima, libera tensiones emocionales, crea pautas de conductas y favorece la socialización e integración grupal. -A nivel psicomotor: desarrollo del aparato fonador, el aparato respiratorio y el aparato resonador. También cabe destacar las posibilidades globalizadoras e interdisciplinares que posee el canto ya que puede favorecer al: desarrollo lingüístico (trabajar l articulación, dicción y fraseo), desarrollo rítmico 8tanto del verbal, corporal, motriz, etc.), desarrollo melódico, desarrollo auditivo, desarrollo técnico (trabajar la respiración, etc.) 3.5. El canto coral El canto coral hace referencia a la práctica habitual de canto en grupo y no a la formación de un coro escolar. Este tipo de canto produce una gran satisfacción personal, permite un alto grado de participación y funciona como un importante factor de socialización e integración grupal. El canto coral o colectivo puede ser:
- Canto monofónico o al unísono: consiste en la interpretación de una única línea melódica sin ningún tipo de armonía o acompañamiento, independientemente del número de voces que intervengan.
- Canto polifónico es aquel que consta de varias melodías que funcionan con autonomía propia. Las composiciones polifónicas forman una trama de líneas horizontales, es decir, voces rítmica y melódicamente independientes.
- Canto homofónico es aquel que consta de una línea melódica principal que destaca sobre el resto de voces que sirven de soporte armónico. En este tipo de canto domina una estructura vertical o acordal.
Debemos tener presente que cuando practicamos el canto en el aula, estamos realizando una actividad de canto coral, en la que el maestro asume el papel de director por lo que es necesario tener principios básicos de dirección coral. Para ello se valdrá principalmente de a expresión gestual. Gestos sencillos, precisos y expresivos que indiquen, con ayuda de las manos, los brazos, el rostro y la mirada, el carácter y el aire de la canción; así como las pulsaciones, acentos, respiraciones, entradas, dinámicas, comienzo, final, etc. 3.6. Clasificación tradicional y moderna de los instrumentos musicales La organología, ciencia que estudia los instrumentos musicales, los clasifica atendiendo a su contexto cultural y a las necesidades del clasificador. Tradicionalmente, los instrumentos se han clasificado en tres grandes familias: cuerda, viento y percusión. Posteriormente, autores como Sachs y Hornbostel (1994) elaboraron otro tipo de clasificación más lógica teniendo en cuenta el modo de producción del sonido, su ejecución y la construcción del instrumento. Encontramos 5 grupos:
- I diófonos son aquellos instrumentos cuyo sonido es producido únicamente por la vibración de su propio material. Golpeándolos, entrechocándolos, agitándolos, raspándolos, punteándolos, frotándolos. Por ej.: el triángulo, castañuelas, caja de música, serrucho, etc.
- M embranófonos son aquellos instrumentos cuyo sonido es producido por la vibración de una membrana o piel tensada. El mayor grupo lo constituyen los tres tipos de tambores percutidos: los timbales, los tambores y el pandero.
- C ordófonos son aquellos instrumentos cuyo sonido es producido por la vibración de una cuerda tensada. Según el modo de ejecución se clasifican en: cuerda frotada, como violín; cuerda punteada con los dedos,
- A grupaciones orquestales son aquellas que se caracterizan por estar formadas por muchos componentes. Podemos encontrarnos orquestas de cuerda, de viento o incluso, de percusión. En la orquesta sinfónica participan las tres familias de instrumentos. De cámara, de cuerda, sinfónica...
- Conjuntos mixtos son aquellos en los que encontramos participación de instrumentos tanto vocales como instrumentales.
- Banda , formada exclusivamente por instrumentos de viento y percusión. Sin embargo, en la denominada banda sinfónica, se incluye también el contrabajo, que actúa a modo de refuerzo para los sonidos graves.
