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Tema 1. Introducción al Renacimiento en ,Colegio Mayor de Santa Cruz de Valladolid siendo una fundación hecha a expensas del cardenal Mendoza iniciándose en el 1458 pero se desconoce el autor del proyecto inicial atribuyéndose a Enrique Egas; en la planta de este colegio universitario vemos que es rectangular organizándose el edifico en torno a un patio cuadrado.hoy en día se ubica en su interior el Rectorado de la Universidad de Valladolid.La parte central presenta un almohadillado rustico. calles rectas surgiendo la facialidad en la obra labrándose ahora fachadas hacia calles y plazas apareciendo en esas portadas los escudos nobiliarios de las familias viendo ahora los escudos de los Reyes Católicos, de los Mendoza y el de la familia Figueroa viniendo esto del norte de Italia; en la portada vemos los escudos como hemos dicho, Volviendo a la planta del edificio vemos las cubiertas del mismo donde en la puerta de ingreso y a su izquierda vemos bóvedas de nervios y diagonales propias del Gótico mientras que a la derecha lo que vemos es la Capilla cuya bóveda también es de nervios cubriéndose el patio y algunos salones de armaduras colocándose a eje con la entrada otra dependencia. Pero es más importante la sección transversal del edificio donde vemos que presenta tres pisos y un semisótano siendo todo rectángulos y cuadrados que responde a distintos módulos siendo la proporción entre el lado mayor y el menor diferentes Palacio de los Duques de Medinaceli en Cogolludo en Guadalajara realizado por Pérez Arribas en el 1488 mandado construir por Luis de la Cerda, duque de Medinaceli como dote para el casamiento de su hija Leonor que se casará con el Marqués del Cenete conocido como Rodrigo Díaz de Vivar y Mendoza siendo hijo natural del gran cardenal Mendoza; se construye este edificio con motivo del casamiento no terminándose el edificio para la ocasión hasta que en el 1502 reside Felipe el Hermoso y su esposa Juana la Loca. La portada es adintelada, con columnas y decoración de grutescos estando las columnas ricamente detalladas con grutescos que desaparecen años después; presenta también palmetas y decoración con el fruto del maíz siendo un producto americano teniendo que ser esa decoración posterior al 1492 con un antepecho calado repitiéndose en los pilares los escudos de la familia apreciando la flor de lis. Castillo de la Calahorra , cercano a la localidad de Guadix de Granada realizado entre el 1509 y 1512 siendo un castillo medieval en su origen concedido al gran cardenal por medio del Marqués del Cenete pasando a la muerte del cardenal Mendoza a su hijo Rodrigo Díaz de Vivar; el edificio se organiza en torno a un patio cuadrado de columnas de mármol de Carrara presentando dos pisos viendo en la planta alta la ubicación del marqués, la de la marquesa y la capilla.Volviendo a las torres decir que son torres en talud siendo más ancha en la base que en la parte alta; la parte alta se decora con ricas portadas apareciendo santos como San Juan Evangelista en la isla de Patmos.Los motivos decorativos de las portadas hacen alusión al Códice del Escorial. las columnas y sus basamentos están ricamente decorados con esculturillas clásicas como el dios Apolo.Vélez-Blanco en Almería para hablar del Castillo de los Vélez , un antiguo castillo medieval e islámico albergando en su interior un patio renacentista hablando de restauración en su interior habiendo una inscripción donde se nos dice que está realizado para Pedro Fajardo, Marqués de los Vélez y V comenzándose la obra en el 1506 para finalizarse en el 1515; perfil hexagonal destacándose la torre mayor rematando la fortaleza los merlones dejando las almenas para los espacios. apreciamos unos arcos rebajados y escarzanos mientras que en la parte alta vemos el antepecho de balaustre ,vemos los grifos con alas enmarcando objetos. Proto Renacimiento para dedicarnos a ver el Plateresco la Iglesia de San Esteban de Salamanca , iglesia conventual de los Dominicos empezada en el 1524 por Juan de Álava siendo una iglesia de gran nave y cabecera gótica aunque a los pies presenta una monumental fachada realizada por un fraile dominico; la fachada se inicia en el 1530.El programa decorativo tiene que ver cuando el prior de la comunidad es Álvarez Toledo, ver un programa decorativo basado en santos de esta comunidad, personajes del Antiguo y Nuevo Testamento mientras que en el segundo cuerpo hay un relieve alusivo a la lapidación de San Esteban dejando el tercer cuerpo para la Deesis, el crucificado flanqueado por la Virgen y San Juan no terminándose este grupo hasta el 1610.la Fachada de la Universidad de Salamanca , una fundación del siglo XIII .es importante decir que bajo la portada hay una doble puerta de acceso con arcos rebajados mientras que la estructura se compone de pilastras e impostas que delimitan las cinco calles donde vemos un rico programa iconográfico con un medallón que alude al rey protector de la universidad rodeado de una orla con un texto griego, los escudos de Carlos V además de aglutinarse varios personajes famosos de la antigüedad como Julio César, Venus o Hércules dejando para el tercer cuerpo la representación papal de Adrián VI que aparece con la tiara siendo una alegoría de la teología.. Hospital Real de Granada fundándose en el 1504, año donde muere Isabel la Católica,decoración (Gótico y Renacimiento); la planta es casi cuadrada con una disposición cruciforme de cruz griega con cuatro patios en torno a las galerías dejando en el centro la capilla. Lo último que se hace es la portada principal (1620 por Alonso de Mena) cubriéndose la capilla con una bóveda de nervios además de presentar contrafuertes exteriores y ventanas góticas centrando los patios; la planta alta se construye en época de Carlos V enmarcándose las ventanas con columnas abalaustradas junto con el repertorio de grutescos. hoy es sede central de la Universidad de Granada.el Hospital Real de la Santa Cruz de Toledo con una portada principal plateresca con punteado, es decir, armadura a tres paños dejando en la parte central la capilla que se rodea de tres patios,vemos la exaltación de la cruz donde está el cardenal Mendoza y Santa Elena apareciendo elementos góticos y renacentistas como las ventanas y columnas; hoy en día es un lugar de centro de exposiciones temporales viendo a su interior armaduras mudéjares. Hospital Real de Santiago de Compostela del 1504-1511 por Enrique Egas donde en una primera fase vemos las tres naves con la particularidad de que la capilla queda desplazada en el punto de unión de los brazos de la cruz no acabándose el edificio por completo siendo hoy en día Parador Nacional cuya portada al pie es plateresca dando a la plaza del Obradoiro.
Tema 2. El Renacimiento como tal en EspañaDiego de Siloé Escalera Dorada de la Catedral de Burgos una escalera de 15 metros de altura siendo una escalera de un solo frente con unos primeros escalones redondeados encontrando grandes ménsulas al final del desarrollo del pasamanos. La escalera se divide en dos a la mitad para después converger en su punto más alto recibiendo el nombre de Dorada ya que está decorada con antepechos de hierro dorado; aparecen personajes tanto santos como cabezas de guerreros y de damas además de querubines Iglesia del Monasterio de San Jerónimo , fundación de los Reyes Católicos construida a empezándose a edificar en gótico con planta rectangular de una nave con capillas entre contrafuertes y crucero alienado siendo la capilla mayor de perfil ochavado con contrafuertes exteriores y el cuerpo de la iglesia se explica en gótico. De este modo, Diego de Siloé cubre la Capilla Mayor y el cimborrio y por tanto la cabecera construyéndose el retablo en el 1570; la cúpula de crucero es sobre trompas de espacios reducidos con decoración escultórica de los evangelistas además de ver una cartela con la fecha de iniciación. El programa decorativo de esta iglesia es el siguiente: en el brazo norte vemos una decoración de personajes de la antigüedad como Aníbal, en el brazo sur vemos mujeres bíblicas como Noemí identificándose el personaje enterrado como descendientes de estos, la cúpula y la Capilla Mayor está dedicada a Cristo y a los ángeles. Al exterior vemos los contrafuertes iniciados en góticos que se redecoran siguiendo los estilos renacentistas Catedral de Granada , obra también de Diego de Siloé.La planta es de cinco naves con capillas entre los contrafuertes, crucero alineado y con novedades como que la cabeza es de perfil semicircular englobando una rotonda en torno a la mesa de altar. La fachada a los pies, se construye a partir del 1660 por Alonso Cano estando prevista en el proyecto de Siloé dos torres para la fachada construyéndose solo la mitad de la torre del noroeste estando prevista de seis plantas; al exterior presenta contrafuertes Bajo la gran rotonda vemos el cilindro de la Capilla Mayor siendo una catedral blanca, muy luminosa a diferencia de las góticas y con aberturas cegadas La puerta más importante es la Puerta del Perdón ubicada en el crucero norte enmarcada por sendos contrafuertes exteriores donde aparecen blasones de los Reyes Católicos y el del emperador Carlos iniciándose en el 1537 construyendo Diego de Siloé solo el cuerpo bajo dejando a su muerte el proyecto a Ambrosio de Lico quien construyo el segundo cuerpo Los capiteles son capiteles antropomórficos,friso decoración de grutescos y en el fuste decoración de guirnaldas.la Catedral de Málaga levantándose sobre una mezquita del siglo XI orientada hacia el norte-sur,siendo una planta de tres naves con capillas entre los contrafuertes, con torres que se construyó solo una acabándose la fachada de los pies en el 1770 y con un crucero alineado.el modelo de soporte deriva de Granada, es decir, pilares compuestos con columnas corintias adosadas, cimacio y un cuerpo de pilastras para elevar el perfil aunque en este caso las naves son de la misma altura penetrando la luz solo por las vidrieras del exterior. Rodrigo Gil de Hontañón , Palacio de Monterey de Salamanca del 1538 debiéndose a la iniciativa del Tercer Conde de Monterey abriéndose la fachada a la plaza presentando tres plantas de mampostería en el cuerpo bajo concentrándose la decoración en la galería alta no llegándose a terminar este edificio siendo hoy en día propiedad de la Casa de Alba habiendo blasones de la Casa de Monterey; es muy característico la ausencia de decoración aunque en la última planta se multiplican el numero de vanos enmarcadas por columnas jónicas, con antepechos góticos,.. Antiguo Colegio de san Idelfonso , edificio iniciado en el 1509 tras el patrocinio del cardenal Ximénez de Cisneros y empezado por Pedro de Gumiel pero en el 1537 se le encarga a Rodrigo Gil de Hontañón.. La fachada tiene tres pisos más dos cuerpos laterales siendo el modulo principal el rectángulo de la puerta de entrada; presenta un rico programa decorativo.el primer cuerpo donde vemos cuatro ventanas en cuyos frontones vemos unos medallones que representan a los cuatro padres de la Iglesia, en el segundo cuerpo vemos un medallón con la efigie del santo titular y recostados en grandes ménsulas apreciamos guerreros con sus lanzas además de ver columnas pareadas que son sostenidas por Atlantes y las efigies de san Pedro y san Pablo mientras que en el tercer piso distinguimos eláguila bicéfala, Judith y Holofernes representando el triunfo del Bien sobre el Mal y el Padre Eterno en el frontón donde se recuestan figuras femeninas que hondean una guirnalda de frutos. Palacio de los Guzmanes de León , un palacio proyectado en el 1559 por Gil de Hontañón acabándose en el 1561 siendo un edificio de planta rectangular con torres en las esquinas quedando la portada desplazada del punto central.en los balcones la alternancia de dintel y vanos circulares enmarcados por pilastras rematando el conjunto las gárgolas; la portada es de orden jónico, un patio de dos pisos de orden jónico en la planta baja y corintio en la superior cuya particularidad reside en que las volutas se dirigen hacia los intercolumnios en los cuales hay óculos, antepecho ciego de cantería viendo el caldero, blasón del apellido Guzmán.
Tema 3. El Renacimiento en Andalucía Palacio de Carlos V , realizado por Pedro Machuca, un retablista y pintor que estuvo en Italia colaborando con Miguel Ángel, El resultado final es un edificio de planta cuadrada dentro del cual hay un patio circular de una sola hilera de columnas.; las fachadas,están labradas con almohadillados rústicos pero la fachada occidental responde el piso bajo de Luis Machuca a una triple portada con figuras recostadas entre los intercolumnios con un orden gigante de columnas pareadas sobre plintos apareciendo escenas alusivas al emperador Carlos aunque el segundo cuerpo se acabó por Juan de Herrera,la fachada sur se empezó en torno al 1535 siendo la columnata de orden jónico, pareadas sobre plintos apeando el frontón triangular sobre pilastras con figuras mitológicas recostadas alternando en el piso alto el esquema serliano con decoraciones alusivas a las batallas del emperador destacando el llamado Pilar de Carlos V , una gran pila con agua que se encuentra en el recinto de la Alhambra realizado en el 1535 con decoración de Nicola de tres figuras barbadas de cuya boca sale el agua representando esas tres cabezas la interpretación de los tres ríos que bañan Granada y para otros es la personificación de las tres estaciones del año donde residieron la pareja retallándola Alonso de Mena con el águila bicéfala y medallones de Hércules. Andrés de Vandelvira. Iglesia del Salvador de Úbeda realizada a instancias de Francisco de los Codos como su panteón familiar haciendo la planta Diego de Siloé en el 1536 aunque en el 1540 Vandelvira modifica la planta, una sola nave con capillas entre los contrafuertes; Las bóvedas no son del gótico pero son de nervaduras dejando las de casetones para las capillas de los contrafuertes viendo al exterior dos grandes contrafuertes para contrarrestar el empuje de la portada; el retablo Mayor lo hizo Alonso Berruguete dedicándolo a la Transfiguración de Cristo. La fachada principal de los pies presenta dos grandes cilindros que actúan de contrafuertes; como decoración en la clave del arco tenemos a Eros, rodeado por la Fe y la Justicia viendo también unas placas con relieves alusivos a las batallas de Hércules dejando para el segundo cuerpo de Vandelvira la Transfiguración de Cristo Ayuntamiento de Úbeda o Palacio de las Cadenas, edificio construido entre el 1540-1560 bajo la supervisión de Juan Vázquez de Molina, de planta cuadrada encontrándose la portada en el centro quedando el patio descentrado hacia la derecha; vemos como el edificio se cubre con tejas,la ventana baja están enmarcados por pilastras corintias, en el segundo piso las pilastras son jónicas con balcones enmarcados por pilastras corintias dejando para el tercer piso unos vanos ovalados alternando Atlantes y Cariátides tomado de Vitrubio y de Serlio. Este edificio pasó por distintos propietarios. Hospital de Santiago de Úbeda realizado por el encargo del obispo de Jaén, entre los años del 1550 y 1560 observando en planta que tiene un perfil escalonado con una fachada exterior muy apaisada emergiendo dos volúmenes cuadrados que avanzan, luego vemos la entrada central con un vestíbulo y un patio a eje rectangular que nos conduce a la iglesia encontrándose la escalera principal en un lateral presentando la iglesia una planta en H; la fachada es de dos pisos con una portada donde hay un relieve alusivo a Santiago con dos torres desiguales en altura que flanquean el conjunto. Catedral de Baeza , un edificio gótico cuyo lado sur tiene un claustro gótico. Se empieza 1525 por la cabecera por lo que los dos primeros tramos son góticos el interior es de tres naves con la misma altura con pilares compuestos cogidos de Diego de Siloé con una cubierta a dos aguas siendo muy limitada la intervención de Vandelvira en el 1560.Andrés de Vandelvira viendo la Catedral de Jaén ; una iglesia de tres naves con capillas entre los contrafuertes siendo de testero plano ya que el edificio medieval era también de testero plano pues estaba la cabecera al límite de la muralla de la ciudad además de ver como el coro se sitúa en el centro de la nave principal habiendo a los pies dos torres gemelas que quedan incorporadas dentro del rectángulo de la planta. Es una planta de salón donde observamos que se le añaden dos volúmenes laterales a norte y sur encontrándonos en el segundo la Sacristía y la sala capitular junto a unas escaleras que permiten bajar a la cripta. Los soportes de la catedral derivan de la catedral de Málaga, de Diego de Siloé con bóvedas vaídas con una iluminación de las ventanas laterales de los muros siguiendo un esquema serliano.
Tema 4. El Renacimiento de Felipe II. Juan de Herrera Monasterio de San Lorenzo del Escorial , (1563-1584)siendo un proyecto inicial de Juan Bautista Toledo con una gran planta rectangular y el mayor edificio construido en España;. Es un edificio de varios cambios iniciando esto el arquitecto Juan Bautista Toledo , Juan de Herrera será el nuevo.En la planta vemos el gran número de patios siendo muchos de ellos cruciformes dando la fachada principal al oeste formando un eje con el patio de los reyes y la basílica de planta rectangular siendo la suma de dos modelos de iglesias La portada principal columnas dórico-toscanas pareadas, portada adintelada y unas ventas enmarcadas por relieves de parrillas, un gran friso de triglifos sin metopas, un segundo cuerpo de una columnata jónica. Pasamos a la Biblioteca del Escorial que es un largo salón rectangular cubriéndose con una bóveda de cañón sostenida por arcos fajones y con lunetos. el Patio de los Reyes toma el nombre por seis esculturas que representan a reyes de Judá estando en el centro David y Salomón quienes edifican el templo de Jerusalén. A la derecha de la Iglesia vemos el Patio de los Evangelistas , un patio de dos pisos con ordenes dórico-toscanos y jónicos terminándose en una terraza de antepecho de balaustre. Catedral de Valladolid en el 1589 acabándose en el siglo XVIII siendo un edificio de planta rectangular con testero plano, crucero alineado con cúpula de tres naves y capillas entre los contrafuertes estando previsto cuatro torres que no se terminaron; De la portada principal Juan de Herrera solo realizó el orden bajo de un orden monumental sin triglifos y con metopas y gotas con cuatro columnas dóricas con una puerta principal y dos laterales decorándose con círculos y rectángulos.