TEMA 4: L A MÚSICA EN LAS ANTIGUAS CIVILIZACIONES Y EN LA E DAD M EDIA 4.2. La música en las antiguas civilizaciones de Grecia y Roma En Grecia, la música estuvo íntimamente vinculada a las artes plásticas, a la literatura, poesía, danza y drama. Estaba presente en todos los ámbitos de la vida social del pueblo. Incluso llego a ser cuestión de estado. La mitología griega atribuía un origen divino a la música y citaba a los dioses como sus inventores y primeros practicantes. También le atribuyeron poderes curativos pudiendo purificar cuerpo y mente y obrar milagros de la naturaleza. La teoría musical de los griegos, que afectó a la música de Europa occidental durante el Medievo, respondían a dos categorías:
- Doctrinas acerca de la naturaleza de la música, su lugar en el cosmos, sus efectos y sus empleos adecuados en la sociedad humana.
- Descripciones sistemáticas de los materiales y esquemas de la composición musical.
El iniciador de la teoría musical griega fue Pitágoras el primero en investigar y enunciar las leyes del sonido y desarrolló la teoría musical según una ordenación matemática. La doctrina que unía la música con los números y su relación con el orden del cosmos, fue expuesta por Platón en dos de sus obras: Timeo y La República. Para los pensadores griegos, la música era más ciencia que arte. Los instrumentos musicales también acompañaban a la mayoría de los acontecimientos de la vida griega. Entre los que podemos citar:
- Lira: utilizada en el culto a Apolo.
- Aulos: Utilizada en el culto a Dionisio.
- Cítara y Lira: utilizado solo o como acompañamiento en el canto y la recitación.
El legado musical antiguo se resume en:
Línea melódica pura. Melodía íntimamente vinculada con el texto. Ejecución musical basada fundamentalmente en la improvisación. Consideración de la música como un sistema ordenado coincidente con el sistema de la naturaleza. Una teórica acústica con fundamentos científicos. Una terminología musical desarrollada.
4.3. La Edad Media 4.3.1. Panorama histórico, artístico y cultural El cristianismo actuó como nexo entre la Antigüedad Clásica y la Edad Media. Surgió como una rama de la religión judía por ello, conservó muchas de las caracteristicas de la liturgia judía, adaptandolas para conformar la nueva religión. Otro de los hechos históricos que marcó el trascurrir de la época medieval fue la caída del Imperio Romano. Cuando en el año 476 el último emperador, Rómulo Augústulo, abandonó el trono, se da por finalizado el período del Imperio romano Roma pasa a ser la capital del mundo occidental. El sello religioso impregnará todas las manifestaciones político-culturales y artísticas de la Edad Media En esta sociedad surgirá un nuevo pueblo: el árabe, el cual dividirá religiosamente al Mediterráneo y contribuirá al desarrollo y difusión de muchas ciencias y manifestaciones artísticas. En la Edad Media se definen dos corrientes artísticas principales:
El arte románico empieza a hacer su aparición en la arquitectura, difundiéndose por la Europa cristiana hasta el siglo XIII. Su nombre deriva del intento de relacionar este arte con la antigua tradición romana. El hieratismo, la severidad y la pesadez son elementos que se han conservado en sus manifestaciones de carácter religioso. El arte gótico se inicia al norte de París (San Denís) hacia el año 1120, difundiéndose por Europa a través del Císter (orden cisterciense) en la segunda mitad del siglo XII.
-A diferencia del románico, el gótico aparece como la línea vertical que tiende hacia las alturas. -A finales del siglo XIII, el idealismo y ascetismo espiritual del gótico da paso a un sentido de humanización, fruto del espíritu franciscano que pretende acercar la religión al hombre y a sus preocupaciones terrenales. 4.3.2. La música en la Edad Media 4.3.2.1. Canto religioso en el Medievo La primitiva música cristiana también fue un nexo entre lo griego y lo medieval. Los préstamos más importantes de la religión judía fueron el canto de las lecturas de la Biblia y el canto solista de los Salmos con respuestas de la asamblea cuya principal fuente fue el Libro de los Salmos. La iglesia primitiva, aunque no rompió totalmente con el culto judaico, sí originó un radical cambio de sentido de los ritos de la liturgia judaica. En el repertorio de la primitiva música cristiana, también encontramos los Himnos, de procedencia oriental cuyo contenido religioso no es bíblico y cuya forma es estrófica y silábica. San Ambrosio fue un destacado creador de himnos. Origen y características del canto gregoriano El Papa Gregorio I (San Gregorio), que gobernó la Iglesia entre los años 590 y 640, intentó regularizar y normalizar los cantos litúrgicos. Asignó determinadas partes de la liturgia a los diversos servicios a lo largo del año en un orden que se mantuvo hasta el siglo XVI, estableciendo un repertorio de canto llano de uso en todos los países. S. VIII, Roma, Schola Cantorum (formación de músicos eclesiásticos). Su gran visión de futuro y su profunda preparación, concedió gran importancia al significado de la música en el templo y fue así como surgió en Canto Gregoriano. Sus principales características son:
- Monódico.