Tema 5. El Renacimiento en la ciudad de Sevilla Monasterio de Santa Paula cuya portada lateral de la Iglesia es uno de los primeros testimonios de este nuevo lenguaje renacentista introduciendo Pisano un técnica nueva como son los azulejos planos o pisanos con un repertorio decorativo de grutescos aunque la arquitectura de la portada es gótica de ladrillo y arquivoltas viendo en el dintel el escudo de los Reyes Católicos. Ayuntamiento de Sevilla es de planta rectangular que da a dos fachadas. El Ayuntamiento es un edificio del que solo un 20% es obra de Riaño siguiéndole Hernán Ruiz II y Tortello entre otros haciéndose en el 1850 la fachada de la Plaza Nueva de manos de Valvino Barrón y Demetrio de los Ríos; en la planta vemos que solo la esquina del Arquillo es de la época renacentista viendo varias dependencias como el apeadero, El Arquillo se encuentra en la fachada sur empezándose en el 1527 iniciándose por un banco o zócalo de piedra, superposición de arco y dintel, pilastras con decoración de candelieri y figuras de Julio César y Hércules y escudos en la enjuta como es el de las Cinco Llagas de San Francisco; si pasamos bajo el Arquillo vemos una bóveda de casetones repitiendo este modelo en la Catedral. La fachada principal da a la Plaza de San Francisco esquema de dos plantas siendo solo la planta baja de Riaño donde vemos unos medallones con personajes de la antigüedad terminando en el emperador Carlos V. Sacristía Mayor en planta es de brazo de cruz griega teóricamente sirviendo de transito una de las capillas góticas encontrándonos una puerta que no está a eje con la Sacristía justificado debido al pilar cubriéndose con una cúpula con linterna siendo ejecutada por su aparejador Martín de Gainza dejando al fondo las Capillas de las Reliquias cubriéndose algunas con bóvedas de casetones y otra de planta ovalada viendo la diversidad del tipo de soportes que caprichosamente realizó Diego de Riaño. En el 1534 está construido hasta la cornisa haciendo la cúpula y la linterna su discípulo estando los arbotantes mal diseñados siendo invitado Diego de Siloé a determinar que se podía hacer para cubrir esta estancia a la muerte de Riaño diciendo que se construye el remate proyectado por Riaño. Patio de los Óleos situado tras la Sacristía de los Cálices datado del 1537 empezándolo Diego de Riaño y culminándolo Martín,presenta una aspecto civil de planta rectangular, columnas en tres frentes menos por el lado sur con dos plantas con antepecho de balaustre. Es un patio pequeño. Martín de Gainza , Capilla Real , una capilla de planta centrada característico de las capillas funerarias pues es un panteón real con los restos de Fernando III, Alfonso X y su habiendo a la izquierda la Capilla de San Pedro, gótica y a la derecha la Capilla de la Concepción Grande con dependencias anexas a la Capilla Real, Hospital de las Cinco Llagas o de la Sangre siendo hoy en día sede del Parlamento Andaluz; este Hospital es debido a Enrique de Rivera por lo que es una iniciativa propia derivando esto de los Hospitales Reales de tiempo de los Reyes Católicos por lo que en origen era una planta cuadrada realizándose a extramuros de Sevilla organizándose a base de unos ejes cruciformes de modo que Martín de Gainza construye la fachada principal orientada al sur, el ángulo suroeste con su torre y la capilla que estaba en uno de los puntos de intercesión de las galerías. Hernán Ruiz II. Giralda de Sevilla que tiene una planta rectangular de 13 y 60 metros de lado albergando en su interior otro cuadrado que son siete cámaras accediendo por un sistema de rampas; el 26 de Mayo del 1184, La cimentación de la Giralda tiene una gran pantalla de hormigón y la excavación tiene un perfil en “v” con tres metros de profundidad, El nombre de Giralda se acuñó en el siglo XVI; el proceso constructivo de Hernán Ruiz II se llevó a cabo entre el 1558 y el 1568 dotando a la torre de una serie de cuerpos. en el cuerpo de Campana se alternan arcos y dinteles, con cinco arcos en cada frente y decoración de óculos mezclando ladrillo y piedra además de la cerámica que decora las pilastras que son de orden dórico llamando la atención que en la base del cuerpo hay unas cabezas de león que actúan de gárgolas rematando este cuerpo un frontón con cabezas de querubines; la Terraza de las Azucenas presenta jarras protegidas por una malla con una portezuela para poder introducir los materiales para la quema siendo las azucenas algo posterior, de 1751 debido a que el escudo del Cabildo de la Catedral es la Giralda con la jarra de azucena, símbolo mariano realizadas por Fernando Marmolejo que sustituyó las originalesla Catedral donde Hernán Ruiz en el 1556 interviene en la Capilla Real la cual no estaba cubierta proyectando la cúpula y la linterna más dos torres que la flanquean hacia el este rematadas por chapiteles piramidales con una cerámica azul cobalto siendo la decoración de la cúpula de casetones además de apoyarse en pechinas con capiteles péndolas viendo al exterior el antepecho del barandal con una serie de figuras geométricas además de ver la cúpula trasdosada donde no está decorada al exterior con azulejos arruinándose la linterna de Hernán Ruiz a mediados del XVIII siendo Sebastián Van Del Borch quien puso la nueva linterna, muy semejante a los lucernarios que tiene la Universidad de Sevilla realizando también las rejas de la Capilla Real y el proyecto de la Universidad de Sevilla. Sala de Ante-Cabildo que presenta un esquema de casa romana siendo una sala manierista con planta rectangular delimitándose por cuatro puertas cuyos tímpanos semicirculares fueron decorados por Diego de Pesquera por los cuatro evangelistas recostados. Sala Capitular accediendo por un pasillo curvo que accede a una sala elíptica siendo de por sí una sala espectacular debido a la planta elíptica siendo una de las primeras piezas modélicas del Renacimiento Patio del Mariscal , un patio al fondo de la sala de Ante-Cabildo que comunica también con la Sacristía Mayor siendo un patio excepcional, manierista y trastero hasta hace poco tiempo apilándose los trastos inutilizables de la Catedral siendo caprichoso los diseños de las portadas del patio habiéndolas rectangulares, decoradas con perfiles geométricos y volutas tomadas de Serlio siendo un patio abierto cubriéndose recientemente con una montera y se restauró las losetas y la fuente. Casa Lonja o Archivo de Indias , un edifico excepcional en todo catalogado de Patrimonio de la Humanidad por la Unesco iniciándose en el 1586 por Juan de Minjares Alonso de Vandelvira Miguel de Zumárraga Pedro Sánchez Falconete
Tema 6. Introducción a la escultura española del siglo XVI Sepulcro del Cardenal Diego de Mendoza en este caso es un sepulcro de arcosolio y no exento diseñando Franchelli el trozo de mármol aludiendo a la muerte y resurrección a través de la estatua yacente vestido de obispo con un rostro sereno enmarcado entre columnas ricamente talladas al igual que los fustes aludiendo a un arco de triunfo apareciendo la Resurrección representada en el tímpano con la Ascensión de Cristo rodeado de los apóstoles dejando la huella del pie en la roca; a los lados del difunto hay seis hornacinas con los santos devocionales del difunto. Sepulcro del Infante Don Juan de la Iglesia de Santo Tomás de Ávila,; desde el punto de vista plástico vemos que es un sepulcro exento y tronco-piramidal por lo que las paredes laterales están inclinadas viendo un sepulcro con una figura yacente con las manos en actitud de oración, medallones de Jesús y la Virgen además de colocar en los vértices inferiores grifos y dos elotes que sostienen el blasón de la Casa Real dejando para la cabecera de la tumba un medallón donde aparece Santo Tomás de Aquino. Sepulcro de los Reyes Católicos siendo este reconocible por ser el más bajo de los dos que está mirando al altar mayor presentando un sepulcro de estatuas yacentes de una pareja es más ancho viendo de nuevo como se recurre a la solución de mezclar figuras religiosas con figuras mitológicas como grifos y medallones con distintos motivos; en los medallones de los lados mayores aparecen el Bautismo y la Resurrección, el principio y el fin del cristiano apareciendo los dos con los medallones estando los rostros idealizados apareciendo en los vértices superiores cuatro figuras sedentes que representan a los Padres de la Iglesia como San Jerónimo que aparece con el capelo cardenalicio y el león.. Retablo Mayor de la Capilla Real de Granada siendo en verdad una obra no documentada aunque atribuida a Bigarny organizándose en dos cuerpos y tres calles con soportes de columnas abalaustradas para separar las escenas además de banco y sotobanco y un ático con el Padre Eterno más dos alas laterales donde figuran San Pedro y San Pablo, santos de la Iglesia y evangelistas estando dedicado a San Juan Bautista y San Juan Evangelista representando junto a estos sus propios martirios dejando para el centro el tema de la Adoración de los Reyes Magos llamando la atención como delante del retablo hay dos esculturas orantes ejecutando Bigarny dos esculturas de los Reyes Católicos no gustando al Cabildo Catedralicio pasando a la Sacristía sustituyendo estas por otras de Diego de Siloé;; Capilla del Condestable de la Catedral 1523 que preside el centro de la girola siendo una capilla gótica realizando el Retablo junto con Diego de Siloé siendo un retablo original con un único cuerpo de gran pantalla y escenografía teatral con el tema de la Presentación del Niño Jesús en el templo viendo el altar en el centro dejando para la izquierda el grupo de Siloé de la Sagrada Familia y para la derecha dejamos a Simeón con la profetisa Ana de Bigarny estando debajo del banco varios pasajes de la vida de la Virgen atribuyéndose esto a Bigarny sobre todo la Anunciación rematándose en el ático con un Crucificado de Bigarny. Delante de este retablo encontramos las estatuas yacentes del Condestable de Burgos del 1530. Bartolomé Ordóñez , Iglesia de San Juan a Carbonara , para la Capilla de los Caracciolo di Vico, una capilla de planta centrada y circular donde hay varios retablos de la familia y para uno de ellos realiza un retablo funerario de mármol de Carrara llevado a cabo junto a Diego de Siloé siendo posible que la arquitectura del retablo sea de Ordóñez pues el friso dórico y las columnas lo vamos a ver reproducido en el transcoro de la Catedral de Barcelona siendo un retablo de tres calles atribuyéndose el tema de la Epifanía a Ordóñez con una composición muy circular girando las figuras sobre Jesús, ya crecido con un fondo dórico de columnas viendo a los Reyes Magos y al Rey Fernando de Nápoles derivando la composición del gran Rafael. Pasión y Martirio de Santa Eulalia ; en los Relieves del Coro vemos a las Virtudes como la Caridad rodeada de niños, la Prudencia con su espejo y la Fortaleza representada con una columna habiendo en un guirnalda una serie de figuras y un personaje acostado representando la embriagadez de Noé además de ver el entierro de Cristo depositado en la urna por ángeles viendo al otro lado el Martirio de Abraham e Isaac y el grupo del camino hacia el Calvario realizado todo en madera.En el 1519 realiza el Sepulcro del Cardenal Cisneros de la Capilla de la Universidad de Alcalá de Henares siendo un sepulcro de paredes rectas, un paralepípedo, con ángeles que portan flores y un friso con guirnaldas viendo el gran realismo de su rostro, muy mayor y difunto estando presenta la mascarilla de cera del difunto viendo este mismo hecho cuando veamos la tumba del cardenal Tavera y de El Greco; en las cuatro esquinas aparecen rematadas por los cuatro Padres de la Iglesia (san Agustín, San Ambrosio, San Jerónimo y san Gregorio.)
Tema 7. Escultura en Sevilla en el primer tercio del siglo XVI Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla que es el de mayor proporciones de todo el mundo cristiano con 28 metros de altura por 18 de ancho (más de 500 metros cuadrados de superficie) empezándose en el 1481 y se acabo en el 1564 interviniendo en este varios artistas empezándolo Pieter Dancart que distribuyó el retablo en gótico, con un tablero central de siete calles por cuatro pisos más un banco,; en cuanto a su programa decorativo vemos la Virgen de la Sede que se ve empequeñecida por el tamaño del retablo, una imagen de madera con laminas de plata dorada y gótica viendo en la calle central el tema del Nacimiento de Cristo, la Asunción de la Virgen, la Resurrección de Cristo y la Ascensión de Cristo además de ver a los lados distintos pasajes de la Pasión como los Azotes, la Coronación de Espinas, la Entrada en Jerusalén o la última Cena. Para ver el remate del Retablo Mayor hay que mirar hacia arriba viendo la viga de imaginería siendo un gran dintel con un gran apostolado, flanqueando a la Piedad o Quinta Angustia estando prevista esta viga para las rejas del acceso a la Capilla Mayor colocándose aquí en principio unas tablas de Alejo Fernández cambiando la composición el Cabildo Catedralicio presidiendo esta viga el Cristo del Millón en el Calvario con la Virgen y San Juan siendo un Cristo del siglo XIV. Puerta del Nacimiento con estructura gótica anterior al siglo XV con decoración en terracota donde se representa como hemos dicho el Nacimiento de Cristo, otra es la Portada de la Asunción realizada a partir del 1888 ejecutada por Ricardo Belver no siendo tallas escultóricas sino imágenes hechas de molde, de cemento con mármol triturado siendo muy criticado por artistas locales, viendo como María sube a los Cielos para ser coronada por el Padre Eterno dejando para la nave del Evangelio la Portada del Bautismo donde Cristo es bautizado por san Juan en el río Jordán mientras un ángel sostiene la túnica sagrada. Pero tenemos que hablar de las portadas renacentistas donde se redecoran algunas puertas entre el 1519 y el 1523 como la Puerta del Perdón , la puerta de acceso a la mezquita siendo por eso un arco de herradura túmido por lo que ahora se realiza la decoración escultórica que flanquea la portada, Puerta de Palos , la que sigue a la Giralda, era la puerta almohade de defensa en la Giralda aunque realmente en el dintel vemos la Epifanía o la Adoración de los Reyes Magos realizándose en torno al 1520 donde también se hacen unos ángeles y santos bajo doseletes góticos inspirándose el tema en un grabado de Alberto Durero y en una de las tablas de Alejo Fernández recordando que en la Biblia se habla de los Magos de Oriente sin decir nombres ni número. La otra puerta, la Puerta de Campanillas es la Entrada en Jerusalén donde Jesús está montando en la pollina con las chicas poniendo las capas a los pies pareciendo la ciudad de Jerusalén la Florencia del siglo XV por la arquitectura de la misma. Sepulcro de Pedro Enríquez lo encarga a un marmolista de Génova que se pasó gran parte de su vida yendo a Carrara por lo que se realizan en el 1520 aunque no se instalan hasta el 1525,santos devocionales y los blasones de Enríquez estando vestido de guerrero justo al finalizar la batalla de Granada presentando abajo la descripción de su padre habiendo dos niños iguales apoyados en una antorcha boca abajo representando en origen a Hipnos y Thánatos representada la muerta como una vela que se apaga aludiendo a una vida que se extingue pero en el 1845, este retablo se trasladó a la Anunciación hasta que en el 1992 se devolvieron a su lugar de origen perdiéndose uno de los niños Sepulcro de Catalina de Rivera encargado al taller de Pace presentando analogías con el anterior pues también es de arcosolio aunque con novedades pues en vez de cuatro columnas de orden compuesto vemos ahora dos columnas con basamento circular y la de los extremos son pilastras representando los relieves el Camino al Clavario y el tema del Juicio Final donde vemos a Cristo con la espada y la bola del mundo rodeado de ángeles pasionarios que portan la Lanza y la Columna estando a los pies de Cristo un salmo Pietro Torrigiano , San Jerónimo Penitente ubicada hoy en día en el Museo de Bellas Artes de Sevilla haciéndola en el 1522 en terracota policromada, a tamaño natural y con un gran realismo pues estudia muy bien la anatomía dándose golpes en el pecho con una piedra mientras contempla el Crucificado de Virgen de la Leche que hoy también está en el Museo de Bellas Artes de Sevilla derivando la iconografía de la Virgen de la Madona de Brujas de Miguel Ángel elevándose el pie de la Virgen sobre una almohadilla provocando una serie de pliegues sentándose el niño sobre su pierna izquierda alimentando al Niño Jesús con la leche de su pecho; Retablo Mayor de la Basílica del Pilar de Zaragoza de Damián Formen; así este retablo es un retablo de perfil escalonado, de estructura gótica con doseletes góticos y un banco siendo la temática del mismo distintos pasajes de la vida de la Virgen empezándose en el 1509 y se acaba en el 1518 siendo de tres calles donde en la calle central vemos un óculo con un cristal para la exposición del Santísimo rematándose el mismo por dos ángeles arrodillados sobre el escudo de la Basílica. De temas vemos el Nacimiento de la Virgen la Purificación y Presentación en el templo dejando para el centro la Asunción de la Virgen coronada por el Padre Eterno y el Espíritu Santo;
Tema 8. La segunda mitad del siglo XVI en la escultura españolaDiego de Siloé l Retablo funerario de los Caracciolo quien realiza el remate con el Ecce Homo llamando la atención también las dos figuras laterales con San Sebastián y San Juan además de ver en el banco un tema de la iconografía catalana como es el San Jorge a caballo que defiende a una princesa de un dragón; en el 1519 se le encarga la Escalera Dorada de la Catedral de Burgos retallando la decoración escultórica de esa escalinata monumental combinando temas cristianos con temas mitológicos, esfinges, querubines y niños.En el 1528 es cuando viene a la construcción del Monasterio de San Jerónimo de Granada siguiendo las pautas de Jacobo Florentín realizando también la decoración exterior de la cabecera de esta iglesia con el Blasón del Gran Capitán con dos guerreros tenantes y dos Virtudes; en el interior vemos que el Gran Capitán lo identifica con los grandes hombres del mundo antiguo viendo en la bóveda de casetones una alegoría que va desde Aníbal a mujeres bíblicas.A Diego de Siloé se le encargan las figuras orantes de los Reyes Católicos para la Catedral de Granada que se colocaron delante del Retablo de Bigarny quien hizo también dos esculturas que no gustaron al Cabildo por lo que se cambiaron por estas esculturas donde los dos Reyes aparecen arrodillados sobre un atril con imágenes idealizadas apoyando sobre el atril una almohada con el libro de las Horas ilustrado con pinturas actuando como soporte el escudo de los Reyes Católicos.
Tema 9. El caso de Alonso Berruguete, “Prometeo” de la EsculturaAlonso Berruguete Retablo Mayor de la Mejorada de Olmedo siendo un retablo que hace junto con Vasco de la Zarza entre el 1523-1525 encontrándose el retablo en el Museo de Valladolid siendo de un cuerpo central aunque hoy vacio con nueve relieves de distintos pasajes de la vida de la Virgen y de Jesucristo rematándose por el Crucificado con la Virgen, San Juan y la Magdalena hablando de un retablo funerario con la idea de la Resurrección de Cristo y la Ascensión; Retablo Mayor de la Iglesia de San Benito de Valladolid , una iglesia de la orden Benedictina siendo el retablo monumental que lamentablemente está desmantelado desde el siglo XIX por lo que sus pinturas y esculturas estás dispersas por cuatro salas del Museo de Valladolid; es un retablo excepcional y monumental en cuanto a diseño con once calles con un ábside de perfil curvo culminándose con una concha o venera para apoyar a Cristo crucificado gótico y curvado con grandes hematomas de sangre, San Juan que mira hacia arriba de color dorado y con un carácter de relieve pictórico y María con un aspecto inacabado encontrando también figuras como la Inmaculada en su Ascensión y el santo titular San Benito. En el banco aparecen esculturas de bulto redondo de un tercio del natural apareciendo por ejemplo el Sacrificio de Isaac siendo una imagen muy expresiva en el rostro dando la sensación de inestable como lo vemos en el Martirio de San Sebastián que aparece colgado de un árbol para lucir su torso dorado inspirándose en un dibujo inacabado de Miguel Ángel; Sillería de Coro de la Catedral de Toledo del 1540 realizando la sillería alta Berruguete mientras que la sillería baja la hace Bigarny con esculturas realizadas en madera de nogal mientras que las superiores son de alabastros representando personajes del Antiguo y del Nuevo Testamento siendo el retablo en blanco pues las tallas no están pintadas; así vemos a Adán en el Paraíso con un cuerpo hercúleo mientras Eva presenta un cuerpo apolíneo y también vemos a San Juan Bautista con la piel de camello apoyado sobre un tronco añejo con el dedo índice señalando al Cordero. Tiene un perfil en “u” Sepulcro del Cardenal Tavera , arzobispo de Toldo que fundó el Hospital de Toledo que se encuentra a extramuros de la ciudad realizándose el sepulcro a principios del 1560 con mármol de Carraca, el difunto está realizado con gran realismo pues el artista se valió de la mascarilla de cera del difunto siendo mutilado el sepulcro en la Guerra Civil donde había cuatro alegorías de las Virtudes. Juan de Juni edificio de San Marcos de León siendo un entallador, retablista e imaginero trabajando en soportes diferentes; San Marcos de León se construye para la orden de Santiago siendo un edificio apaisado y de dos plantas interviniendo en la decoración de la fachada que empieza en el 1533 y acaba en el 1540 siendo la decoración idéntica a la del Ayuntamiento de Sevilla.. Sepulcro del Arcediano Gutiérrez de Castro ubicado en el Claustro de la Catedral de Salamanca cuyos tonos son marrones en diversas capas tallando el grupo de la Piedad o de la Quinta Angustia siendo una composición bajo un arcosolio con una cruz desnuda donde aparece una corona de guirnaldas siendo una composición muy circular centrándola la Virgen viendo la emotividad en esta obra en San Juan, la Magdalena, María Salomé, la Virgen y Cristo flanqueando a este sepulcro esculturas alusivas a Santa Ana.Pasamos a ver el Grupo del Santo Entierro del Museo de Valladolid del 1545 procediendo del Convento de San Francisco de Valladolid perdiendo pues el telón de fondo de modo que la escultura del retablo tenía en los intercolumnios a los soldados romanos que acompañaban a Jesús con figuras sueltas en el museo; el Cristo Yacente es el que veremos a partir de ahora en Castilla, es en verdad un altorrelieve tallado en su lecho de muerte junto a su ataúd por lo que es un relieve donde Cristo mira al espectador y ligeramente incorporado. De personajes vemos a José de Arimatea, vemos a María Salomé con gran aspaviento; en el centro aparece la Virgen que va a caer desfallecida mientras San Juan la sostiene para evitar que se caiga dejando a la derecha a María Magdalena inspirada en una figura de la Aurora de Migue Ángel y Nicodemo que sostiene a Jesucristo por los pies para meterlo en la tumba. Santo Entierro es el del 1571 de la Catedral de Segovia donde a diferencia del grupo de Valladolid aquí el grupo es muy cerrado habiendo cierto clasicismo con figuras elípticas y con los mismos personajes que en el anterior con la Virgen agarrada por San Juan que mira a Cristo muerto que se gira levemente hacia el espectador quedando Nicodemo a la izquierda de la composición. Juan Bautista Vázquez el Viejo Virgen de las Fiebres ubicada en la Magdalena que tuvo una especial devoción en la Sevilla del siglo XVI debido a las epidemias siendo una Virgen melancólica manteniendo este modelo iconográfico en Martínez Montañés pues la forma de colocar al Niño Jesús sobre sus hombros es característico. Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla , sus cuerpos laterales trabajando antes Roque de Balduque realizando de nuevo diseño dos grupos del cuerpo bajo como es el tema de la Creación del Hombre donde el desnudo de Adán es una réplica de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina al igual que la nube donde está el Padre Eterno mientras que el otro tema es la Caída del Hombre donde Adán y Eva aparecen desnudos con el Árbol del Bien y del Mal con el Demonio convertido en serpiente. Aquí realiza también el Tenebrario de la Catedral realizado en madera pero cubierto de bronce siendo el diseño de Hernán Ruiz II aunque la decoración escultórica se debe a Juan Bautista El Viejo colocado originalmente en el crucero de la Catedral Hispalense; aparecen los mismos motivos iconográficos que veremos en la Giralda viendo pues la figura de la Fe cobijada sobre un arco de triple impresión viendo esto sobre el cuerpo de campanas de la Giralda en cada frente viendo también leones en el cuerpo bajo rematando al conjunto en bronce dorado el Apostolado de bulto redondo y tenante habiendo en origen velas que se apagaban en las tardes del Jueves Santo y de ahí su nombre. Facistol de la Catedral de Sevilla ubicado en el centro del coro con tres cuerpos siendo el de abajo cilíndrico, el segundo tronco-piramidal y un remante apareciendo inclinada las paredes del segundo cuerpo apareciendo el mismo equip apareciendo relieves alusivos a la música rematando esto un templete de 1562 de columnas corintias con la Virgen con el Niño sobre su hombro izquierdo portando el niño la cruz rematándose esto a su vez con un Crucificado que tiene en sus cuatro esquinas a los Evangelistas dando fe de la muerte de Cristo. Sepulcro del Inquisidor Antonio Vázquez del Corro ubicado en San Vicente de la Barquera de Santander siendo canónigo de la Catedral de Sevilla que aparece leyendo un libro y no difunto como lo visto hasta ahora apoyando su cabeza sobre su mano derecha y sobre la almohada viendo en el cuerpo bajo textos de alabanzas y su blasón. Giralda de Sevilla habiendo sesenta relieves repitiéndose en cada fachada el mismo tema con las cabezas de león en el cuerpo bajo de las campanas, frontones curvos con cabezas masculinas y tondos sobre los que vemos Querubines; Por su parte, sobre el cuerpo de Campanas hay una caratula masculina haciendo referencia a los profetas mayores o algún pasaje bíblico donde en el Apocalipsis habla de cuatro ángeles que controlan el viento que viene en cada dirección pues la Giralda es una versión cristiana de la Torre de los Vientos.. Para terminar con la Giralda vemos el cuerpo de las estrellas con la decoración de antepecho y las cabezas de león convirtiéndose ahora la Giralda en sección circular viendo pilastras jónicas y entre estas ocho dinteles con caratulas que estéticamente no son tan bellas como las vistas con anterioridad pues son figuras demoniacas terminando la torre en una cúpula rematada por el Giraldillo que apoya sobre una tinaja o cratera de bronce; el Giraldillo una imagen de tres metros y medio, de bronce hueco con los pies en ángulo recto llevando en su mano derecha el lábaro o escudo y en la mano izquierda la palma; vemos que calza unas altas botas con cabezas de león, en la muñeca izquierda hay una inscripción donde dice que se renovó esa parte, volando el casco de plumas que poseía viendo una mancha verde en el lábaro pues antes había una pintura con el cáliz y la Ostia junto al grupo del Calvario marcando la dirección del viento la palma
Tema 10. Escultura Cortesana del siglo XVILeón y Pompeyo Leoni , de Carlos V y el Furor , de bronce y ubicado en el Museo del Prado siendo imágenes para vestir de tal forma que vemos al emperador desnudo representado como un héroe clásico sacado de Donatello y de Miguel Ángel con una armadura desmontada con la lanza en la mano derecha machacando al furor que está atado y encadenado representando a los enemigos de la corona española. Otra obra es su esposa Isabel de Portugal , la emperatriz que está ataviada con todo lujo de detalles en la túnica apoyándose sobre un basamento circular aludiendo a la Roma Clásica siendo su tamaño en bronce de 1.80 metros estando muy estudiadas las joyas llamando la atención que en esa nota simétrica, su mano derecha juega con el cíngulo mientras que con la izquierda sostiene un pañuelo, Retrato de Carlos V inspirado en el modelo del emperador Cómodo empezando a girar la cabeza los retratos de los emperadores por estas fechas (1553) observando que tiene una coraza de medio cuerpo dejando a los pies, en el basamento, un águila y un atlante sosteniendo su blasón llevando en el pecho un colgante con Jesús y la Cruz. El sentido clásico de estas esculturas se pueden comprobar en algunas esculturas como el Retrato de Felipe II que se parece en su composición al David de Miguel Ángel. Basílica de San Lorenzo del Escorial donde realizan parte del retablo, un retablo clásico con columnas jónicas, corintias y toscanas,; vemos el retablo de la capilla Mayor y los retablos funerarios de las capillas de Carlos y Felipe integrando los sepulcros cinco figuras. De esculturas vemos a los Cuatro Padres de la Iglesia aumentando progresivamente de tamaño de abajo a arriba, en el segundo cuerpo los Cuatro Evangelistas en el tercer cuerpo a Santiago y san Andrés y en el remante a San Pedro y San Pablo acompañando al Calvario con Cristo crucificado.A ambos lados encontramos el grupo escultórico de Felipe II y izquierda vemos el grupo escultórico del Emperador Carlos V.
Tema 11. La Pintura del siglo XVI en EspañaPedro Berruguete , Retablo de San Juan Bautista en Santa María del Campo de Burgos pintando al oleo sobre tabla con figuras de canon alargado que los fondos suelen estar en un telón de fondo sobre escenas religiosas viendo el Bautismo de Cristo en el Jordán sosteniendo sus ángeles la túnica aunque más conocido es su cuadro de la Degollación del Bautista haciendo una composición angular colocando la figura de tal forma que el Bautista forma un vértice viendo al otro lado al verdugo y al otro a Salomé con la bandeja para recoger la cabeza.. En el banco aparecen los Cuatro Evangelistas agrupados dos a dos estando ante la primera serie de retratos renacentistas de la pintura española estando sentados los evangelistas sobre sillas con pomos prescindiendo del fondo poniendo como telón de fondo un aspecto dorado viendo como escriben sus evangelios en pergamino. Iglesia de Santa Eulalia de Paredes de Navas 1486 con escenas dedicadas a la Virgen siendo el marco de los cuadros góticos mientras que las escenas están en un ambiente castellano con alfarjes o techos planos viendo el Nacimiento de la Virgen con Santa Ana en su lecho con la cama en diagonal, San Joaquín y la doncella que sostiene a la Virgen recién nacida enana apreciando el recurso de que con trazos negros vemos las delimitaciones del cuerpo teniendo mucho de pintura flamenca; también vemos un tema novedoso como es la Virgen y sus pretendientes observando la, con una composición angular donde el sacerdote es el vértice , las doncellas y la Virgen y los pretendientes entre ellos San José de aspecto maduro estando elevada la Virgen y sus acompañantes. Pero lo más interesante de este retablo es la Galería de retratos del banco donde aparecen los reyes de Israel viendo al Rey David, una figura de más de medio cuerpo y asomado sobre una especie de ventana donde apoya el cetro, símbolo de la realeza y la flauta llamando la atención Iglesia de Santo Tomás de Ávila cuyo retablo es obra de Berruguete en el 1490 siendo un retablo de tres calles con estructuras góticas por lo que al estar dedicada a Santo Tomás de Ávila,; de este modo tenemos las Tentaciones de Santo Tomás bajo un espacio arquitectónico agobiante y corto donde el artista ha colocado como telón de fondo una especie de repostero de fondo dorado con un alfarje mudéjar viendo a la derecha a un lector acudiendo a la lectura religiosa para evitar la tentación personificada en un mujer viendo abajo un brasero con unos carbones que forman una cruz quemándose para evitar las tentaciones y es por eso por lo que el santo está en meditación imponiéndole dos ángeles el cíngulo de la castidad.; en esta iglesia había dos el llamado Auto de Fe , un juicio del tribunal de la Inquisición habiendo en primer lugar una tribuna colocada formando un vértice con miembros en las gradas como Santo Domingo que aparece a escala mayor del resto de las personas que está bajo un dosel representando de nuevo al pie de las escalerillas pues intenta convencer a un hereje aludiendo pues a la herejía albigense mientras que al final vemos a dos herejes maniatados a un poste preparándose leña para quemarlos vivos vistiendo estos con capirotes siendo uno de los orígenes del por qué nos ponemos capirotes en Semana Santa; el cuadro central de este retablo está dedicado a Santo Tomás donde vemos la Quema de Libros Heréticos donde en presencia de Santo Domingo Retablo de San Pedro Mártir , que hoy en día está en el Museo del Prado, vemos el cuadro central de dicho santo, dominico natural de Verona e inquisidor general en Milán viendo como iconografía propia una daga clavada en la cabeza y un puñal que le atraviese la espalda con un libro abierto donde pone “Creo en Dios” apareciendo el santo inmóvil, sobre un atril y donde se deja ver la solería siendo el mismo recurso que veremos en Zurbarán; vemos la Predicación de San Pedro Mártir donde aparece sobre un púlpito donde un dominico está dormido mientras predica el santo asistiendo gente de todas condiciones conociéndose también este cuadro como el Milagro de la Tormenta Tabla de la Anunciación de la Cartuja de Miraflores en las afueras de Burgos realiza hacia el 1496 y donada por la reina Isabel la Católica teniendo este título ya que la iglesia de la Cartuja tiene la advocación de la Anunciación, lugar donde están enterrados los padres de la reina realizado por Gil Siloé; la tabla es muy pequeña no superando el metro en donde vemos las dos tendencias de Berruguete, es decir la influencia flamenca y la influencia italiana Retablo Mayor de la Catedral de Ávila de 24 tablas, realizado entre el 1502 por Berruguete y continuado por su discípulo Santa Cruz y Juan de Borgoña en la parte central aparecen seis de los doce apóstoles como san Pedro y san Pablo mientras que en la calle central vemos la Transfiguración de Cristo y a Cristo en el Calvario junto a los dos ladrones y la Magdalena además de pasajes de la vida de Cristo realizando Berruguete las ocho tablas de los Evangelistas y los Padres de la Iglesia y las tablas de la Oración en el Huerto y Cristo atado a la columna.
Tema 12. La Pintura Sevillana en la mitad del sigloAlejo Fernández Retablo Mayor de la Catedral una serie de tablas al dorso decidiendo el Cabildo que se colocasen al final de Retablo hasta que hoy en día están en la Sacristía de los Cálices; eran siete y se conservan cuatro destacando el Abrazo Místico de San Joaquín y Santa Ana. Retablo Mayor de la Iglesia de Santa María de Jesús de la Puerta Jerez de Sevilla y primera sede de la universidad fechándose sobre el 1520; la Universidad de Sevilla se funda en el 1505. la Catedral viendo al pie al donante Maese Rodrigo quien le presenta una maqueta de este edificio rodeándolos San Ambrosio con una capa muy rica, San Gregorio papa con el bastón papal, San Agustín con el corazón lleno de flechas y San Jerónimo de cardenal y con el león mientras que en el segundo cuerpo vemos la Venida del Espíritu Santo sobre la Virgen y los Apóstoles rodeado de San Pedro con las tres llaves aludiendo a la Trinidad, San Pablo con su espada, el arcángel San Gabriel con el Ave María Gracia Plena y San Miguel derrotando al Dragón. Plano de Olavide (1771), el asistente de la ciudad hispalense; el 10 de Marzo del 1626, con ocasión de la llegada del emperador Carlos se levantaron siete arcos de triunfo desde la Puerta de la Macarena pasando por San Luis, Bustos Tavera, llegar a Santa Catalina, el Salvador y Alemanes .Los arcos son alegorías de las Virtudes empezando en la Macarena con la Prudencia, luego la Fortaleza, la Clemencia, la Paz, la Justicia, la Gloria y por último la Fama. Virgen de la Rosa de Transcoro de la Iglesia de Santa Ana de Triana en Sevilla, una iglesia que es la más primitiva de Sevilla, gótica del 1280 pero quedó mal parada tras el terremoto del 1755 por lo que se restauró y se revistió de ropajes barrocos bajo las directrices de Pedro de Silva construyéndose el transcoro no haciéndose esta tabla para este templo sino que fue una donación de un particular hacia esa iglesia; Virgen del Buen Aire siendo la tabla central de un políptico para la Casa de la Contratación de Indias;, del modelo de la Virgen de la Misericordia pues protege a un colectivo con su manto, en este caso, a personajes vinculados con América estando estos sobre una nube y en la gloria y abajo una alusión a la marina dejando para los laterales a San Sebastián, un personaje que suele aparecer desnudo y con flechas aunque aquí lo vemos vestido a la moda del siglo XV, abajo vemos a San Jorge a caballo, San Telmo y dominico y San Lucas pintando a la Virgen. En la tabla central aparece una glorificación hacia los personajes de la marina. Maestro de Moguer , Adoración de los Magos , el artista se ha valido de diagonales donde Melchor aparece arrodillado ante la Virgen que porta al Niño mientras el resto contemplan pero más interesante es la composición de las Santas Justa y Rufina donde corren la cortina y portan la palma del martirio mostrándonos una vista de Sevilla que es el documento grafico más antiguo de Sevilla en pintura apareciendo el nombre en las aureolas de las misma siendo reconocidas también por la cerámica que aparece en la ventana donde también vemos a la familia que ha donado esta obra;. Pedro de Campaña ,. Políptico de la Virgen de la Paz de la Iglesia de San Pedro, una iglesia gótica-mudéjar en origen, de tres naves en donde a los pies de la nave del evangelio encontramos este retablo que tiene una arquitectura no real realizado en torno al 1540 reformándose en el siglo XIX viendo en el centro la Virgen de la Paz, sedente con su hijo y a los pies un ángel niño hace de Atlante donde porta una rollo con el nombre de Virgen de la Paz junto al donante clérigo, e. Descendimiento del Museo de Montpellier del 1535 siendo un caso de expolio de la invasión francesa pues antes estaba en la Capilla del Convento de Santa María de Gracia, hoy desaparecido quedando solo el nombre de la calle; nos llama la atención que en esta iconografía Pedro de Campaña se inspira en un grabado italiano donde hay dos puntos focales como son Cristo descendido y la Virgen desmayada junto a las Marías ayudando a bajar a Jesús dos Santos Varones aunque el artista coloca otro más para hacer simetría con San Juan que observa la corona de espinas. Retablo de la Iglesia de Santa Ana , que después del retablo de la Catedral es el más grande del siglo XVI presentando cinco calles, tres cuerpos con banco y soto-banco y ático combinando pinturas con esculturas donde hay figuras de apóstoles, Desposorios de la Virgen de la Iglesia de Santa Ana tenemos que decir que en relación con la iconografía la Virgen con 14 años fue convocada en el templo con una serie de aspirantes floreciéndole a José la vara que llevaba vistiendo la Virgen con un traje rosa y un manto verde mientras que el de San José es rojo estando basada esta iconografía en la Leyenda Dorada de Jacobo de Vorágine;. Otra tabla es la Adoración de los pastores donde sigue las escrituras de San Lucas por lo que vemos al Niño Jesús desnudo rodeado del burro y del buey al igual que su familia y los Magos estando los ángeles colgados del techo. El remate de este retablo es la Asunción y Coronación de la Virgen donde llama la atención dos mujeres que flanquean a esta Asunción siendo conocidas como la Parentela de la Virgen basada en la Leyendo Dorada pues la Virgen no fue hija única ya que tuvo varias hermanas y con el nombre de María. Retablo de la Purificación de la Capilla del Mariscal de la Catedral de Sevilla, en la cabecera a la derecha y que sirve de transito a la Sala Capitular y al Patio del Mariscal terminándose el retablo en el 1555; el tema central es la Purificación y Presentación en el Templo donde se representan las Siete Virtudes de la Virgen Tapiz del Descendimiento en el Colegio del Patriarca de Valencia siendo el Patriarca un sevillano como es San Juan de Ribera quien le encargó el cartón donde vemos una variante del Descendimiento de la Catedral de Sevilla de tal forma que aparecen los dos Santos Varones que descienden a Cristo mientras una de las María lo aguanta por los pies y María desmayada por ver a su hijo muerto. Fernando de Esturmio l Retablo de la Inmaculada Concepción que está presidido por una escultura de la Inmaculada junto a tablas de la vida de la Virgen y de Cristo viendo en pantalla la Anunciación de influencias flamencas pero también italianas donde podemos ver a la Virgen leyendo en el momento en que se le aparece el Arcángel además de la jarra de azucenas viendo al Padre Eterno en la ventana; otra de las tablas de este banco es el Nacimiento de Jesús y otra es la Adoración de los Reyes Magos donde predomina el componente flamenco. Retablo de los Evangelistas de la Capilla de los Evangelistas de la Catedral de Sevilla y próximo a la puerta de la Granada y a la Giralda del 1555 y dotado por el Obispo de Marruecos luciendo con gran colorido estas tablas donde aparecen en el centro la Misa de San Gregorio, en el segundo cuerpo aparece la Resurrección de Cristo mientras que las otras cuatro tablas laterales representan a los Evangelistas dejando para el banco tablas apaisadas con Santa Justa y Rufina que. Luis de Vargas , Adoración de los Pastores del Retablo del Nacimiento de los pies de la nave de la Epístola de la Catedral, justo detrás de la Puerta de San Miguel estando fechado y firmado en el 1555 haciéndolo en el periodo de formación manifestándonoslo con influencias de Andrea del Sarto y Rafael valiéndose de diagonales donde vemos a la Sagrada Familia que pasa por el pastor que ofrece una cesta con pichones para el niño Jesús que está desnudo.