- Colectivo.
- Anónimo.
- Vocal.
- Sin acompañamiento de instrumentos.
- De ritmo libre.
- Con signos especiales de notación: neumas.
El canto gregoriano es un canto exclusivamente vocal y, podemos diferenciar tres estilos en el mismo:
- Silábico: las melodías silábicas tienen una única nota por cada sílaba del texto y son, por tanto, las de estilo más sencillo.
- Neumático: implica que cada sílaba se corresponde con un grupo de pocas notas.
- Melismático: los pasajes más largos cantados sobre una sola sílaba se llaman melismas, de ahí que un canto con varios pasajes de este tipo sean melismáticos.
Formas litúrgicas del repertorio gregoriano La música del Oficio Oficio de Vísperas (al atardecer), Oficio Maitines (última hora de la noche) y Oficio Laudes (primeras horas de la mañana) junto con la misa constituían las principales formas de la liturgia cristiana. Cada uno de estos oficios tiene una estructura y está formada por diferentes elementos:
- Salmos: versículos interpretados por un solo cantor, alabando a Dios.
- Antífonas: alternancia de grupos corales que al final, se reúnen en el estribillo.
- Responsorios: alternancia constante del cantor con estribillo de los fieles.
- Himnos: Se cantaban en todos los oficios, aunque un mismo texto podía servir para varias ocasiones. Desde el principio, la Iglesia ha dudado en aprobar los himnos por su temática religiosa no litúrgica. En los primeros siglos del cristianismo la Iglesia fue muy estricta, pero la gran aceptación popular del himno, contribuyó a su aceptación.
La forma más primitiva de polifonía aparece en el S. IX y se denominó organum: a una voz, llamada tenor o voz principal, se le añadía otra, llamada organalis. La evolución de la polifonía fue muy lenta y no será hasta la primera mitad del siglo XII cuando, en la escuela de San Marcial de Limoges, se desarrolla lo que conocemos como organum florido. La escuela de Notre Dame llevará a su apogeo a este organum florido y con esta arrancará el período conocido como Ars Antiqua. Como continuación del movimiento polifónico, en el siglo XIV se inicia una transformación musical recibiendo el nombre de Ars Nova. Arte nueva o técnica nueva, proviene del título del tratado escrito por el compositor y poeta francés Philippe de Vitry hacia 1322. Nueva tendencia musical de origen francés que propone innovaciones como: uso de la métrica binaria y el contrapunto (nota contra nota). Guillaume de Machaut es el principal compositor con su Roman de Fauvel (primer documento musical de esta nueva arte, 1320) Las novedades de esta nueva tendencia musical son las siguientes:
- Se desarrolla la individualidad del compositor
- Se establecen definitivamente la notación musical y los valores
- Se extiende el uso de la imitación entre las voces y el canon empleando corrientemente la polifonía a tres o cuatro voces
- El estilo melódico es más florido
- La música profana extiende su uso a la danza y a lo instrumental.