Tema 18. La Pintura del Siglo. José Ribera Los Cinco Sentidos llegando cuatro originales y una copia del Oído viendo que hay un acusado tenebrismo con la luz exterior que ilumina al protagonista que se encuentra detrás de una mesa prescindiendo del fondo utilizando como modelos hombres de la calle tal y como lo vemos en la representación de la Vista , un mendigo de la calle con un catalejo, Olfato , otro mendigo lagrimando en los ojos por el efecto de la cebolla viendo una luz exterior que viene del ángulo izquierdo y una mesa con cebolla, ajo y azahar; la personificación del Gusto viendo la glotonería y la gula con un personaje corpulento ofreciendo una copa de vino tinto junto a un plato de pastas, pan, cucurucho de aceitunas y la botella de vino; y por último el Tacto representado por un ciego que tiene en sus manos la cabeza de una figura clásica tocándole la nariz y detrás de una mesa que tiene un lienzo con un retrato al oleo y de nuevo el tenebrismo. Crucifixión con el grupo de las Marías viendo a un Cristo vivo inspirado en una pintura de Miguel Ángel caracterizada esta pintura por el tenebrismo recibiendo la luz exterior, la Magdalena besando los pies de Cristo mientras María y María Salomé lloran.. Martirio de San Sebastián ubicado en el Museo de Bilbao donde vemos que San Sebastián sobrevivió a los flechazos pues algunas santas como Santa Irene le intentan curar estando maniatado por la mano izquierda levantando la derecha debido al dolor producido por las heridas además de ver a unos ángeles que portan una palma y una corona. Mujer Barbuda encargada por el Duque de Alcalá pues considera a esta mujer, Magdalena Ventura,; vemos a una mujer barbuda amamantando a su hijo junto a su marido viendo como fondo arquitectónico dos sillares de piedras donde aparece un texto en un latín vulgar. Inmaculada siendo un cuadro de gran formato fechado y firmado subrayando que en esta etapa de este Conde,; la acompañan símbolos de María como la Luna, la Torre de Marfil o la Zarza Ardiente además de ver a unos fantásticos angelitos niños. Cartuja de San Martín , un monasterio que domina la ciudad napolitana colaborando de forma esporádica hasta su muerta siendo una de las primeras intervenciones la decoración de las enjutas donde representa a Profetas como Joel cuya cabeza es muy real pintando a un hombre rasurado y de piel apergaminada acentuando el realismo y Noé con el Arca.. Martirio de San Felipe ubicado en el Mueso del Prado y donde vemos muy bien el sentido del movimiento donde unos sayones toman impulso para elevar a este personaje que está atado a un palo desnudo viendo las piernas dobladas y personajes que se incorporan al plano del espectador con columnas ruinosas.Terminamos con Ribera viendo al Patizambo o niño cojo, una obra tardía donde vemos sobre una piedra una inscripción con la autoría y la fecha (1642); la línea de horizonte está baja agrandando al personaje, un niño con el pie derecho deforme llevando una muleta y un papel con un texto en latín formando parte este mensaje todavía de la Contrarreforma. La obra final de Ribera (1652) es la Comunión de los Apóstoles , una obra de gran formato realizado por encargo del Señor Certosa para la Cartuja de San Martín de Nápoles, viendo a San Pedro besando el suelo colocando una logia de friso dórico y cubierta por bóvedas de arista estando en sentido perpendicular llamando la atención el cortinaje que le da un recurso nuevo tomado luego por Zurbarán. Francisco Pacheco Catafalco , erigido en honor a Felipe II en Sevilla siendo el túmulo o arquitectura efímera que se hizo en la Catedral debido a la muerte de Felipe II siendo de grandes dimensiones,la escultura es, entre otros, de Martínez Montañés con pinturas también entre otros, de Pacheco. Salvador junto a los Santos Juanes ubicado hoy en la Iglesia de San Pedro de Carabanchel; la línea del horizonte es baja agrandando las figuras estando los tres protagonistas descalzos.De 1603 es el lienzo que pinta Pacheco para el techo de una cámara de la planta alta de la Casa Pilatos, Apoteosis de Hércules , un semidiós muy vinculado a Sevilla ya que según la tradición fue fundador de Sevilla viendo en el centro a Hércules desnudo con un gran escorzo, Se hizo el lienzo con la técnica de la pintura al temple conservándose un dibujo preparatorio del mismo donde podemos ver los nombres de los dioses del Olimpo. Retablo de la Capilla de San Onofre ubicado en la Plaza Nueva un retablo pequeño del 1606 de dos cuerpos con un cuerpo bajo con una escultura atribuida a Montañés de San Onofre siendo las pinturas de Pacheco, de modo tenemos un lienzo dedicado a Santa Ana, madre de la Virgen con una línea de horizonte baja brotando del pecho de la santa un tallo que germina engendrando a la Virgen como Inmaculada, otro lienzo es María Magdalena.Del 1608 es un antiguo retablo que hizo junto a Martínez Montañés siendo el Retablo de la Iglesia del Santo Ángel , un convento carmelita del siglo XVII expoliado durante la invasión francesa viendo esculturas de Montañés (las dos Trinidades y la Sagrada Familia) y pinturas de Pacheco siendo pequeños lienzos con cuatro santos como son San Juan Bautista con el dedo índice señalando a Jesús, Crucificado del 1614 firmando en la tabla bajo los pies viendo un Cristo de cuatro clavos; propone que debe de tener cuatro clavos en su libro aunque pinta Cristo con tres clavos como lo vemos en el pequeño crucifijo de la Iglesia de El Coronil, , un tenebrismo sevillano con una luz exterior que ilumina el cuerpo de Cristo poniendo de fondo un fondo negro creando esa luz una sombras en piernas y brazos dando cierta inmateralización adoptando este modelo Velázquez y Alonso Cano. Inmaculada de Miguel del Cid de Pacheco siendo este hombre un artista que hacia sallas además de poeta siendo todavía bailado y cantado por los Seises en el día de la Inmaculada. Así Pacheco propone un modelo que responde a la mujer apocalíptica con la luna a sus pies y coronada de estrellas con el sentido del pudor donde no se le ven los pies con larga túnica y cuello muy descotado proponiendo además que la Virgen de la Inmaculada se represente como una niña de 12 a 13 años,propone que sea vestida de blanco con manto azul. Inmaculada de Vázquez de Leca ,un canónigo de la Catedral y fue quien contrato con Montañés para hacer el Cristo de la Clemencia de la Catedral de Sevilla dotando también de forma económica al culto de la Inmaculada Concepción viendo de nuevo la vista de Sevilla y el río Guadalquivir que desemboca en América. San Sebastián donde ya vimos que en el caso de Ribera, San Sebastián no murió por la flechas pues unas damas como Santa Irene le curaron como lo volvemos a ver ahora en esta composición de Pacheco; en la parte superior hay una ventana donde vemos el Martirio de San Sebastián destacando la escena siguiente como es la curación de San Sebastián quien en un lecho es atendido por la santa que le ofrece una taza con caldo.Del 1616 es el cuadro conocido como Cristo servido por los ángeles , de gran formato y que procede del Refectorio del Monasterio de San Clemente de Sevilla viendo el momento en el que Cristo sale al desierto para ayunar 40 días y 40 noches dándole los ángeles comida en un gran banquete; es una cuadro muy colorista donde vemos dos puntos focales, uno es Jesucristo en torno a la mesa y otro es un grupo de ángeles músicos que amenizan la velada pero en este caso en el plano paralelo al espectador de modo que esta circunstancia de colocar dos escenas en distintos planos antecede al futuro Cubismo. Desposorios Místicos de Santa Inés siendo un cuadro fechado en el 1628 y ubicado en el Museo de Bellas Artes de Sevilla adquirido por la Junta en una subasta viendo a la Santa identificada por el cordero, la palma y la flores en el momento en que la Santa se casa con Dios entregado por el Niño Jesús que se sienta sobre el regazo de María; aparece ricamente enjoyada con corona viendo una banqueta con un pequeño libro colocado en el sentido de la profundidad.Una de las obras finales de Pacheco es el cuadrito, oleo sobre cobre del 1634, que representa la Rendición de Sevilla pues el 23 de Noviembre del 1248, el rey Almohade se rinde a San Fernando teniendo ese hecho lugar en la Puerta del Arenal aunque se representa la Puerta de Jerez; vemos el modelo iconográfico de San Fernando vestido con media coraza, altas botas con ligueros, espada y coronado como rey de Castilla con su capa de armiño no canonizándose San Fernando hasta el 1671 aunque ya para Sevilla era santo por lo que vemos la aureola. Francisco Zurbarán. Santo Domingo en Soriano siendo un cuadro de gran formato siendo Soriano una localidad italiana lugar donde en el siglo XVI un miembro de la comunidad se quejaba de que allí no había ningún santo de su titular apareciendo la Virgen que le entrega el lienzo de Santo Domingo siendo portado por un ángel mientras la Virgen aparece con alas, cetro, corona y rosario y la Magdalena. El otro cuadro es la Curación Milagrosa de Reginaldo de Orleans donde según nos cuentan, los dominicos curaron a Reginaldo, un miembro de la comunidad que estaba en enfermo en el día de su nombramiento en la Orden por lo que la Virgen aparece para entregarle el habito junto a la Magdalena y Santa Catalina siendo interesante la disposición de la cama, la mesita con la taza y la ventana donde se ve la escena siguiente (el santo curado donde Santo Domingo le impone la vestidura.) Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco siendo crucificado el primero boca abajo para no morir como su maestro apareciéndose a Nolasco que está arrodillado y orando, Visita de Santo Tomás a San Buenaventura estando firmado en la parte inferior no existiendo ya el cuadro por los efectos de la Segunda Guerra Mundial viendo a dos santos con dos hábitos que corresponden a dos órdenes (dominicos y franciscanos), la idea de la profundidad, el sillón colocado en escorzo y un anaquel con libros y una carabela mostrando San Buenaventura la imagen de Cristo Crucificado como modelo a seguir; los fondos arquitectónicos de Zurbarán son muy teatrales haciendo arrepentimientos pues no sabe. De este ciclo (representa la participación de San Buenaventura en el Concilio de Lion) vemos a San Buenaventura con el ángel que se asomaba por la ventana viendo de telón de fondo a unos arenales con un fondo fingido e inspirado en grabados; presenta en el carácter escultóricos apariencias de Montañés. Otra escena es San Buenaventura en el Concilio de Lion donde vemos retratos colectivos siendo los sevillanos de la época identificados por los hombres de la época; otro cuadro del Museo del Louvre es la Exposición del cuerpo de San Buenaventura puesto sobre un catafalco en diagonal estando a los pies el capelo cardenalicio junto al pontífice y el rey. Inmaculada de Sigüenza , obra del 1630 estableciéndose Zurbarán en Sevilla encargándole el Ayuntamiento esta Inmaculada para el edificio pero al cabo de los tiempos, un duque lo cedió a una familia suya considerándose desaparecido hasta que se ha encontrado en el Convento de Guadalajara;, con la luna a sus pies y coronada de estrellas, manto azul y túnica blanca con querubines a los pies, manos orantes y las vistas de Sevilla junto a la carabela estando la Inmaculada ricamente enjoyada. Porciúncula realizado en el 1630 y ubicado en el museo de Cádiz; en composición tenemos una parte terrenal donde aparece el santo arrodillado en unos escalones, con rosas como símbolo de pureza y leves aberturas por donde entra la luz mientras que en la parte celestial vemos un Rompimiento de Gloria donde aparece Jesús con la Virgen además de una serie de ángeles portando el Señor un pergamino con las normas de la Orden de los Menores. Apoteosis de Santo Tomás , el cuadro de mayor formato de Zurbarán realizado para la iglesia del Convento de Santo Tomás viendo una parte terrenal donde tenemos a Fray Diego de Dezza, el rector del edificio y el emperador Carlos V entre otros y llama la atención un recurso que veremos repetidos en los fondos de los cuadros del siglo XVII sevillano pues vemos un pilar o columna sobre plinto para marcar la línea de profundidad;. Bodegón del Museo del Prado donde vemos un bodegón con una serie de frutos como naranjas, limones, flor de azahar y tazas puestos sobre una mesa viendo un acusado tenebrismo siendo muy buena la cesta de mimbre que es la más copiada en el mundo contemporáneo destacando los reflejos de la luz en objetos de diferentes materiales utilizados por Velázquez en la etapa sevillana;. Sitio de Cádiz , hoy en el museo del Prado, contándonos como la península de Cádiz ha sido asediada continuamente por las armadas extranjeras destacando la del 1625 donde una flota anglo-holandesa y comandada por Bretón se presenta ante Cádiz para arrasarla aunque fue por el contrario ahuyentada pues la infantería ganó a las manos del Duque de Medina Sidonia Diego Rodríguez de Silva y Velázquez El Almuerzo , un cuadro de tamaño medio fechado según los expertos (Velázquez no firmaba ni fechaba) en el 1617 estando disperso por pinacotecas europeas viendo en este cuadro a tres personajes tras una mesa, a la izquierda un personaje se come una zanahoria viendo tres edades, un tema muy recurrente en la etapa sevillana (el joven señala al niño quien enarbola una botella de vino mosto) viendo sobre la mesa pan, copas de mosto y granadas apreciando como incide la luz en los diferentes objetos. Vieja friendo huevos siendo un cuadro pequeño del Museo de Edimburgo fechado en el 1618 viendo el tenebrismo, la luz, la combinación de la naturaleza muerta con la viva y sin comunicación donde el niño mira al espectador portando un vaso con aceite caliente siendo la Vieja un prototipo de Marta en su cuadro Cristo en casa de Marta viendo un cuchillo que proyecta sombra para dar efecto de profundidad estudiando en los restos de los objetos los efectos de la luz. El Aguador de Sevilla , algo más tardío pues hablamos del 1623 viendo al aguador de Sevilla, un hombre de Córcega que vendía agua por las calles de Sevilla por lo que es un personaje real de la historia viendo tres protagonistas en el cuadro siendo las tres edades sospechándose que fuese un retrato de su suegro pacheco mientras que el del fondo seria un autorretrato de Velázquez mientras que el niño podría ser Diego de Melgar, el primer discípulo del maestro; Sor Francisca Jerónima de la Fuente es una monja toledana a que pinta varios retratos como el del Museo del Prado del 1620 siendo fundadora de convento y Franciscana Clarisa retratada en su paso por Sevilla pues partió hacia América para fundar allí conventos. La Mulata siendo un bodegón a lo divino viendo una composición al fondo, un cuadro dentro del cuadro viniendo esto de Pacheco habiendo un primer plano con una mulata joven sobre una mesa con diversos objetos mientras que al fondo vemos una ventana donde aparece Jesús con un discípulo llegando incompleto a nosotros aludiendo a la aparición de Jesucristo a los discípulos en Emaús; la mulata podría ser un mulato, un joven aldeanito a quien prestaba servicio a Velázquez. Cristo en la casa de Marta y María un cuadro de pequeño formato de la Galería Nacional de Londres viendo una ventana donde vemos un tema complementario pues vemos como Marta recibe en su casa a Jesús escuchando sus palabras la hermana de esta María recriminándole al Señor que su hermana no le ayudaba en sus tareas aludiendo pues a la vida activa; La Adoración de los Magos algo más grande de lo normal y fechado a los pies de la Virgen (1619) siendo un cuadro de familia donde aparecen retratos de Juana Pacheco en la Virgen,; la Virgen aparece con larga túnica para preservar el sentido del pudor además de que el Niño está empaquetado no pudiendo mover los brazos apareciendo en primer plano unos cardos con un sentido alegórico. Autorretrato de Velázquez buscando la luz exterior y prescindiendo del fondo fechado sobre el 1923 pues en ese año, por una Pragmática Real se cambia la indumentaria de los caballeros eliminándose la lechuguilla teniendo el bigote un paralelismo con el de San Juan en Patmos de la Galería Nacional de Londres. Retrato de Luis de Góngora y Argote , 1622 escritor del siglo XVII teniendo por estas fechas Góngora unos 62 años por lo que el suegro de Velázquez le invita a ir a la Corte a Velázquez para hacerse ver y conocerse encargándole que haga un retrato de este hombre que era capellán honorifico de Felipe IV presentándose con este cuadro en la Corte presentando en otras versiones una corona de laurel. Infante don Carlos quien con diez años fue nombrado Arzobispo de Toledo y luego Cardenal llegando a ser gobernador de los Países Bajos vistiendo de negro con una cadena dorada que le cuelga del hombro derecho sosteniendo el guante por un dedo con un sombrero en la mano izquierda. María de Austria , reina de Hungría es hermana de Felipe IV casada con el rey de Hungría dejando neutro el fondo al igual que la indumentaria dando la sensación de inacabado para acentuar la expresividad del retrato.En el 1628 se produce un impacto en la vida de Velázquez pues llega a la Corte el famoso Rubens quien le sugiere que viaje a Italia, que haga temas mitológicos y en ese contexto es cuando empieza a pintar el Triunfo de Baco ; el cuadro está inspirado en una estampa flamenca siendo un cuadro muy colorista siendo la posición de Velázquez ante el mito como algo burlesco riéndose de los personajes viendo a Baco semidesnudo que corona a un borracho habiendo influencias de Caravaggio y de Ribera llamando la atención la combinación de naturaleza muerta con la viva al igual que vemos de nuevo el vaso de mosto acabando el cuadro en el 1631. La Fragua de Vulcano , inspirada en una estampa de Antonio Tempesta viendo a Apolo con una aureola con el disco solar que se presenta en la fragua de Vulcano para decirle que su esposa Venus le es infiel con el dios Marte forjando otros personajes la armadura al dios Marte; Cristo Crucificado del Museo del Prado donde la paleta se oscurece dando lugar a un Cristo muy tenebrista para acentuar la muerte no siendo el único Cristo que hace Velázquez conociéndose este como el Crucificado de San Plácido; lo realizó en el 1632 haciendo un año antes otro crucificado que procede del Convento de las Bernarda de Madrid. Los dos crucificados son tenebristas siendo el segundo vivo mientras que el que vemos es muerto, son de cuatro clavos con los pies apoyados en la tablilla inclinando su cabeza sobre el pecho quedando la barbilla cubierta por la cabellera, con un sudario corto y con mucha sangre tomando este modelo iconográfico de Pacheco, La Rendición de Breda siendo un cuadro muy colorista y ubicado en la fachada norte del Casón del Buen Retiro considerado como el mejor cuadro histórico de la historia; la rendición de Breda fue una victoria de los Tercios españoles aunque efímera pues al poco tiempo los holandeses reconquistaron este lugar donde vemos que el pintor introduce dos ejércitos en un paisaje representando un hecho no real basado en una obra de Calderón de la Barca viendo a Ambrosio de Espínola que es quien evita la humillación del perdedor a la hora de entregarle las llaves; Juan Pareja , un retrato a un esclavo al que luego le concedió la libertad y que hoy en día está en el Museo de Nueva York sorprendiendo esto por su gran realismo exponiéndolo en el Panteón de Agripa;el retrato del Papa Inocencio X Doria del Museo de Roma es un retrato sedente portando sobre su mano izquierda un papel con una dedicatoria hacia el Papa manifestando el papa una frase mítica como es “Tropo Bello”, “demasiado real” suscitando curiosidad en el Papa que se veía reflejado de una manera total. Pabellón Ariadna en el Jardín Medicci en Roma adelantándose al Impresionismo pues busca la luz reflejada en distintos momentos sobre el paisaje marcando este pabellón el limite viendo los jardines de la Villa Borghese pintando al mediodía los efectos de la luz cómo quedan plasmados al filtrarse por las ramas de los arboles; el otro cuadro es la Entrada a la gruta de los jardines de la Villa Medicci en Roma siendo una loggia o mirador para dominar los jardines viendo andamios sobre la estructura ya que según las crónicas estaba en obras pintando las luces que deja el Sol por la tarde.Estando en Roma va a pintar la Venus del Espejo de la Galería Nacional de Londres del 1651 siendo un tema mitológico en el que vemos a Venus desnuda mientras su hijo Eros tiene entre sus manos un espejo para ver la otra dimensión oculta del rostro de su madre Venus; en el 1914, una sufragista londinense acuchilló al cuadro pues vio muy obsceno ver a una mujer desnuda. Las Meninas o La Familia de Felipe IV del 1656 pintando en su estudio de la planta baja del Casón del Buen Retiro siendo un cuadro que pinta una instantánea apareciendo el pintor autorretratado y mirando hacia nosotros pintando a la nueva pareja real que está en el plano del espectador pues nos da una dimensión de donde estamos nosotros gracias al espejo donde está reflejada la pareja real,; la composición marca un cubo pictórico que unifica dos espacios viendo como recurso la puerta abierta con las escalinatas dando sensación de profundidad y utilizada por Pedro Berruguete siendo interesante la decoración del estudio donde hay lienzos en las paredes de un discípulo de Rubens y del
yerno de Velázquez con temas mitológicos. Ha sido unos de los cuadros de los que más se han hecho interpretaciones como lo vemos en Picasso o Dalí. Las Hilanderas del 1657 del Museo del Prado también conocido como la Fábula de Aracne representando un tema mitológico de Palas Atenea y Aracne siendo un cuadro de gran formato donde el artista capta la luz, la atmosfera y el movimiento en la rueda.
Tema 19. Bartolomé Esteban Murillo, el genio de la pintura españolaBartolomé Esteban Murillo. La Virgen del Rosario donde esta le entrega el rosario a Santo Domingo ubicado en el Palacio Arzobispal procediendo del Convento dominico de Santo Tomás del 1638; Llama la atención el símbolo que aparece como es un perro con una antorcha en la boca iluminando la bola del mundo inspirado en un sueño de Santo Domingo aludiendo al papel de esta orden dominica ya que son los predicadores siendo las palabras como un ladrido o toque de atención. San Diego de Alcalá dando de comer a los pobres recordando que este santo es un personaje del siglo XV, sevillano de San Nicolás del Puerto, fraile portero en cuyas puertas bendice a impartir la comida a los mendigos y enfermos junto a niños; una visión global podría ser la falta de enlace. Inmaculada con Fray Juan de Dios ubicado en el Palacio Arzobispal y procedente de una capilla del Convento de San Francisco de la Hermandad de la Vera + Cruz estando enmarcado en pintura por columnas con entablamento portando los ángeles el blasón de la Hermandad teniendo en la base forma semicircular pues se ubicaba sobre la puerta de ingreso;. Inmaculada Colosal del Museo de Bellas Artes de Sevilla estando en su origen sobre el arco de triunfo de la capilla mayor de este convento siendo una Virgen muy de Ribera llamando la atención los dibujos de los ángeles niños siendo Murillo un excelente dibujante hasta el punto de que en el 1660 funda junto a Herrera el Joven una academia de bellas artes en la antigua Casa-Lonja de Sevilla; es un excelente dibujo viendo las sombras y el carácter escultórico. Última Cena es un cuadro tenebrista pues un año antes, en el 1649 tuvo lugar en Sevilla la gran epidemia de peste que asolo Sevilla entrando en una depresión Murillo justificando el tenebrismo de este cuadro haciéndose para la Hermandad Sacramental pues el personaje de la izquierda de Cristo se propone que puede ser un autorretrato de Murillo mientras que el de la derecha es el retrato del canónigo que ha donado el cuadro viniendo la luz de una lámpara que ilumina el rostro de Jesús dejando en penumbra el fondo procediendo este modelo de un grabado de Bloemaert divulgando un cuadro de donde vemos la mesa en ángulo recto.En el 1656 pinta la Aparición del Niño Jesús a San Antonio siendo un cuadro de altar ubicado en la primera capilla del lado del Evangelio de la Catedral de Sevilla (actual Capilla Bautismal) viendo un Rompimiento de Gloria donde el Niño Jesús se le presenta a San Antonio de Padua siendo un cuadro de gran tamaño donde vemos un interior y una abertura al claustro de un convento con columnas gigantes Retrato de Justino de Neve , canónigo de la Catedral, con el blasón de la familia y con un texto donde se dice la fecha junto al perro a los pies (1655) cuando Justino de Neve tenía cuarenta años siendo este personaje el que funda el Hospital de los Venerables siendo también el que organiza la reconstrucción de la Iglesia de Santa María la Blanca.; así la Capilla Mayor se construye en el 1660 derribándose todo lo demás reconstruyéndose entre el 1662-1665 con soportes de mármol rojizo traídas del Torcal de Antequera interviniendo Murillo que hace las plantillas del intradós de los arcos Sueño del Patricio Juan a quien junto a su esposa se le aparecen la Virgen y el Niño diciéndole que donde aparezca mañana nevado tendrá que levantar la Iglesia siendo los personajes Ana Dávila de Osorio, marquesa de Astorga y el marqués de Villamanrique siendo el otro cuadro la Visita del Pontífice donde Murillo pinta a los marqueses de la época que contribuyeron a la construcción de la Iglesia viendo como los personajes anuncian el sueño que ha tenido al pontífice con una procesión bajo palio que se dirige al lugar citado en el sueño colocando de nuevo una columna con plinto para separar el interior del exterior. Inmaculada del Mariscal Soult , la mejor de las realizadas por Murillo haciéndola para un retablo lateral de la Iglesia del Hospital de los Venerables; es la más compleja de las Inmaculadas por el gran número de ángeles viendo a la Virgen con los brazos sobre su pecho quedando la luna a los pies descentrada. Retablo Mayor de la Iglesia de los Capuchinos de Sevilla del 1667 estando el tema central en Polonia siendo el tema de la Porciúncula o la estigmatización de San Francisco; sobre el Sagrario estaba la Virgen de las Servilletas una Virgen tenebrista con el niño sobre sus brazos tras una mesa, Santa Justa y Rufina con la maqueta de la Giralda enlucida y palma del martirio, San Leandro y San Buenaventura dejando para el segundo cuerpo san Juan Bautista y San José con el Niño, San Félix de Cantalicio y San Antonio de Padua.La Magdalena representándose el tema de la mujer pecadora arrepentida como lo vemos en La Magdalena renunciando a los placeres humanos del 1650 y ubicado en un Museo de Virginia viendo a la santa en el momento en que se desprende de su vestimenta junto a unos joyas en un cojín pudiendo ser la hija de Murillo en la previa a la toma de los hábitos aunque en estos momentos todavía no ha nacido la hija del pintor viendo a un prototipo de mujer de escote generoso, un tema recurrente en Murillo viendo otras versiones como La Magdalena Penitente con el pecho al descubierto, la jarra de ungüento, la calavera y un libro símbolo de la oración ubicado en una colección privada inspirado en una composición de Guido Reni; otra variante es la Magdalena Penitente de Polonia arropada por un abrigo natural con sus atributos y con la presencia de ángeles músicos. Hijo Pródigo donde se alude en el Evangelio de San Lucas siendo el pasaje en el que el hijo le pide la herencia a su padre para vivir gastando su fortuna en vivir pródigamente recogiendo esto Murillo en este cuadro del Museo del Prado donde siguió estampas de Callot viendo al Hijo Pródigo con el brazo sobre el hombro de dos cortesanas en un banquete amenizando la fiesta un músico. José y la Mujer de Putifar , un tema traído del Génesis donde según se cuenta José es vendido en Egipto entrando al servicio de un eunuco del faraón, Putifar enamorándose la mujer de este de José pidiéndole muchas veces que se acueste con él existiendo varias versiones de este cuadro viendo en este caso a José como abandona a la mujer para ser fiel a su Dios y religión poniendo a José como símbolo de castidad procediendo la iconografía de Tintoretto. La Caridad Romana viniendo el tema de una tradición clásica romana recopilado por la literatura medieval contándose como una mujer llamada Peru era lactante yendo todavía a visitar a su padre quien era prisionero condenado a morir viendo la escena en la que la hija amamanta a su padre que está encadenado siendo liberado al conocer los carceleros lo que ocurría allí. Las Gallegas o Mujeres en las Ventanas de la Galería Nacional de Washington representando a dos mujeres asomadas en las ventanas de un prostíbulo recopilando Sebastián Orozco refranes de esta época ( moza que se asomaba a la venta cada rato quiere venderse barat o o moza ventanera o puta o pedera .) De este modo, las mujeres pedían a cualquier hombre que se cruzara ofreciéndole vino y despertando a la mañana en sus camas. Vieja quitando piojos a su niño de la Pinacoteca de Múnich donde se dice que la acción de quitar piojos se relaciona con el sentido sensual de dicho animal al igual que la rueca y el paño representan la sexualidad mientras que las vasijas hacen alusión al órgano femenino dejando claro un mensaje para los jóvenes acerca de la promiscuidad.Pasamos a ver la Sala Capitular de la Catedral de Sevilla habiendo lienzos de Murillo y esculturas de Vázquez el Viejo vemos la Inmaculada flanqueada por ángeles que portan atributos de Las Letanías con un marco barroco y un texto en latín donde se dice que fue concebida sin pecado y mancha; San Isidoro es otro santo sevillano respondiendo al modelo que él mismo repite, sin piara y con báculo leyendo su libro Etimologías viendo también a Santa Justa y Rufina con palmas del martirio y piezas de cerámica. Autorretratos de Murillo del 1672 de la Galería Nacional de Londres teniendo el artista en torno a cincuenta años llamando la atención la puesta en escena del retrato pues aparece dentro de un marco ovalado, apoyado sobre una mesa con útiles del pintor como paleta, pinceles y lápices saliendo el personaje del cuadro como lo vemos en la mano que provoca el efecto del traspantojo; tiene bigote, frente despejada con un texto en la parte inferior donde se dice que se hizo por encargo de sus hijos. Juan de Valdés Leal ( Autorretrato de Valdés Leal de la Biblioteca de Madrid del 1651 viendo a un hombre bajito, grueso y amplio mostacho siendo aparte de pintor profesor de la Academia de Dibujo fundada por Murillo diseñando arquitecturas efímeras como el Triunfo de San Fernando para el transcoro de la Catedral para la canonización de San Fernando en el 1671 al igual que diseñó fachadas en las iglesias trabajando aparte del lienzo en pinturas murales para la Iglesia de la Caridad y para el Monasterio de San Clemente. Virgen de los Plateros viendo a la Inmaculada sobre un rico pedestal de orfebrería flanqueada por San Antonio de Padua y San Eloy, patrón de los orfebres haciéndose para este gremio y ubicado en el Museo de Bellas Artes de Córdoba portando un ángel un texto donde se dice que Jesús fue platero pues cinceló su mejor obra que es su madre. Retablo Mayor de la Iglesia del Carmen de Córdoba del 1655 viendo el tema central que representa a San Elías que sube al cielo en un carro de fuego tirado por caballos de fuego viendo en el ático a la Virgen que protege a los carmelitas bajo su manto copiándolo del modelo de la Virgen de los Cartujos siendo apreciable el gran número de santos destacando a dos como son San Miguel luchando contra el Demonio en la Batalla de los Ángeles y San Rafael representado con el pez además de dos pequeños lienzos que representan a cabezas degolladas del Bautista y de San Pablo; Tentación de San Jerónimo guarda relación con la del convento de Guadalupe viendo en este caso el gran colorido y ese sentido del movimiento donde las mujeres tocan instrumentos musicales siendo la dama de la izquierda girada viendo el movimiento de su vestimenta bailando al son de la música además de ver a San Jerónimo con ese carácter escultórico ahuyentando al mal. Flagelación de San Jerónimo donde en sueños sintió que fue azotado por ángeles por haber leído a Cicerón viendo de nuevo el sentido de movimiento en el ángel que aparece de espaldas azotando al santo con un gran colorido presidiendo la escena Jesús resucitado con la Virgen María. Misa del Padre Cabañuelas en el momento en que dice misa donde la hostia queda en levitación prescindiendo del escenario arquitectónico aunque sí vemos una columna salomónica y un retablo pues le interesa el fondo arquitectónico representando novedades reales de Sevilla siendo en este caso el Retablo de la Concepción Grande de la Catedral ubicado en la capilla de la derecha de la Capilla Real conociendo Valdés Leal solo el proyecto pues el retablo se hace un año después conociendo el retablo ya que en estos momento estaba haciendo una cartela en mármol para la lauda sepulcral de los patronos de esta capilla. Desposorios de la Virgen casándose la Virgen con San José ubicado en la Catedral de Sevilla viendo en un primer plano unos escalones y personas que suben y bajan para dar sensación de profundidad firmando el cuadro a la derecha teniendo lugar la ceremonia en el Templo de Jerusalén viendo columnas salomónicas y yeserías siendo una constante en la arquitectura sevillana del siglo XVII proviniendo este tema de las Estancias de Rafael utilizado ya por Pedro de Campaña. En el 1660 realiza el cuadro de San Francisco recibiendo la ampolla de agua pues este personaje del siglo XIII ha experimentado las cinco llagas de Cristo recibiendo ahora la ampolla de agua mediante el ángel como signo de pureza arrodillado ante el Crucifijo dejando para el fondo un claustro sevillano del siglo XVII con las columnas; vemos de nuevo el recurso del contraluz como recurso propio del pintor viendo la carabela y el libro como símbolo de oración.Valdés Leal es el que diseño el Triunfo de San Fernando del transcoro de la Catedral, un monumento efímero que llegaba hasta el techo de la nave central ; hay una alternancia palladiana de arcos y dinteles rematado por un arco uniforme,.Continuamos con el programa decorativo del Hospital de la Caridad donde en el 1671 Miguel de Mañara le encarga a Valdés la representación de una serie de dos lienzos conocidos como los Jeroglíficos de las Postrimerías colocados en el sotacoro de la Iglesia; In Ictu Oculi (“en un abrir y cerrar de ojos”) contándonos que la muerte que aparece con una guadaña y con un ataúd bajo el brazo apagando un vela como símbolo que se apaga una vida igualando la muerte a todos por igual viendo representados a altos cargos como pontífices, reyes u obispos, a milicia y la cultura hablándonos de la Vanagloria; Finis Gloriae Mundi transcurriendo la escena en el interior de una cripta, un espacio oscuro donde vemos una mano estigmatizada como es la Mano de Cristo Resucitado llevando una balanza con diferentes objetos y con letras de Ni más Ni menos habiendo un equilibrio entre las fuerzas del mal y las del bien junto a dos cadáveres, uno de un obispo y otro de un caballero de la Orden de Calatrava. Milagro de las abejas donde este personaje era hijo del gobernador de Roma y estando en la cuna revolotearon un enjambre de abejas que no le tocaron siendo un preludio de lo que sería este niño viendo a un niño bastante feo llamando la atención el fondo arquitectónico pues es el Palacio Arzobispal de Sevilla.Pinta a Miguel de Mañara en el 1681 siendo un retrato póstumo pues este falleció en el 1679 viendo a Mañara en actitud clamadora, sentado y leyendo su libro viendo en la mesa varios objetos como un Crucifijo con el monte en llamas siendo el escudo de la Hermandad de la Caridad,; el niño mira al espectador mandando silencio para que escuchemos lo que dice Mañara vestido de enfermero habiendo una segunda estancia donde aparece una calavera, unas flores y un reloj de arena para decirnos que todo es finito y se acaba.Vemos ahora la planta del Hospital de los Venerables fundando en el 1675 acabado en el 1698 así la Iglesia es de una nave con policromías en función del colorido que se le dotan de esas pinturas que ocupan todos los huecos de la misma siendo el programa ideológico basado en función del edificio pues es el Hospital de los Venerables Sacerdotes aludiendo pues al sacerdocio además de ver una galería de retratos de los primeros sacerdotes de Sevilla. Exaltación de la Cruz que nos hace ver como un emperador romano Heraclio ha entrado en Roma triunfante tras haber recuperado la verdadera cruz de Cristo cogida por los persas cuando aparece una visión celestial donde le hizo ver que Jesús entró en Jerusalén de una forma más sencilla contándonos de nuevo la Vanagloria. La decoración de la Sacristía también es de Valdés Leal viendo un techo muy bajo para una planta rectangular por lo que pinta una perspectiva abatida hacia arriba fingiendo un techo más alto viendo la Adoración de la Cruz que está sostenida por varios ángeles inspirándose en el Libro del padre Andrea Pozo de Perspectiva. Iglesia cisterciense de San Clemente justificándose la decoración mural en pagos pues una hija de Valdés Leal entro en este monasterio pagándole en dotes realizando pues la decoración del muro existente entre coros pues es un monasterio de clausura habiendo un coro bajo con rejas y un coro alto al igual que decora la bóveda y las pechinas.Uno de los cuadros más controvertidos de la pintura sevillana es la Alonso Cano Inmaculada subastada como un Velázquez considerándose hoy en día una obra de Cano evidenciando las pocas diferencias que hay entre los artistas pues Cano tiene influencias de Velázquez viendo un estrangulamiento en la base de la Virgen respondiendo a la mujer apocalíptica basándose en un grabado italiano. Crucificado en el 1640 cuando es llamado a la Corte ubicándose el cuadro en la Escuela de San Fernando de Madrid viendo a una Cristo de cuatro clavos, sudario pequeño y de un acusado tenebrismo derivando del modelo de su maestro Pacheco. El Milagro del Pozo donde San Isidro Labrador del 1640 y del Prado consigue rescatar a un niño que se ha caído a un pozo acentuándose el carácter velazqueño en Alonso Cano viendo ya el gran colorismo de este pintor.En el 1652, Cano es invitado por el Cabildo de la Catedral de Granada a volver a su ciudad encargándole la realización de siete lienzos con temas alusivos a la Virgen María para la Capilla Mayor siendo cuadros diseñados para verse de lejos ocultando el espacio donde estaban las vidrieras renacentistas de esta rotonda; La Anunciación donde el tema presenta variantes viendo al arcángel que se ha arrodillado a los pies de la Virgen que asume ese cargo con los brazos cruzados, también tenemos La Visitación donde la Virgen visita a su prima Isabel viendo fondos arquitectónicos en su inmensa mayoría, en este caso vemos la Presentación de la Virgen en el templo donde la Virgen niña sube la escalinata monumental dándonos dos planos llamando la atención el fondo con pilastras de guirnaldas de frutos y también tenemos La Asunción de la Virgen donde sube al cielo para ser coronada rodeada por ángeles niños.De su etapa granadina y para Toledo es el cuadro del 1660 para la Iglesia de los Capuchinos de Toledo donde vemos la Lactancia de San Bernardo tomando este tema de Roelas basándose en un sueño en el que practicando ayuno había sido amamantado con la leche de la Virgen viendo también al arzobispo de Toledo que es el donante arrodillado junto una capilla con una escultura de la Virgen que amamanta al santo dejando para el fondo una claraboya circular.Acabamos con la Virgen de Belén de la Catedral de Sevilla siendo un cuadro de su etapa granadina siendo una donación a la Catedral en el año del 1662 siendo muy tenebrista, de medio cuerpo y de pequeño formato.La obra final de Alonso Cano data del 1666 siendo la Virgen del Rosario de la Catedral de Málaga para un Retablo de Altar viendo a una Virgen sedente con su hijo apoyada sobre dos pilares estando rodeada de ángeles niños ofreciendo distintos objetos a una galería de santos de la parte inferior apareciendo San Francisco, Santo Domingo o Santa Teresa estando inspirando en un libro de la antigüedad.