4.3.3. La música medieval en España En el siglo X, los tres estados cristianos independientes eran los Reinos de Navarra y Aragón y el Condado de Barcelona, que se habían independizado de los francos. El fraccionamiento del territorio fue la causa de que la unidad del culto se rompiera. Cada diócesis, ciudad y monasterio, poseía un repertorio de himnos propios. Por esta razón, las composiciones religiosas experimentaron un aumento y valor considerable. Las principales cunas de este desarrollo musical son las basílicas de San Miguel de Lillo y Santa María del Naranco (Oviedo), que revelan el nacimiento de un arte tan original como característico, y profundamente hispano. Esta música no era muy original en sus inicios, pero poco a poco los elementos autóctonos se abren paso. No toda la música que se componía era religiosa. En las colecciones de Himnos se encuentran muchos de carácter profano, guerrero o heroico, siendo estos los que dieron lugar al Romance, una de las formas más características del arte hispano. El romance es considerado como el embrión del teatro español, composición estrófica y poética de gran tradición en la literatura española. Florecieron las Escuelas de Ripoll en Tarragona y, sobre todo, la de Santiago de Compostela, en cuya catedral se conserva el Códice Calixtino. Asimismo, se desarrollaron también las cantigas. De las que se conservan Las Cantigas de Santa María de Alfonso X El Sabio (siglo XIII) una monumental obra que contiene más de 400 cantigas dedicadas a cantar los milagros y vida de la Virgen María, aunque algunas se alejan de este tema. Su riqueza sonora, variedad de formas y estilos musicales es asombrosa: trovadorescas, litúrgicas, aires de danza, canciones épicas, etc. Por otro lado, también debemos destacar el cancionero galaico-portugués, del que solo se conservan algunas Cantigas de amigo (de amor) del poeta gallego Martín Codax (siglo XIII). También podemos citar El Códice de las Huelgas, del Monasterio de Santa María de las Huelgas en Burgos que recopila un amplio repertorio musical hispano de los siglos XII al XIV, por lo que se considera un importante referente del arte musical de la Edad Media. En Cataluña también podemos encontrar el Llibre Vermell -libro rojo- (1400): con piezas de carácter popular, cánones, canciones polifónicas, danzas para ser cantadas, etc. Se encuentra en el Monasterio de Montserrat. T EMA 5: E L HUMANISMO EN MÚSICA Y LA TEORÍA DE LOS AFECTOS 5: El humanismo en música y la teoría de los afectos En torno al siglo XV, una corriente de pensamiento alza al ser humano a una nueva posición en el Universo: el Humanismo. Con ella, el individuo proclama la absoluta consciencia de sí mismo, se lanza a la intensa investigación de cuanto lo rodea, busca respuestas, analiza, experimenta… Después del largo periodo de la Edad Media, profundamente teocéntrico, el individuo reclama su valor personal y su lugar predominante en el tiempo y el espacio. Su visión se torna profundamente antropocéntrica. «El hombre es la medida de todas las cosas». El humanista, entusiasta de desvelar la verdad, sabe que comprender el Universo equivale casi a dominarlo.
Una de las principales características de este movimiento es el profundo interés por la cultura grecolatina hacia la cual se pretende volver a través de la: investigación, recuperación de obras, estudio filológico de las lenguas antiguas y traducción… Los humanistas ven en esta cultura un modelo a seguir de perfección, equilibrio, pureza y orden. De manera que, la labor de imitación de los clásicos será una práctica común en la formación de los nuevos intelectuales. El individuo es consciente de sí mismo y ésta es su principal seña de identidad. Los artistas del Humanismo, orgullosos de sí mismos, dejan constancia de sus logros; firmarán y se afirmarán en sus obras. El hombre propugnado por los humanistas no solo será un ardiente curioso, sino un ser completo en todos sus aspectos: versado en las artes y en las ciencias, capaz de discernir con lógica y de emprender atrevidas acciones, filósofo y hedonista a un tiempo, a ser posible que sepa escribir sonetos, pero también componer música sobre esas mismas palabras… Se deben tener en cuenta, además, diversos factores sociales, políticos y culturales, que son fundamentales para explicar el desarrollo del pensamiento humanista durante el siglo XV. Entre ellos, cabe destacar:
- Fin de la sociedad feudal y desarrollo de las comunidades urbanas (progresiva toma de poder por la burguesía).
- Crisis de la Iglesia católica (cismas, luchas internas, escándalos, etc. // enfrentamientos contra monarcas y emperadores por poderes terrenales y espirituales). Debilitamiento de hegemonía como único modo de vida social y religioso.
- La llegada a Europa Occidental de intelectuales procedentes del Imperio Bizantino tras su conquista por parte de los turcos. Eruditos que traen consigo multitud de códices griegos sobre arquitectura, filosofía, letras y otras disciplinas.
- Invención de la imprenta por Gutenberg en 1450, imprescindible para la reproducción y propagación de las ideas.