Tema 20. La Arquitectura de los siglos XVII y XVIII. El Palacio Ducal de Lerma cuenta con dos patios, uno de honor y otro privado, con cuatro torres en las esquinas rematadas por los chapiteles s;. El Palacio Ducal está convertido en parador de turismo habiendo sido cárcel y abandonado; al interior vemos que el patio principal es de doble altura con columnas dórico-toscanas en el primer cuerpo y en la segunda vemos columnas jónicas estando cerrada con bacones. Iglesia de San Blas pegada al monasterio de dos plantas, de cantería destacando la Iglesia de tres pisos y espadaña construyendo simultáneamente la iglesia de San José de Ávila, la primera del siglo XVII ,composición de arcos y dinteles habiendo un vestíbulo o nártex, una ventana da luces al coro en alto (planta de cruz latina) flanqueado por los blasones del Duque de Lerma y el de su esposa; tras la Capilla Mayor hay una capilla de las reliquias siendo una novedad que veremos a partir de ahora pues son secuelas del Concilio de Trento surgido como reacción de la Iglesia Católica frente a la Iglesia Protestante afirmando el papel de los santos como intercesores. Real Monasterio de la Encarnación de Madrid (1611-1617) vemos por un lado la iglesia de planta de cruz latina quedando la fachada retranqueada conforme a un patio que avanza para darle mayor perspectiva a la fachada donde ya vemos un triple pórtico, , esferas de El Escorial para las esquinas y Cruz al exterior que nos conduce al nártex con coro en alto viendo una iglesia de una nave y tres tramos con arcos fajones.; al interior de la iglesia nos llevamos una sorpresa pues vemos un interior muy rico, una iglesia neoclásica en la que Ventura Rodríguez reforma la iglesia en su interior transformándola viendo una cúpula sobre tambor circular con linterna sujetada por pilastras acanaladas con volutas y guirnaldas siendo de madera y neoclásico el retablo mayor. Juan Gómez de Mora Clerecía de Salamanca , el edificio para la formación de jesuitas. En planta tenemos la Iglesia con fachadas a dos calles viendo una iglesia de planta rectangular, de salón o de cajón, de una sola nave con capillas entre los contrafuertes bajando de una capilla a otra a través de portadas viniendo el modelo de la Iglesia del Gesú de Vignola de Roma, el crucero es alineado, la Capilla Mayor de testero plano y muy profunda ubicándose allí el coro dejando para el final la Sacristía quedando el claustro principal en el lado de la epístola de la Iglesia habiendo varios patios articulados mediante escaleras donde se ubican las celdas donde permanecen los novicios El interior es una iglesia de una nave con capillas entre los contrafuerte enmarcadas por grandes pilastras dórico-toscanas acanaladas con arcos sobre los que hay unas tribunas enmarcadas por triglifos y metopas con ventanas termales que vienen del Renacimiento; en el teórico crucero vemos las puertas laterales elevándose la cúpula con linterna donde llama la atención el tambor que es de sección circular aunque al exterior es poligonal. Plaza Mayor de Madrid proyectada por Juan Gómez de Mora del 1617-1619 siendo una plaza cerrada,; a la plaza convergen unas nueve calles apeando sobre soportales de granito, teniendo en su origen seis pisos y no tres como tenemos ahora siendo una plaza multiusos con gran capacidad para albergar personas. En el 1623 Juan de la Corte pinta una panorámica de la Plaza que nos da una visión del ambiente de la fiesta con motivo de la visita del Príncipe de,la técnica constructiva es una técnica mixta con piedra para los pilares y ladrillo para la fachada además de ver la madera al interior con tejados de pizarra.En el 1617, Juan Gómez de Mora interviene simultáneamente en varios frentes pues inicia el Panteón Real de El Escorial teniendo diferentes panteones la familia real estando previsto en el proyecto de Herrera que el Panteón octogonal donde un lado de este es la puerta de ingreso, otro de los frentes es el retablo donde preside el Crucificado y los seis lados restantes son para las tumbas agrupadas de cuatro en cuatro (26 reyes y reinas enterrados como Carlos I, Felipe II, Felipe III y Felipe IV); la decoración es de mármoles de colores rosas y negros y acabados en bronces dorados como el crucificado, frisos y los ángeles y apliques de las tumbas basándose en una Capilla de Santa María Mayor de Roma. Palacio de Santa Cruz , actual Ministerio de Asuntos Exteriores siendo también en su época cárcel de la Corte viendo un edificio de planta rectangular y apaisado, en el centro del conjunto la escalera que permite subir al segundo cuerpo dividiéndose en cuatro a través de los patios; de nuevo vemos la técnica mixta con piedra para la fachada donde preside el escudo real de Felipe II dejando a los vértices sendas torres con una gran aguja mientras que la fachada es de ladrillo con remates de piedra conllevando a una bicromía de colores con el rojo del ladrillo y el blanco de la piedra. Alcázar de Madrid , un edifico que ya no existe pues sucumbió en la Noche Buena del 1764; vemos una maqueta que nos permite decir que era un viejo edificio de época islámica convertido en castillo en el Renacimiento por lo que entre los años del 1620 y de manos de Juan de Mora se hace una fachada en la fachada sur o principal viendo en el centro una gran portada superponiéndose los pisos con el escudo real en el ático, torres en las esquinas de diferentes alturas y alternancia de frontones triangulares y semicirculares conduciendo el eje central a la capilla organizándose en dos patios, el Patio del Rey y el Patio de la Reina. Fray Lorenzo de San Nicolás , Arte y uso de la arquitectura del 1633 no publicándose hasta el 1639; el libro lo dedica al patriarca San José apareciendo en la portada tres figuras femeninas como son la Geometría, la Aritmética y la Arquitectura pues en el libro se habla de matemáticas y geometrías viendo también el escudo de la Orden de los Agustinos permitiendo el libro que Fray Lorenzo de San Nicolás fuese el mejor tratadista de la arquitectura española del siglo XVII. Tuvieron mucho éxito determinadas laminas como la Lámina 184 donde vemos el proyecto de fachada de una iglesia viendo el frontón roto y curvo con un penacho central, la Lámina 188 nos muestra la decoración de una bóveda donde vemos un circulo dentro del cual se inscribe una cruz en forma de madejas y una decoración inscrita a base de triángulos y trapecios encontrando esta decoración en diferentes iglesias y también es importante la cúpula encamonada, un recurso para evitar hacer esas grandes cúpulas como la de la Clerecía de Salamanca trazando una cúpula de carpintería, de madera viendo una cúpula que se inscribe dentro de un circulo siendo al exterior poligonal y al interior circular utilizándose con frecuencia en iglesias conventuales de Castilla, es especial de Madrid. Iglesia del San Plácido de Madrid que es de donde procede el crucificado de Velázquez siendo la Iglesia la síntesis de dos modelos tradicionales como son la iglesia de planta centrada y cruciforme presidida por una cúpula sobre pechinas y sin tambor gustándole las construcciones de ordenes toscanos perteneciendo las pilastras y frisos con pilares achaflanados. La Arquitectura del siglo Narciso Tomé , Fachada Principal de la Universidad de Valladolid originaria del siglo XIII ubicándose en la antigua Plaza de Santa María llegando un edificio del siglo XV decidiéndose en el siglo XX el derribo del edificio antiguo quedando solo la fachada construida entre el 1714-1715,esta fachada apaisada se eleva sobre un alto zócalo decorándose con pilastras y columnas de orden corintio marcando la fachada con un gran ático viendo el barandal de antepecho de balaustres con efigies de cuatro reyes (Alfonso VIII, Enrique III, Juan I y Felipe II) protectores de la Universidad presidiendo la figura de la Sabiduría combatiendo contra la Ignorancia queriendo decir que es un templo de la sabiduría bajo el mecenazgo de los reyes viendo además otras esculturas como la Retórica y la Geometría, Transparente de la Catedral de Toledo comentando antes la planta de la catedral, una catedral del siglo XIII y gótica, de cinco naves y la Capilla Mayor con una doble girola; entre los años del 1720-1730 tras la Capilla Mayor se decide construir un retablo eucarístico quedando lúgubre debido a la girola por lo que se coloca el Transparente para iluminar el Retablo rompiendo la plementería para hacer una claraboya y ubicar una vidriera con la misión de que una luz de arriba-abajo iluminase el Retablo siendo esto el Transparente enlazándose la claraboya con el retablo mediante pinturas murales alusivas a la Eucaristía Pedro Ribera l Puente de Toledo habiendo un puente diseñado por Juan Gómez de Mora arruinado por las corrientes de modo que Ribera proyectó este puente con tajamares de sección semicilíndrica determinando que la calzada permite asomarse para ver el paisaje. Está decorado por dos templetes que responden ya el pleno barroco con columnas abalaustradas, rica decoración y el blasón municipal de Madrid cobijando a la Virgen de la Cabeza realizado por Ron y Villabrille mientras que el otro templete cobija a San Isidro Labrador. Antiguo Hospicio de Madrid cuya iglesia está dedicada a San Fernando; tenemos una obra que nos muestra la fábrica mixta con muros de ladrillos rojos alternando con la piedra de las puertas, ventanas y frisos.. La iglesia es de planta de cruz latina con crucero desarrollado cubriendo con bóveda de cañón la única nave siendo la cúpula cilíndrica al interior y al exterior poligonal siguiendo las pautas de Fray Lorenzo de San Nicolás no viéndose hoy en día la arquitectura de la iglesia pues al estar dedicada a museo, se ha colocado una maqueta monumental de Madrid que oculta el espacio de la primitiva iglesia. José Benito de Churriguera l Retablo Mayor de la Iglesia de San Esteban de Salamanca siendo una iglesia del gótico tardío interviniendo entre otros Rodrigo Gil de Hontañón; vemos un monumental retablo mayor cortando cien pinos de la sierra de Segovia para llevarlo a cabo presentando perfil curvo con un basamento, seis columnas salomónicas y decoración de pámpanos para el Sagrario al igual que hay grandes ménsulas y puertas laterales junto a esculturas de San Francisco y Santo Domingo y el lienzo de Claudio Coello con la Lapidación de San Esteban dejando un penacho en la clave de la bóveda de ese arco superior. Nuevo Baztán , un complejo construido al sureste de Madrid por José Benito de Churriguera por encargo de Juan Goyeneche, un personaje clave en el reinado de Carlos II viniendo a ser como un tesorero de hacienda de estos reyes del momento, banquero y creador de la primera empresa periodística en España como es la Gaceta de Madrid ; Pasamos a ver la Iglesia y el Palacio, un conjunto del 1720 en el cual vemos un complejo de cantería donde se nos muestra la portada de la Iglesia enmarcada entre torres, de perfil mistilíneo que queda retranqueada con columnas que avanzan y retroceden, frontón decorado con guirnaldas y en el ático San Francisco Javier presentando la Iglesia tres naves de testero plano, con coro en alto y cubierta con una bóveda de cañón además de ver una decoración sencilla teniendo el Altar Mayor una correspondencia con un paralelismo de estilos de diversas épocas apareciendo San Ignacio de Loyola y San Francisco de Borja siendo un panteón de la familia. Casa de Juan de Goyeneche es de estilo barroco diseñada por Churriguera y sede de la Academia de San Fernando de Madrid teniendo un proyecto de Ventura Rodríguez adaptando el modelo eliminando mitades a ambos lados, del basamento quita la decoración de aspectos de rocas, algunas molduras de la portada y se le colocó bustos en los antepechos. Plaza Mayor de Salamanca realizada por Alberto de Churriguera,; la planta es irregular siendo un proyecto del 1729 construyendo solo dos de los pórticos empezándose por el Este o Pórtico Real y el lado sur construyéndose en sentido dextrógiro decorándose el Pórtico Real con decoraciones de reyes. El edificio por tanto es de tres pisos sobre las galerías con soportales; la decoración del Pórtico Real lo preside un medallón ovalado con un cortinaje de piedra con la efigie de Fernando III el Santo, en las enjutas Felipe V e Isabel de Farnesio, pilastras cajeadas, grandes ménsulas y antepecho de balaustre coronado por decoración de flores de lis; la fachada norte realizada por Quiñones respeta las fachadas diseñadas por Churriguera aunque rompe esta armonía el Ayuntamiento que es de una altura mayor al igual que la espadaña con el reloj es una construcción posterior. Palacio Real de Madrid ubicado en el mismo enclave donde estuvo el Alcázar de los Austrias el cual pereció en un incendio en la Nochebuena de 1734 estando al Este la Plaza de Oriente y al Oeste el Campo del Moro junto al rio Manzanares cercano también a la Iglesia de la Encarnación, a la Capilla Real y a la Catedral de la Almudena.; en la fachada principal que da a la Armería está iniciado en un almohadillado, la planta noble con pilastras toscanas mientras que las columnas son pilastras jónicas con antepecho de balaustres eliminándose las esculturas de la fachada por Carlos III pasando de aquí al Patio de Honor cuadrado, superposiciones de órdenes, galería con esculturas de reyes y rematado todo por antepechos con esferas.; en la fachada norte sobresale la cúpula repitiéndose los resaltes en los torreones que quedan a la misma altura que la cornisa mientras que el resto sigue el mismo esquema que las demás
Tema 18. La Pintura del Siglo XVII No tenemos que hablar ni de la “Pintura de la Edad de Oro” ni de la “Pintura Barroca” pues no surgirá hasta los años 1690. Con respecto a la evolución de la pintura en el siglo XVII tenemos que decir que hay un Manierismo además de una pintura tenebrista promovida por la Generación del 1560 integrada entre otros por Pacheco y luego un primer Naturalismo; A principios de siglos nacen grandes maestros desde el 1591 al 1601, nacen por ejemplo Rivera, Zurbarán, Velázquez y Alonso Cano matizando que el reconocimiento internacional de la pintura española del siglo XVII no tiene lugar hasta el siglo XIX debido al expolio que tiene lugar en España por la Revolución Francesa llevándose muchas de esas pinturas a Francia desde donde se dispersaron a otras ciudades europeas y norteamericanas. José Ribera (1591-1652), natural de Játiva en Valencia sabiendo que su padre era zapatero y no sabemos con quien se forma en Valencia buscando fortuna a los dieciocho años a Italia yendo por diferentes ciudades como Parma, Roma y Nápoles donde encuentra la estabilidad siendo favorecido por los virreyes españoles de Nápoles como el Conde de Osuna; De este modo vamos a empezar a ver sus obras siendo la primera del 1615 que es en verdad un ciclo denominado Los Cinco Sentidos llegando cuatro originales y una copia del Oído viendo que hay un acusado tenebrismo con la luz exterior que ilumina al protagonista que se encuentra detrás de una mesa prescindiendo del fondo utilizando como modelos hombres de la calle tal y como lo vemos en la representación de la Vista , un mendigo de la calle con un catalejo, inventado recientemente por Galileo, en la mano apoyado sobre una mesa donde hay un espejo, unas lentes, la funda de las mismas y una gorra con plumero blanco; otra es la personificación del Olfato , otro mendigo lagrimando en los ojos por el efecto de la cebolla viendo una luz exterior que viene del ángulo izquierdo y una mesa con cebolla, ajo y azahar prescindiendo de nuevo del fondo; la personificación del Gusto se encuentra en un museo norteamericano y de pequeño formato viendo la glotonería y la gula con un personaje corpulento ofreciendo una copa de vino tinto junto a un plato de pastas, pan, cucurucho de aceitunas y la botella de vino además de ver de nuevo la luz exterior; y por último el Tacto representado por un ciego que tiene en sus manos la cabeza de una figura clásica tocándole la nariz y detrás de una mesa que tiene un lienzo con un retrato al oleo y de nuevo el tenebrismo. Francisco Pacheco (1564-1644) viviendo ochenta años siendo maestro de maestros estudiándolo tanto como pintor como teórico siendo el maestro de grandes artistas como Velázquez y Alonso Cano; su libro, El arte de la Pintura tuvo gran trascendencia Ese joven artista se forma en Sevilla a partir del 1580 en un ambiente cultural y religioso con su tío. l Catafalco , erigido en honor a Felipe II en Sevilla siendo el túmulo o arquitectura efímera que se hizo en la Catedral debido a la muerte de Felipe II siendo de grandes dimensiones llegando hasta el cimborrio de la Catedral diseñando esto el arquitecto Juan de Oviedo y de la Bandera del consejo Hispalense mientras que la escultura es, entre otros, de Martínez Montañés con pinturas también entre otros, de Pacheco. Francisco Zurbarán (1598-1664) extremeño pero formado en Sevilla durante dos tiempos diferentes: uno del 1614 al 1617 pues viene a Sevilla para trabajar en el taller de Pedro Díaz de Villanueva no conociéndose ninguna obra de este siendo decorador de imaginería teniendo lugar en Sevilla durante estos años la llegada de una embajada japonesa que se hundió a la altura de Coria del Río viviendo allí y casándose allí mientras que en el 1617 tienen lugar los acontecimientos de cuando el Papa promulga un breve pontificio sobre la Inmaculada Concepción; en el siglo XVIII pasa a un segundo plano siendo un artista más secundario debido al prestigio de Velázquez interesando solo en este momento su tenebrismo y en el siglo XIX se le valora como personaje secundario reconociéndose más los bordados o el color blanco de la túnica de los cartujos además de los bodegones llegando al siglo XX donde se le da la categoría de Maestro, precursor de algunos movimientos de Vanguardias, aunque también se le ha considerado un artista retrasado en su tiempo por su goticismo. Santo Domingo en Soriano siendo un cuadro de gran formato siendo Soriano una localidad italiana lugar donde en el siglo XVI un miembro de la comunidad se quejaba de que allí no había ningún santo de su titular apareciendo la Virgen que le entrega el lienzo de Santo Domingo siendo portado por un ángel mientras la Virgen aparece con alas, cetro, corona y rosario y la Magdalena.. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660) sabiendo que se bautizó en la Iglesia de San Pedro el 6 de Junio del 1599 diciendo que su padre es Juan Rodríguez de Silva y su madre Jerónima de Velázquez siendo ambos sevillanos aunque su padre era de origen portugués, de Oporto quien era de clase media y escribano del Palacio Arzobispal de Sevilla llevando el tema de los testamentos; El Almuerzo , un cuadro de tamaño medio fechado según los expertos (Velázquez no firmaba ni fechaba) en el 1617 estando disperso por pinacotecas europeas viendo en este cuadro a tres personajes tras una mesa, a la izquierda un personaje se come una zanahoria viendo tres edades, un tema muy recurrente en la etapa sevillana viendo sobre la mesa pan, copas de mosto y granadas apreciando como incide laluz en los diferentes objetos. Tema 19. Bartolomé Esteban Murillo, el genio de la pintura españolaBartolomé Esteban Murillo (1617-1682) del que su primer dato documental es el de que se bautizó el 1 de Enero del 1618 naciendo en los últimos días de Diciembre del 1617 formándose con Juan del Castillo ingresando a los dieciséis años no siendo un artista precoz como el caso de Velázquez; en su etapa inicial de los años del 1630 se ve influenciado de los artistas en vigor tales como Zurbarán quien este de adulto se inspiró en el propio Murillo siguiendo la estela de pintores pioneros sevillanos como Herrera el Viejo. en el siglo XX surge el movimiento de vanguardia en el arte, la no figuración, por lo que vemos que los temas dulzones de Murillo quedaron en un segundo plano bajando bastante su prestigio hasta que a partir del 1980 Murillo ha vuelto a alcanzar la más alta cima. Juan de Valdés Leal (1622-1690) perteneciendo a la segunda mitad del siglo XVII y contemporáneo de Murillo considerado como el mejor pintor español del barroco después del propio Murillo sabiéndose que se forma con Herrera el Viejo marchándose a Córdoba donde se casa empezando su profesión allí volviendo a Sevilla a mediados del 1650 realizando su vida salvo un paréntesis donde se marcha a Madrid; Autorretrato de Valdés Leal de la Biblioteca de Madrid del 1651 viendo a un hombre bajito, grueso y amplio mostacho siendo aparte de pintor profesor de la Academia de Dibujo fundada por Murillo diseñando arquitecturas efímeras como el Triunfo de San Fernando para el transcoro de la Catedral para la canonización de San Fernando en el 1671 al igual que diseñó fachadas en las iglesias trabajando aparte del lienzo en pinturas murales para la Iglesia Tema 20. La Arquitectura de los siglos XVII y XVIII Empezamos por ver la arquitectura en Castilla a principios del siglo XVII viendo el modelo de ciudad conventual teniendo el punto de partida en la villa local de la ciudad de Lerma, Ciudad de Lerma entre en 1602-1610 por lo que a lo largo de estos diez años va a llevar ideas y motivos decorativos de El Escorial a la villa de Lerma donde se proyecta una ciudad con Palacio, Plaza Mayor (lugar de fiestas) enlazándose con construcciones civiles y religiosas como el Ayuntamiento, la Iglesia de San Pedro o el Convento de las clarisas; el Palacio Ducal se articula con una tribuna al Convento de San Blas desarrollándose una idea implícita en El Escorial pues vemos un palacio rodeado de monasterios de la Caridad y para el Monasterio de San Clemente. Juan Gómez de Mora sabemos que es sobrino de Francisco de Mora siendo arquitecto real aunque interviene en edificios civiles y religiosos de Castilla en el siglo XVII siendo uno de los grandes edificios que hace la Clerecía de Salamanca , el edificio para la formación de jesuitas (un Colegio Jesuita) bajo la advocación del Espíritu Santo siendo un edificio de gran volumen; vemos la monumentalidad del mismo siendo un largo proyecto constructivo (1619-1687) interviniendo varios arquitectos. En planta tenemos la Iglesia con fachadas a dos calles viendo una iglesia de planta rectangular, de salón o de cajón, de una sola nave con capillas entre los contrafuertes bajando de una capilla a otra a través de portadas viniendo el modelo de la Iglesia del Gesú de Vignola de Roma, el crucero es alineado surgiendo por omisión de las capillas entre los contrafuertes proyectándose las bóvedas de cañón, de aristas y la cúpula de planta circular con linterna, Fray Lorenzo de San Nicolás , fraile agustino y arquitecto que hay que estudiarlo tanto como arquitecto como tratadista viendo su libro como es Arte y uso de la arquitectura del 1633 no publicándose hasta el 1639; el libro lo dedica al patriarca San José apareciendo en la portada tres figuras femeninas como son la Geometría, la Aritmética y la Arquitectura pues en el libro se habla de matemáticas y geometrías viendo también el escudo de la Orden de los Agustinos permitiendo el libro que Fray Lorenzo de San Nicolás fuese el mejor tratadista de la arquitectura española del siglo XVII.. Narciso Tomé , el más importante de la saga Tomé participando junto a su padre siendo toledano activo hasta el 1748 interviniendo en la decoración de la Fachada Principal de la Universidad de Valladolid originaria del siglo XIII ubicándose en la antigua Plaza de Santa María llegando un edificio del siglo XV decidiéndose en el siglo XX el derribo del edificio antiguo quedando solo la fachada construida entre el 1714-1715 siendo el proyecto de Fray Pedro de la Visitación, fraile carmelita asistiendo ahora a la construcción de grandes fachadas monumentales (Obradoiro, Cádiz o Murcia); Pedro Ribera , importante arquitecto madrileño activo hasta el 1742 siendo arquitecto municipal y discípulo de José Benito Churriguera sustituyendo a Teodoro Ardemans; entre el 1720 proyecta el Puente de Toledo habiendo un puente diseñado por Juan Gómez de Mora arruinado por las corrientes de modo que Ribera proyectó este puente con tajamares de sección semicilíndrica determinando que la calzada permite asomarse para ver el paisaje. José Benito de Churriguera activo entre el 1690-1725 estando al final de ese proceso de la arquitectura barroca que tiene esa línea divisoria pues cuando a partir del 1752 aparece la Academia de San Fernando se impone la estética neoclásica quien toma el término “churrigueresco” como algo despectivo. Una de las primeras obras es el Retablo Mayor de la Iglesia de San Esteban de Salamanca siendo una iglesia del gótico tardío interviniendo entre otros Rodrigo Gil de Hontañón; vemos un monumental retablo mayor cortando cien pinos de la sierra de Segovia para llevarlo a cabo presentando perfil curvo con un basamento, seis columnas salomónicas y decoración de pámpanos para el Sagrario al igual que hay grandes ménsulas y puertas laterales junto a esculturas de San Francisco y Santo Domingo y el lienzo de Claudio Coello con la Lapidación de San Esteban dejando un penacho en la clave de la bóveda de ese arco superior
Tema 1: La Luz como elemento básico en la formación de la imagen. ¿QUÉ ES LA LUZ? Es una energía electromagnética radiante, por ello responde a dos teorías: a. Teoría de la Emisión: todo rayo de luz se transmite en línea recta. b. Teoría Ondulante: se transmite en línea ondulante. La luz siempre se desplaza en línea recta. Es la única energía de ese tipo perceptible por el hombre. La luz es producida por el Sol y en segundo lugar a los cuerpos transcendentes. El resto de cuerpos solo emite luz pero no la produce. El resto de cuerpos la emiten reflejándola. La luz responde a dos propiedades: - Longitud de Onda. Distingue a la luz de las demás energías electromagnéticas. - Altura de la Onda. Determina el brillo e intensidad de la luz. Dos tipos de lentes: - Con lados cóncavos, los rayos de luz se expanden, refracción hacia arriba. Los Rayos divergen. - Con lados convexos. Si no se unen los rayos nunca formaran la imagen: - Lente bicóncava o negativa: es una lente que no forma la imagen. - Lentes biconvexas o positivas: dos lados convexos. EJE OPTICO: línea imaginaria que cruza la lente por su parte central, lugar donde se forma la imagen es donde convergen los rayos de luz, se llamara punto o plano focal, es lo que hay entre el centro de la lente y el plano focal. El plano focal es importante porque depende de la distancia a la que este, las imágenes serán más grandes o menos. Dependiendo del grosor y de la curvatura de la lente, en el ángulo de refracción será mayor o menor. En una lente gruesa y muy curva, se forma un ángulo de refracción grande de manera que el punto focal esta cerca de la lente y por consiguiente se forma una imagen pequeña. Es una lente fina y con lados más rectos, el ángulo de refracción es más pequeño de manera que la distancia focal es mayor, por lo que se genera una imagen grande. DEFECTOS Y ABERRACIONES DE LAS LENTES: En cuanto a los defectos: 1. Flare: Es un rebote o reflejo de los rayos de luz en el interior de la cámara, ya sea dentro de la montura del objetivo, etc. Las causas son o bien que las cámaras no están bien cerradas o bien porque se enfoca la cámara teniendo la luz de frente. En la imagen se manifiesta en forma de puntitos o pequeñas estrellas luminosas. En cuanto a las aberraciones hay dos tipos fundamentales: 2. Esféricas: Están provocadas por la curvatura de la lente porque los rayos pasan por el centro de la lente tiene una deformación de los bordes. Hay dos tipos: 2.1. La deformación de Almohadón, con lados comprimidos hacia dentro. 2.2. Deformación en barrilete, con lados expandidos hacia fuera. Esto se da en los objetivos gran angular. Se puede corregir este efecto reduciendo el diafragma. Si este se cierra, los rayos de luz solo pasan por el centro de la lente. 3. Cromáticos: si las lentes no se corrigen, los colores se pueden reducir en planos focales distintos; como se debe a que cada color tiene una longitud de onda con un ángulo de refracción diferente. También se puede manifestar en forma de manchas de colores. COBERTURA DE LA LENTE: Las lentes proyectan siempre imágenes circulares, porque son circulares, pero de esa imagen circular, la parte clara es la parte central, los bordes son difusos y no son aprovechables. Eso es lo que se llama abertura de la lente, lo nítido. El formato de la imagen tiene que adaptarse a esa cobertura.
Tema 2: Elementos de la cámara fotográfica actual. De la cámara oscura a la cámara fotográfica. La cámara oscura era ya conocida en la Antigüedad y en la Edad Media. En la Antigüedad Aristoteles ya describe la cámara oscura. En el s. XI, un óptico llamado Alhazán, la utilizaba para observar eclipses de sol. Ese uso de la cámara oscura será el uso fundamental de este aparato durante la Edad Media. A. Elementos básicos de la Cámara Fotográfica (4): 1. El objetivo o la lente: capta la imagen, los rayos de luz y la enfoca. Enfocar es formar una imagen nítida en el plano focal (se coloca la película o sensor digital) según la distancia del objeto. Para enfocar lo que se hace es mover la lente para que capte los objetos. Si el objeto está cerca hay que mover hacia delante. 2. Elementos de control de luz: son el diafragma y el obturador. Diafragma: controla la cantidad de luz que entra en la cámara. Obturador: controla el tiempo que la luz entra en la cámara. En la cámara antigua es una placa que se abre y se cierra. Cuando el obturador está abierto se llama tiempo de exposición. 3. Soporte: es la superficie sensible a la luz, donde se registra la imagen. La cámara oscura no tiene soporte. Casi siempre ha sido el soporte químico. Después s. XX aparece el modo digital con un sensor de receptores fotosensibles, sensibles a la luz 4. Visor: elemento que permite encuadrar. Encuadrar es seleccionar la realidad que vamos a fotografiar. Dos tipos de visores: Visor Directo: ventanita donde se ve el objeto directamente. No sale exactamente lo mismo. Visor de Pantalla: permite ver la imagen que capta la luz. No hay ningún tipo de error. TIPOS DE CAMARAS: Dos criterios para clasificarlas: primero es el formato y segundo el tipo de visor. FORMATO (en la cámara tradicional): tamaño que tiene el fotograma dentro de la cámara. Cuanto más grande es el formato, mayor es la calidad de la imagen. 1. Cámara de Formato Grande: son de tamaño bastante grandes y usa hojas o placas, cada foto es una placa, son individuales. Pueden ser flexibles, de celuloide o rígidas, de cristal. Ventajas: o Calidad de la imagen. o Se puede mover consiguiendo perspectivas que las cámaras normales no pueden. Inconvenientes: o Son muy grandes y muy caras. 2. Cámara de Formato Medio: deriva de la película cinematográfica de 70mm de ancho. Esa película, las tradicionales la usaban aunque algunas también utiliza + placas individuales. El ancho está determinado por el año útil(60mm). Ventajas: o Buena Calidad. o Tamaño suficiente para que puede ampliarse sin perder calidad. o Se puede cambiar el objetivo. o Puede adaptarse al sensor digital. o Se usa mucho por los profesionales, fuera del estudio y en el retrato. 3. Cámara de Formato Pequeño: se desarrollo a partir de la película cinematográfica de 35mm. Aparece en 1914 cuando se producía mucho celuloide para el cine. Ancho útil de 24x36mm. El más usado a lo largo del s. XX, muy desarrollada y más barata. Primero aparece la cámara Leika. Se comienza a realizar cuando acaba la I Guerra Mundial, aunque el diseño estaba realizado en 1914. El diseño a perdurado y se mantiene hoy en día. Inconveniente: o Objetivo muy pequeño y al ampliar se pierde calidad. CAMARAS ESPECIALES: - Cámara instantánea (Polaroid): se diseño en 1941, pero es en 1947 cuando se patenta. La innovación es que se podía obtener en el momento, y además llevaba en su interior el papel, los tintes. Eran cámaras muy voluminosas. Inconvenientes: o Comienza a caer en desuso cuando aparece la digital. Esta cámara sigue teniendo atención. Sigue siendo muy utilizada para realizar estudios de luz, etc. - Cámara panorámica: aparece en los inicios de la fotografía, permite obtener un formato apaisado, dos o tres veces mayor al formato habitual, puede llegar a cubrir un ángulo de 160º. Clave: Objetivo móvil. Los rusos se han especializado en este tipo de cámara. Posee muchas aplicaciones, es usada por geógrafos, etc. En propaganda también. Posee cierta deformación curva. - Cámaras Estereoscópicas: para ver imágenes en tres dimensiones. Aparece en los años 40 del s. XIX, se basa en los conocimientos estereoscópicos de esa época. Que cada ojo capta una imagen ligeramente diferente del objeto. El cerebro es el encargado de fundir esas dos imágenes. Los inventores de esta época crean un sistema para ello, dos objetivos uno al lado del otro separados por la misma distancia que separan los ojos (65 – 70mm), cada objetivo capta una imagen y esa fotografía se ve a través de un visor especial, cada una con un ojo diferente, el cerebro se encarga de crear la sensación de profundidad. - Cámaras digitales, es la revolución de los últimos años. Sigue el mismo modelo lo que cambia es el modelo de registrar las imágenes, el soporte. Ahora se utiliza un sensor que está tapizado por celdillas que son receptores fotosensibles. CUANTO MAYOR SEA EL TAMAÑO DIGITAL – Nº TOTAL DE PIXELES. 3. Formato de Archivo: manera en que se guarda la imagen. Dependiendo el tipo de archivo necesitara mayor o menor memoria. Dos tipos: Sin compresión de datos: don formatos que guardan la información tal cual. Por ejemplo el formato RAW y también TIFF que comprime los datos (de luz y de color), pero no la elimina. Lo bueno es que las imágenes se pueden retocar una y otra vez sin perder los datos. Problema: ocupan una gran memoria. Son las usadas en el campo profesional. Con compresión de datos: reducen la información para ocupar menos memoria. El típico es el JPEG. Ventaja: ocupa poca memoria pero porque pierde mucha información cuando se guarda. Cada vez que se modifica se guarda, se va perdiendo mas información.
Tema 3: El Objetivo. Elementos que lo integran. Clases y funciones. La cámara fotográfica tiene dos funciones principales: 1. Formar la imagen nítida en el plano focal = enfocar. 2. Regular la luz que entra en la cámara. Configurando el sensor a través del diafragma y el obturador. El objetivo está destinado a la primera función, el objetivo es una estructura cilíndrica que incluye un conjunto de lentes, las cuales pueden ser negativas o positivas y la suma debe ser positiva. A. INFORMACION QUE OFRECE EN SU EXTERIOR: La parte frontal siempre aparece la marca, nº de fabricación, nº de serie, donde ha sido fabricado. Aparecen dos elementos fundamentales: 1. La distancia focal en mm que posee ese objetivo en particular. 2. Número F, es un número que indica la máxima luminosidad que entra en ese objetivo (la luz). Ej. 1,9 / 2,8. B. ELEMENTOS: Posee tres anillos (de abajo a arriba): 1. Escala de nºf no se mueve, cuando hay mucha luz no se necesita el nº f muy alto y viceversa. 2. Anillo central no se mueve, indica la profundidad de la cámara. 3. Aparecen dos escalas: distancia de enfoque distancia la que está el objeto respecto a la cámara. Si está a dos metros elegimos dos metros, etc. Dos escalas: pies y metros. Normalmente la escala se determina con… C. FUNCION DEL OBJETIVO: Enfocar formar una imagen nítida en el plano focal. El enfoque se puede definir como el movimiento de la lente para hacer coincidir el plano focal (donde está la película o sensor) con el plano en el que se forma la imagen. Siempre teniendo en cuenta la distancia a la que está el objeto. El plano donde se forma la imagen depende de: 1. La lente. Dependiendo del grosor, densidad, curvatura de la lente la imagen se forma más cerca o más lejos. Más cerca cuanto más ancha y mas curva. Cuanto más delgada, mas lejos se forma esa imagen. 2. Distancia del objeto a la lente: a mayor distancia del objeto más cerca de la lente se forma la imagen. TAMAÑO DE LA IMAGEN: depende exclusivamente de la distancia focal. A mayor distancia focal, imagen más grande y viceversa. SISTEMA DE ENFOQUE: - Visor de pantalla de enfoque, vemos lo que está captando la lente. P.ej. pantalla LCD. - Telemetro: mide la distancia a la que está el objeto, puede enfocar perfectamente a la distancia que esta el objeto. Imagen partida si está alineado está enfocado, sino no está enfocado. Sirve cuando hay mucha luz y no se ve bien. Doble Imagen puede ir en visor directo. Superpone dos imágenes, cuando esta una sobre otra, está enfocado. D. TIPOS DE OBJETIVO: Sus tipos surgen dependiendo de la distancia focal y del formato, el ángulo de visión del objetivo varia. De ahí surgen los tipos básicos (3): - Objetivo Normal. - Objetivo Gran Angular. - Teleobjetivo. 1. Objetivo Normal: Es el que tiene una distancia focal en milímetros igual a la diagonal del formato a cubrir.Al objetivo normal lo caracteriza: Angulo de visión: 45º - 50º, que es igual que la del ojo humano. Ofrece una imagen, igual a la del ojo humano, se asemeja mucho a lo que vemos. Es aquel que tiene una distancia focal menor que la diagonal del formato. VENTAJA: gran profundidad de campo. PROBLEMA: se produce una deformación de las figuras. Gran Angular Ojo de Pez: tiene hasta 180º, mucho mayor que nuestra visión. Lo que más llama la atención es la distorsión con el tamaño de las figuras, pero todo está perfectamente enfocado. UTILIDAD: Fotografiar espacios o cosas grandes en un lugar pequeño. Realizar fotografías paisajísticas, como una vista general, no un detalle. 3. Teleobjetivo: Es aquel que tiene una distancia focal mayor que la diagonal del formato que cubre. El ángulo de visión es menor de 45º muy pequeño. 4. Objetivos especiales: a. Zoom: Es un objetivo que tiene una distancia focal variable, podemos elegir la distancia focal sin cambiar de objetivo pero siempre dentro de una gama que tenga ese objetivo. En el frontal pueden aparecer unas cifras, p.ej. 50 – 100mm (todas las distancias focales que puede tener). *Normal 50mm Teleobjetivo 50 – 100mm E. CONVERSOR DE DISTANCIA FOCAL: No es un objetivo, es una lente que sirve para modificar la distancia focal, previa, es decir, se usa el conversor colocado entre el cuerpo de la cámara y el objetivo. Aumenta la distancia focal (multiplicadores, teleconversores). Normalmente el más extendido es el de dos. A medida que aumentamos la distancia focal, perdemos valor del diafragma (numero f).
Tema 4: La Exposición. Elementos físicos que intervienen en el control de la exposición: el obturador y el diafragma. EXPOSICION: intensidad o cantidad de luz tiempo de incidencia de la luz. - Intensidad: regulada por el diagrama. - Tiempo: Regulado por el obturador. OBTURADOR: mecanismo que abre y cierra el paso de la luz a la cámara. Cuando está cerrado el interior de la cámara esta oscuro, cuando está abierto la luz irrumpe en la cámara y se plasma en la película. Podemos elegir el tiempo de exposición o velocidad de obturación, para ello se utiliza una escala, los valores de esa escala son fragmentos de segundo y se organizan de mayor a menor a partir de un segundo. Los valores están basados en mitades. TIPOS DE OBTURADOR: 1. Obturador Central: Esta colocado dentro del objetivo, junto al diafragma. Suele tener el mismo aspecto que el diafragma, se trata de un círculo de metal que se abre desde el centro hacia fuera. Siempre hay un momento en el que la película está totalmente expuesta a la luz. Generalmente se usa en cámara compacta, o cámara compacta digitales con visor directo. VENTAJA: es ultrarrápido, silencioso y sin vibración, el problema es que es muy caro. 2. Obturador de Plano Focal o de Cortinilla: Va dentro de la cámara, delante del plano focal. La barrera no es circular sino un telón opaco formado por dos cortinillas, que puede ser de metal o de tela. Son enrollables, una a derecha y otra a izquierda. Se suele usar en cámara réflex de un solo objetivo. Cuando el obturador está cerrado, el de la derecha está desplegado sobre la película y el de la izquierda, enrollada. Cuando se hace el disparo se mueven las dos. Cuando está abierto la derecha se enrolla y la izquierda se extiende. El tiempo de exposición depende de la cortinilla. VENTAJA: muy rápido, más que el central. Es más barato, ya que va dentro de la cámara. PROBLEMA: mucha vibración y muy ruidoso.
Tema 5: Efectos derivados del uso del obturador: la instantánea, el movimiento. Efectos derivados del uso del diafragma: la profundidad de campo. 1. Efectos derivados del uso del obturador: El obturador influye en la captación del movimiento. Cuando una cámara oscura como fotográfica, capta un objeto en movimiento lo que toma en el plano focal lo coge en la imagen. Se toma: - Estático. - Borroso. Para captar el movimiento de forma nítida hay que tener en cuenta dos factores: A. La velocidad relativa del objeto a la cámara, también llamada velocidad angular. B. Tiempo de Exposición: es regulado por el obturador. A. LA VELOCIDAD RELATIVA O VELOCIDAD ANGULAR: Es la velocidad que lleva el objeto respecto al plano visual de la cámara. Esa velocidad relativa o angular depende de dos cosas:
- De la proximidad o lejanía del objeto frente a la cámara. Cuanto más cerca de la cámara se mueve el objeto mayor es la velocidad relativa (se ve más borrosa). - Angulo que traza el movimiento respecto a la cámara, el movimiento perpendicular a la cámara se produce la máxima velocidad relativa, por lo que es muy difícil captar la imagen nítida. Cuando el movimiento es frontal a la cámara se produce la mínima velocidad relativa, en ese caso la imagen se puede sacar nítida, solo se modifica el tamaño no el movimiento. B. TIEMPO DE EXPOSICION: Fundamental para captar una imagen nítida en movimiento. Cuando el tiempo es corto se puede captar la imagen nítida, pero cuando es un tiempo largo se ve borroso. Entre esos dos tipos hay muchas posibilidades para tomar la imagen. 2. Efectos derivados del uso del Diafragma (profundidad de campo): La regulación de la luz que entra en la cámara influirá en la profundidad de campo, cuando una cámara enfoca una escena lo que se está logrando es un solo plano con nitidez máxima. La profundidad de campo se ve afectada por: 1. El diafragma: usando el mismo objetivo, cuanto menor es la abertura del diafragma mayor es la profundidad de campo. 2. La distancia de enfoque (distancia a la que está el enfoque de la cámara): usando un mismo objetivo a menor distancia del objeto que enfocamos menor profundidad de campo.3. La distancia focal, es muy importante decidir qué tipo de objetivo se va a usar, cuanto más corta es la distancia focal mayor es la distancia de campo usando el mismo diafragma.
Tema 6: La Medida de la Luz: los fotómetros. NIVEL DE EXPOSICION (se obtiene con el obturador y el diafragma): se obtiene con el cálculo de la abertura del diafragma y la velocidad de obturación. - El nivel de exposición debe ajustarse a la sensibilidad de la película. El nivel de exposición se obtiene con: FOTOMETRO – EXPOSIMETRO: determina la luz y las combinaciones de diafragma y obturador adecuadas a esa luz y a la sensibilidad de la película o sensor. El fotómetro nos va a dar: VALORES DE EXPOSICION (V.E): series o familias de combinaciones de diafragma (cantidad de luz) y obturador (tiempo que entra la luz), que proporcionan el mismo nivel de exposición (o cantidad de luz total). FOTOMETRO – EXPOSIMETRO: Los antiguos se movían. Los actuales aparecen los números digitales. Desde finales del s. XIX aparecen como un aparato independiente a la cámara. En el s. XX se incorpora a la cámara. El problema de que este incorporado a la cámara solo capta la luz reflejada (objeto), no capta la luz incidente (sol). Llevan células fotosensibles que se activan a la luz con una aguja.
Tema 7: la película fotográfica. Los soportes: naturaleza y características.