- El apoyo de los mecenas, miembros de las clases altas de la sociedad (papas, reyes, nobles, etc.), ansiosos por coleccionar obras de arte, proteger y remunerar a los creadores y sabios, y fortalecer su prestigio social.
5.2.1.2. El Renacimiento El movimiento artístico que surgió del Humanismo es conocido como Renacimiento. Los artistas renacentistas no se conformaron con el conceptualismo medieval. Se interesan por el mundo que los rodea y lo investigan; de su análisis, llegan a la plasmación de la perspectiva (el mundo tal y como se ve desde nuestros ojos), aplican la lógica a la situación, el equilibrio entre colores, volúmenes y formas… El arte renacentista, como creación del hombre a la vez que homenaje al hombre, se nutre de su percepción, de su curiosidad y de su razón. Sería el siglo XV (quattrocento) el punto de partida del Renacimiento como movimiento institucionalizado, con figuras como Donatello en escultura, Bruneleschi en arquitectura o Botticelli en pintura. La primera mitad del siglo XVI (cinquecento) supondría la etapa de Renacimiento pleno, de máxima madurez alcanzada en cuanto a realizaciones artísticas; es la época de Miguel Ángel o Leonardo da Vinci. La segunda mitad del XVI la ocuparía una variación del Renacimiento: el Manierismo. En ella vemos cómo la expresividad va forzándose hasta alcanzar niveles que algunos consideran algo exagerados, rompiendo con los pulcros ideales de equilibrio del Renacimiento pleno (el Greco es una buena muestra de ello). 5.2.2. El humanismo y el Renacimiento en la música 5.2.2.1. Humanismo y música: ¿es posible hablar de una música renacentista? El Humanismo y su vertiente artística, el Renacimiento, incidieron poderosamente en el desarrollo de la Música. En esta disciplina no se pudieron recuperar los usos de la música grecolatina (nada quedaba de ella para entonces). Sin embargo, los intelectuales de aquella época sí que incidieron a través de sus escritos en los compositores (sistema de afinación, modos, disonancias y consonancias, etc.). Al final de la Edad Media la polifonía había conocido un importante desarrollo a través de la práctica de la Ars Nova (mayor densidad y complicación). Con el Renacimiento y su aspiración a la sencillez y el equilibrio, llegará una depuración de las líneas sonoras en la polifonía (mayor claridad expositiva). El antropocentrismo también actuará de manera importante en la génesis compositiva, ganando los creadores una importancia creciente y motivando en ellos la plasmación de su personalidad. En la técnica compositiva primó el uso de un contrapunto muy intelectualizado; se buscaba, no solo la belleza de un hecho musical, sino la manera de encontrar esa belleza, así como la perfecta expresión de las emociones «contenidas» en los textos (piedad, amor, dolor, gozo…). Estilo compositivo: música reservata. 5.2.2.1. Música religiosa La música religiosa durante el Renacimiento tiene dos formas polifónicas principales:
- La frottola y el madrigal italiano, Orlando di Lasso, Jacques Arcadelt, Carlo Gesualdo
- El madrigal inglés, William Byrd, Thomas Morley o John Dowland.
5.2.2.3. Música instrumental Se basó en muchas ocasiones en diversos aires de danzas (la pavana, la gallarda) o en las transcripciones de canciones escrita para voces. Sin embargo, florecieron formas puramente instrumentales como: las variaciones, los tientos o el ricercare. Los instrumentos principales de la época fueron:
- Cuerdas pulsadas: el laúd y la vihuela española (Antonio del Cabezón)
- Instrumentos de tecla: el órgano, el clavicordio, la espineta o el virginal (escuela virginalista inglesa: Byrd y Gibbons).
Aunque gran parte de la práctica musical se asentaba en la polifonía y, por lo tanto, en la interpretación en grupo, los instrumentos señalados también podían disfrutar de un importante papel individual, dado sus caracteres esencialmente polifónicos, y la posibilidad de lucimiento mediante complejas ornamentaciones de las melodías. 5.3. El Barroco y la teoría de los afectos Los ideales de razón, equilibrio, armonía, orden y proporción desarrollados por los humanistas y renacentistas fueron diluyéndose gradualmente desde finales del siglo XVI, debido en gran medida a las crisis económicas, las guerras y las tensiones sociales. Con ello, se abre paso una nueva concepción del arte basada en la expresión, el realismo, la ornamentación y el desequilibrio. De modo similar, la música buscará nuevas vías de expresión que permitan subyugar al oyente mediante un lenguaje más dinámico y contrastante. 5.3.1. Introducción al Barroco: panorama histórico, artístico y cultural La crisis religiosa iniciada en el siglo XVI entre la Reforma protestante y Contrarreforma católica provocó graves conflictos en el mapa europeo a comienzos del siglo XVII. El más devastador de ellos fue, sin duda, la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), una de las principales consecuencias políticas y económicas de este conflicto fue el fortalecimiento de las monarquías absolutas y el declive la burguesía lo que agudizó la desigualdad social y, todo esto junto con la depresión económica y las malas cosechas convierten al siglo XVII en una época de pobreza y miseria. En este contexto de decadencia política y económica, se extiende un profundo sentimiento de desencanto, que tendrá claras repercusiones en el ámbito del pensamiento y del arte. El artista decepcionado por un ideal que se ha demostrado falso o irrealizable en la vida real se sumerge en un continuo fluir de sentimientos contradictorios, fuerzas enfrentadas y estados anímicos múltiples, y lo traduce en sus creaciones. Nos encontramos así con un movimiento artístico basado en el movimiento perpetuo de la vida: el Barroco, donde el mundo se representa repleto, incluso recargado, de elementos constituyentes. El arte barroco se constituyó como un medio para expresar la vida mundana del modo más crudo posible. En este sentido, el realismo será una de las principales señas de identidad de la cultura barroca. Se trata de un realismo deformado por la mentalidad de una sociedad desengañada y pesimista, que desconfía profundamente de los ideales de objetividad y razón del período anterior. Ello se traduce en un arte con formas forzadas, antinaturales y violentas, así como una tendencia a la exageración y al empleo sistemático de efectos de fuerte contraste. Así, por ejemplo, en pintura encontramos el claroscuro, técnica que permite oponer planos de luces y sombras con el fin de acentuar aspectos dramáticos y provocar un fuerte impacto en el espectador. La Iglesia romana, que después de Trento afirmaba una vuelta a la pureza, dejó finalmente ésta para ciertas actitudes teológicas o místicas de carácter espiritual. En lo artístico y material, propugnó una representación ostentosa de su poder. Los altares barrocos, a veces hipertrofiados de ornamentos y brillantes dorados, sirvieron para que la Iglesia Católica reafirmara su identidad con respecto a la Iglesia Protestante, ejemplo evidente de sobriedad. Esta ostentación fue desarrollada también por las clases altas de la sociedad (monarcas y burgueses). El individuo, en parte cansado en parte asustado por este torrente de fuerzas, se zambulle en el mundo de las apariencias, aunque conlleven exageración y artificiosidad. 5.3.2. La música en el Barroco: la teoría de los afectos La música quedó impregnada manifiestamente de la nueva visión del mundo. Los compositores se lanzaron a expresar mediante el sonido la continua dialéctica de fuerzas que era la vida; sentimientos en principio contradictorios se alternaban en un mismo espacio y lugar, aunándose finalmente en un producto global de fuerte dramatismo. La Música fue dominada por la llamada Teoría de los Afectos, según la cual el arte del sonido podía plasmar y provocar distintos afectos o estados anímicos, los músicos barrocos utilizaron constantes juegos de oposición o contraste como recurso expresivo: dinámicas (piano-forte), ritmos (cambios de agógica lento-rápido), tímbricos (enfrentando coros o grupos de instrumentos). Estos contrastes se vieron favorecidos por la formulación del sistema de tonalidad mayor y
menor (Sistema tonal). Las armonías se formaron con acordes de triada sobre las notas, fuertemente jerarquizadas, de estas escalas (mayor – menor), y también hubo la posibilidad de modular de una a otra tonalidad temporalmente, dando la sensación de cambios de color y carácter. La formulación de la armonía tonal también impulsó el empleo de un nuevo tipo de textura: la melodía acompañada. Si en el Renacimiento la polifonía se basaba en el movimiento de voces independientes y de igual importancia, en el Barroco las líneas se polarizan. Como resultado tenemos una textura con dos extremos: en el inferior un sólido bajo, y en el superior una voz aguda muy adornada. Ese bajo sobre el que se sostiene la melodía será conocido como bajo continuo. El bajo continuo : En la partitura, el compositor escribía la línea del bajo con una serie de cifras por encima, el bajo cifrado, que indicaba las armonías que se debían escuchar. De este modo, se indicaba únicamente la melodía y la línea del bajo, que debería desarrollarse de manera improvisada a partir de ese cifrado. El bajo continuo solía interpretarse por varios instrumentos, al menos uno de carácter sustentador para interpretar fielmente la línea (violonchelo, fagot o viola de gamba), y otro para desarrollar los acordes (clave, la tiorba u órgano). A medida que sobre el bajo continuo se fueron sumando más voces, los compositores recuperaron la práctica del lenguaje imitativo. Sin embargo, el contrapunto varió significativamente respecto a su práctica renacentista. Las voces, anteriormente dotadas de una gran libertad e independencia horizontal, empezaron a supeditarse a los acordes dentro de la tonalidad. Los compositores decidieron regular los movimientos contrapuntísticos de las voces mediante formas cerradas y atendiendo más a los acordes resultantes. De esta forma, el contrapunto imitativo (horizontal) fue afectado por la armonía tonal (vertical). 5.3.2.1. Nuevas formas musicales El desarrollo de la música instrumental surgido en el Renacimiento se multiplicó durante el Barroco, abriéndose al virtuosismo interpretativo y la perfección de los instrumentos, entre las diversas formas podemos citar: Suite: conjunto de danzas, generalmente alternando rápida-lenta. Fuga: proveniente del antiguo canon, durante el Barroco se convierte en la principal forma contrapuntística imitativa. Sonata: contraposición de movimientos lentos y rápidos (entre 3 y 5) para un o varios instrumentos sobre bajo continuo. Tocatta, fantasía y preludio : piezas de carácter contrapuntística y rapsódica ejecutada por un instrumento de tecla y de carácter vivo. El Concierto se basa en el contraste o dialéctica entre dos fuerzas instrumentales: cuando la fuerza solista está formada por un grupo pequeño de instrumentos enfrentados al grupo más numeroso de la orquesta, se llama concerto grosso. En el caso de que el contraste con la orquesta sea desarrollado por un solo instrumento se usa el nombre de concerto a solo. Generalmente se articula en tres movimientos: rápido-lento-rápido. La composición de misas y motetes no se detuvo, así como los corales luteranos, pero a este catálogo se añadieron nuevas formas:
- Recitativo: estilo vocal para voz solista y acompañamiento instrumental, entre el habla y el canto, con ritmo muy flexible. Fue empleado en las primeras óperas, como imitación del estilo declamatorio de la antigua tragedia griega. Posteriormente, se utilizó para separar las arias en las óperas, los oratorios y las cantatas.
- Aria: pieza melódica interpretada por una voz con acompañamiento instrumental; en lengua vulgar, sus temas eran profanos, y sus textos sacados de la poesía de la época (la mayoría de las veces, amorosa).
- Cantata: destinada a una o varias voces solistas con acompañamiento instrumental; también admitía la presencia de coros. En un principio, de tema religioso, luego se fueron creando otras de carácter absolutamente profano.
- Oratorio: pieza religiosa, casi como una cantata de gran extensión. Ejecutada por solistas, coros y acompañamiento orquestal. En la Alemania protestante encontramos una variante: el Oratorio- Pasión.
- Ópera: género profano de carácter escénico nacido en Italia a comienzos del XVII, destinada a voces solistas (recitativos y arias), coro y orquesta; generalmente sobre temas de la mitología griega.
5.3.2.2. El Barroco y sus peculiaridades nacionales El Barroco en Italia De suma importancia para la Historia de la Música fue el nacimiento en Italia de la ÓPERA. Surge como uno de los últimos alientos de intelectuales humanistas florentinos a finales del siglo XVI, tratando de restaurar la tragedia grecolatina (coros, declamaciones de monólogos y diálogos) con coros, recitativos, arias, dúos, tríos y episodios instrumentales.