1. SOPORTES: Se ha usado varios: a) Metal: podría ser de cobre, etc. Proporciona una imagen única positiva (tiene las luces en blanco y sombra en negro). Es opaca, será una imagen única positiva.. b) Papel: se obtenía en negativo sobre el papel del cual se extraía un positivo sobre papel. Novedad: se podían pasar muchas copias. El calotipo. c) Vidrio: permitía obtener un negativo (de vidrio) del que se obtenía un positivo sobre papel. Se usa a partir de la aplicación cinematográfica que se usaba mucho celuloide. 2. NATURALEZA Y CARACTERISTICAS: Las capas exteriores sirven de protección. Emulsión está compuesta por gelatina y sobre esa gelatina van suspendidas millones de
partículas de sales o haluros de plata. Solo hay un tipo de emulsión: en blanco y negro. Pero hay películas en blanco y negro y de color. La de blanco y negro tiene una sola emulsión sensible a todos los colores que registra la imagen en tonos grises. La de color tiene tres emulsiones que son sensibles a los tres colores primarios (rojo, verde y azul). PROCESO DE REGISTRO DE LA IMAGEN: La emulsión recibe los rayos de luz del objeto y los va a registrar con la intensidad que cada rayo tiene en origen.Cuando la luz llega a la emulsión se produce una reacción química, de manera que las sales de plata se modifican pero esa modificación no es visible es invisible. Para ver la imagen hay que revelar la imagen.. EXPOSICION DE LA IMAGEN:. Para que una exposición sea correcta tiene que moverse entre el mínimo y el máximo que imponga tanto el valor de la exposición como la sensibilidad de la película. SUBEXPOSICION: cuando la plata no se ennegrece lo suficiente. Cuando la exposición a la luz es insuficiente se ennegrece muy poco por lo que la imagen que se obtiene es muy clara, sin detalles. CARACTERISTICAS: La emulsión tiene unas características: 1. Sensibilidad: capacidad que tiene la emulsión para lograr una exposición correcta o un ennegrecimiento correcto de acuerdo con un determinado nivel de exposición o la velocidad con la que la imagen se registra. Tres tipos: a. Sensibilidad Alta: la que logra una densidad o ennegrecimiento optimo con un “nivel de exposición” bajo (r{pida) – poco tiempo y poca luz. SOBRE - EXPOSICION b. Sensibilidad Baja: la que logra una densidad o ennegrecimiento optimo con “nivel de exposición” alto (lenta) – mucha luz y mucho tiempo. SUB – EXPOSICION. c. Sensibilidad Media: entre las dos anteriores. - MEDIDA DE LA SENSIBILIDAD: Existen unas escalas, en verdad son dos (ASA, DIN), se ha intentado integrar en la escala ISO (hay que poner los dos términos de las dos escalas). La más extendida es el ASA (de origen americano, que se basa en una progresión aritmética).ASA: 12 – 25 – 50 – 100 – 200 – 400 – 800 – 1600 DIN (origen alemán, basada en una progresión logarítmica) aumenta tres unidades cada valor. DIN: 12º - 15º - 18º - 21º - 24º - 27º - 30º - 33º2. El Grano: el grano de la película depende del tamaño que tiene las sales de plata. Cuando la sal de plata se revela se forma cúmulos de plata y esos cúmulos son los que forman el grano, y esto es la base de la imagen. Si el grano es grande, la imagen será poco nítida muy granulosa donde no tiene figura en la imagen. Grano fino, imagen muy nítida, muy detallada.. 3. Contraste: en una imagen en blanco y negro el contraste es la mayor o menor diferencia de densidad entre los tonos extremos (son el blanco y el negro). En una imagen positiva, mucho contraste significa que hay densidades muy diferentes, esto significa que la imagen está compuesta por blancos o negros. Por el contrario poco contraste significa mínima diferencia entre los colores o múltiples tonos de grises.4. Latitud de Exposición: capacidad que tiene la emulsión sensible para trabajar con distintos valores de exposición (V.E). Cuanta más latitud tiene una película, mayor VE, puede trabajar y puede haber un margen de error. LOS FILTROS: Los filtros son unas l{minas que pueden ser de gelatina,… Lo que hacen es modificar las características del rayo de luz que pasa a la cámara. Todos los filtros absorben una cantidad de luz, por eso suelen llevar un factor. Hay varios tipos: - Filtro en blanco y negro: sirve para resaltar algunos tonos grises en blanco y negro. - Los filtros de color: lo que hacen es absorber la luz de un determinado color o tipo y modifica por tanto las características que llegan del rayo de la cámara.. - El filtro polarizador: un rayo de luz polarizado es un rayo, reflejado por una superficie brillante que ha perdido su condición ondulante.
Tema 8: El descubrimiento de la fotografía y los primeros procesos técnicos: El daguerrotipo, el caleotipo y otros. Aparece en una época en la que diversos factores confluyen en la que se siente la necesidad de representar la perspectiva. En un principio se utilizo la cámara oscura, pero solo ofrecía una imagen cuando estaba enfocando, y ellos querían conseguir una imagen permanente. A partir de aquí se dará los primeros pasos, y el primero será Thomas Wedgwood. ~ Thomas Wedgwood: Hijo de Josiah Wedgwood,. Su hijo Thomas y en 1802, logro registrar imágenes en placas emulsionadas con plata. Faltaba esa fijación de la imagen. ~ Joseph Nicéphore Niépce: Es profesor de ciencias, y junto a su hermano se dedica a la a la litografía, pero no sabía dibujar y lo que quiere es conseguir una imagen fija en la cámara oscura, fijar imágenes en piedra emulsionadas. Como no le va bien sustituye la piedra por papel y vidrio o metal, lo emulsiona con plata y consigue plagiar imágenes, pero son im{genes negativas El método para conseguir una imagen positiva entre 1916-1920, y lo consigue utilizando una técnica del grabado que es el betún de Judea. Se da cuenta que al aplicarlo sobre una placa de cobre obtiene una imagen positiva, única y fijada. ~ Louis-Jacques Mandé Daguerre: creo un sistema llamado diograma, que consistía en un decorado con lonas semitransparente y provocaba sensación de perspectiva, trampantojo). Y lo que quería era conseguir imágenes permanentes con la cámara oscura, como había logrado Niépce. A la muerte del hermano de Niépce quedo en un estado económico muy malo y se asocia con Daguerre, uno pone en funcionamiento del sistema y Daguerre promete mejorar la cámara, aparece como el inventor del procedimiento, hasta el punto de llamarlo daguerrotipo. En 1850, se recupera a Niépce, Daguerre ya no utilizará el betún de Judea por yoduro de plata, por lo que se obtiene una imagen latente, pero para revelar esa imagen se utiliza vapor de mercurio, y esto hace que la imagen se revele en positivo, El daguerrotipo era muy delicado pues se rallaba con facilidad, por lo que se cubría de un cristal. A partir de aquí, se difunde por todo el mundo y se comenzaron a fabricar cámaras daguerrotípicas y será Daguerre el primero que la fabrique asociado a Giroux. Eran cámaras muy grandes, pesados, y se necesitaba un trípode. El daguerrotipo se agrego al estudio del campo del retrato. En la época en la que aparece el daguerrotipo lo que estaba de moda en la nobleza europea era la miniatura. La burguesía será la mayor beneficiaria con el invento. El segundo estudio que se abre es el de Antoine Claudet (1851), era un personaje más culto que Beard, y descubre por su cuenta el efecto acelerador del vapor de bromo. Es el más famoso, se le atribuye el uso de decorados y también se dice que fue el primero en usar la luz roja a la hora de revelar las fotos. El otro gran género al que se va a dedicar el daguerrotipo será el paisaje, pues se dan cuenta de que hay más luz, está al aire libre y estaban quietos, por eso proliferaron numerosos puntos de vistas a los paisajes naturales y urbanos. Cuando se pública el daguerrotipo (1839) se realizan múltiples experimentos para fijar la imagen en la cámara oscura. Entre estos experimentos vamos a destacar dos: El primero es el que lleva a cabo Hippolyte Bayard (1801-1887). Consigue un procedimiento de imagen positiva directa sobre el papel. El 2º descubrimiento lo realiza Fox Talbot (1800-1877), patentará el sistema de positivo y negativo.. Finalmente el 17 de agosto de 1841, hace público el descubrimiento positivo-negativo, llamándolo caleotipo.Una vez que publica su nuevo procedimiento negativo-positivo, talgo montara su propio estudio con ayudantes. Siempre es más fino que el daguerrotipo, con cierto granulado mas aterciopelado y destaca las luces y las sombras, tiene un aire de grabado. A pesar de estas ventajas del caleotipo, el daguerrotipo siguió siendo el favorito a pesar de ser mas barato. ~ David Octavius Hill: No era fotógrafo, era pintor y litógrafo, pero va a usar la fotografía como apoyo de su pintura, concretamente a las fotografías de la ciudad de Edimburgo. Su obra más importante es un encargo de 1843, realizo un gran cuadro donde aparecieron los 474 miembros de la nueva iglesia de Escocia. Se le comparaba con Rembrandt, porque sus claroscuros eran muy resaltados. El propio David dice que la falta de detalle es lo que le da vida al cuadro. Mejoras del caleotipo : - 1847: Louis-Desiré Blanquart-Evrard = papel humedecido y entre cristales (exposición más corta). 1847: Niépce de Saint-Victor = método para obtener Negativos sobre cristal tratado con albúmina (clara de huevo). Así mismo utiliza papel albuminado para el positivo (copias positivas de mayor finura). - 1851: Gustave Le Gray = papel encerado seco (el método se simplifica, flexibilidad en el tiempo para el uso del papel preparado).en vez de encerar el papel negativo después de obtenerlo se encera antes, con lo cual se vuelve transparente y rígido. ~ Charles Négre: Era pintor y tomaba fotografía para plasmarlo después en sus cuadros. El caleotipo multiplica los viajes de carácter arqueológico y se publica directamente pegada en el papel.
Tema 9: Influencia de los aspectos técnicos en la creación estética fotográfica: La época del colodión húmedo : En marzo de 1851, se da a conocer una nueva técnica que será revolucionaria, la técnica del colodión húmedo, que abarca desde los años 1851- 1880/90, será sus años reinantes. Es una emulsión de algodón-polvo, es piroximina o celulosa de algodón mezclada con nitroglicerina. El colodión debía de mantenerse húmedo durante la exposición, operación rápida y obliga al fotógrafo el ir acompañado de su laboratorio. Los tiempos de exposición se acortan, cuando hay mucha luz la exposición puede durar entre dos y 20 segundo. El colodión húmedo tuvo algunas variantes técnicas, una de ellas es la técnica del ambrotipo. Surge cuando se dieron cuenta los fotógrafos de lo que pasaba cuando el colodión subexpone. El resultado es un positivo único en vidrio. Ferrotipos: Tiene más éxito en EEUU, es una placa de hojalata que previamente se ha pintado de negro o marrón oscuro, se sensibiliza con poca cantidad de colodión y se subexpone, revelándose como un negativo pero se ve como un positivo, En la década de los 50 del siglo XIX hay una mejora en las lentes y en 1854 aparece el objetivo gran angular, los objetivos están constituidos por unas lentes y se pueden cambiar por otro. En la época de los años 50, se empiezan a utilizar cámaras con formatos de bastante tamaño y se difunde la cámara estereoscópica, empezando a intentar reproducir las profundidades. La principal función del colodión húmedo es el retrato, Henry Peach Robinson: Era un pintor prerrafaelita, y más adelante se hará fotógrafo. Sus fotografías no son realistas, sino que trabaja la composición con las fotografías, creando escenas procedentes de la imaginación. ~ André-Adolphe Disdéri: Evoluciona el retrato comercial, que se llama “ La carta de visita o visitación ”, de 9x6 cm, que al ser muy barato se impondrá prácticamente por todo el mundo. En los años 50, introduce una cámara especial con sujeción de 4 objetivos en París. Para hacer los retratos, usaba una placa de formato 21x26 cm. Al ser cada objetivo distinto se podían hacer distintas poses, Son retratos pequeños, no son psicológicos, les interesa ofrecer un modelo determinado. Los reportajes de guerra: Siempre se considero la fotografía como un medio grafico para dejar testimonio de un hecho o acontecimiento. Con el daguerrotipo daba a conocer los acontecimientos mediante grabados, En la época del daguerrotipo se hicieron fotografías documentales pero no con la intención de publicarlos. Son imágenes estáticas. ~ Mathew B. Brady: A parte de esta guerra, existe la guerra de secesión americana, fue una guerra muy fotografiada sobre todo por el bando del norte, duro unos 5 años. Fue la más fotografiada sin ningún tipo de censura. El colodión húmedo también servirá para otra cosa, como son las tomas aéreas, fotografías tomadas en el aire, las primeras fotografías las lleva a cabo Nadar, montado en su globo, concretamente en 1856. La linterna de proyección se empezó a usar a partir de 1860, para ampliar los negativos y sacar positivos más grande. En los años 70, hay un nuevo avance tecnológico, la luz eléctrica se usa en los interiores de las casas y se utilizaran la ampliadora con mayor frecuencia. La consideración de la fotografía en este momento: En los años 50 empiezan a aparecer publicaciones y asociaciones que intentan promocionar la fotografía, en Francia, la 1º que aparece fue en 1851, la Lumière, fabricada por la asociación heliográfica de Francia. A mediados del siglo XIX, cambia el mercado del arte, hasta este momento los que tienen obras de artes los privilegiados (reyes, nobleza y clero) y los artistas se mueven por encargo, mientras que el artista en el siglo XIX ya no se mueve por encargo el artista busca al cliente por medio de salones de exposiciones y se intenta que la fotografía entre en esos salones.
crímenes, etc. Fotoperiodismo: La fotografía como instrumento informativo único y eficaz (registro objetivo). Incorporación lenta a los periódicos (1880: apareció la primera fotografía reproducida por medio fotomecánico. El problema era que pasar la foto a papel era muy caro. 1904: El diario Daily Mirror de Londres, primer diario ilustrado totalmente con fotografías). Mediados de los años 20: aparece el reportaje gráfico moderno en Alemania gracias al uso de cámaras de formato medio y al uso de las películas rápidas.. ~ Félix H. Man (F. Hans Baumann): Se formó con Salomón, y trabajaba para la Agencia DEPHOT donde conoció a Stefan Lorant que pasa por ser el creador del reportaje gráfico moderno, que es quien ideó el introducir fotografías en el texto que cuentan a su vez la historia y fue el primer fotógrafo que llevo a la práctica ese concepto de reportaje. Sus fotografías están dedicadas a la gente de la vida cotidiana, ~ Alfred Eisenstaedt: En el año de 1933 Hitler ya está en el poder y controlaba la prensa. El reportaje que más fama le da es el reportaje que hizo en Abisinia con más de 3.000 fotografías de la guerra entre italianos y etíopes. Son fotografías totalmente directas, cámara en mano, sin trípode, y trata de expresar lo que ocurre con una imagen. Tras huir de Alemania se refugió en EE.UU. donde será uno de los más importantes introductores del fotoperiodismo alemán en el país. en esta revista. ~ David Seymour, “Chim”: Se hizo famoso por el tratamiento que hizo de la infancia durante la guerra. En EEUU, la fotografía estará afiliada a una asociación llamada FSA (Farm Security Administration) se creó después de la gran depresión para estudiar la situación del campesinado, y fue creada por Roosevelt, después se utilizaría la fotografía como documento objetivo de la situación real, al margen del fotoperiodistas europeos. Muestra imágenes objetivas, mostrando la pobreza de los campesinos estadounidenses, de las gentes, tiendas, casas, etc. muestra un mundo desvencijado, las casas son muy pobres, y sobre todo se muestra el grado de pobreza en un momento en el que EEUU, comienza a emerger como potencia.. ~ Margaret Bourke-White: Trabajo para la revista Life, hace un trabajo más personal y agresivo que se hace para la FSA. A veces son verdaderas metáforas reflejando la realidad. También documenta a partir de 1945, la liberación de las personas de los campos de concentración nazi, es hiriente y radical, con el objetivo de impactar con la imagen al espectador y de advertir lo que somos capaces de hacer.
Tema 12: La fotografía tras la II Guerra Mundial: Después de la II GM es en la época de gran desarrollo de EEUU, pues era un país que no había vivido la guerra en su propio territorio, y Europa destruida demandaba productos norteamericanos, la publicidad de productos se desarrolla a gran escala, ayudando al desarrollo de la fotografía publicitaria y a las revistas ilustradas, tras décadas de luchas, la fotografía comienza a considerarse un arte y medio de expresión. A parte de los géneros profesionales, también tenemos el género del retrato. El retrato va a recibir tratamientos muy dispares. Fotografía documental: Hay que tener en cuenta que EEUU, se convierte en el centro mundial de referencia de este tipo de fotografía. Las fotografías documentales se van a publicar o en grandes revistas (Picture Post, o Stern) o en álbumes o en libros, sobre todo los fotógrafos LIFE. Habrá dos tipos de fotógrafo: - De tipo fotógrafo empleado, que sería encargado por la propia empresa. - O el fotógrafo libre o “free – lance”, que es el que trabajara por su cuenta. A partir de los años 50’ habr{ dos tendencias diferentes: una fotografía tradicional y a partir de los años 50’ aparece la fotografía documental subjetiva o de enfoque personal o de calle. Fotografía de tipo tradicional: Usa un lenguaje muy claro, se identifica rápidamente. Ese tipo de fotografía está al servicio para fomentar ideas compartidas por todo el mundo: la paz, fraternidad, la solidaridad,… ~ Werner Bischof: Origen suizo, trabaja de manera independiente para la revista LIFE, pertenece a la agencia Magnum. Fotografió la Europa desbastada por la II Guerra Mundial, Corea, Indonesia, Japón,. A pesar de que algunas veces lo que registra son temas dramáticos, sin embargo la fotografía que realiza es una visión utópica y muy lirica, representa el espíritu humanista tras la guerra. ~ William Eugène Smith: Fue por ejemplo corresponsal de guerra en la II Guerra Mundial. Lo que le caracteriza a sus trabajos es el tono, en ocasiones político y antropológico que adquieren sus trabajos. El reportaje más famoso se llamaba, 1950, en un pueblo de Extremadura “ Spanish Village”, se publico en la revista LIFE ~ Gordon Parks: Trabaja en los EEUU, y trabaja mucho en la revista LIFE y en la Farm. Denuncia las injusticias de la vida americana de los años 50’, donde no había igualdad entre la población blanca y la negra. La fotografía más famosa. American Gothic. Lo realizo el mismo, porque no le sirvieron en un restaurante ese mismo día. Aparece con la bandera de EEUU detrás y los utensilios de limpieza. Lo que denuncia es que la población negra tenía siempre los peores trabajos porque no tenían acceso a la educación.. ~ Robert Frank : Uno de los primeros que práctica ese subjetivismo. De origen suizo. The Americans, su obra más importante que se publico en 1958 en forma de libro. Este libro fue resultado de una beca que consiguió para viajar por los EEUU. Representa una imagen de América muy diferente al de las agencias de viajes. ~. ~ Richard Avedon: Se dedica exclusivamente al retrato de la gente famosa, que hará de forma muy fría, con retratos provocados, en los que el fotógrafo manipula al modelo, y en los que coloca un telón blanco tras el modelo para que resalte aun más la gesticulación de los retratados, con un gran contraste entre blanco y negro, con una visión frontal y una sobriedad absoluta. Busca la mayor expresividad de los personajes. La fotografía después de la II Guerra Mundial, la fotografía artística: Tras la guerra mundial surgirán nuevas propuestas artísticas que en muchos casos estarán relacionadas con otras artes sobre todo con la pintura y el cine. La primera corriente destacable es la fotografía abstracta. ~ Aaron Siskind : Es el fotógrafo abstracto más importante. Desde finales de los 40 empieza a fotografiar imágenes abstractas y muy influido por los pintores del expresionismo abstracto norteamericano. Usa sobre todo el primer plano, que lo combina con el contraste, la iluminación frontal o lateral, y l punto de vista o perspectiva. Saca primeros planos de restos de carteles pegados a las paredes, pintura desconchada, piedras, metales corroídos, etc.;.. ~ Pierrer Cordier: A veces se hacen con manipulación de laboratorios, como los de este fotógrafo belga, que llamamos “quimiogramas” que son im{genes de tipo geométrico y que se consiguen revelando negativos que han sido expuestos a la luz pero que se revelan con pantallas o con tramas que protegen algunas partes del baño químico. Esas partes protegidas quedaran en blanco, y dependiendo del entramado de la placa así quedará la fotografía. Si la placa solo se coloca durante un tiempo determinado las zonas se reproducirán con un gris claro y no negro del todo. Fotografía subjetiva El fotógrafo no reproduce la realidad tal como es, sino como la ve en su imaginación, a partir de su vivencia personal de esa realidad, de la emoción que le produce. El método a seguir es: elección del objeto y su aislamiento de la naturaleza, encuadre y perspectiva, reproducción foto-óptica, traducción del cromatismo real a los tonos en blanco y negro y aislamiento del tema respecto al devenir cronológico, mediante la exposición fotográfica. s. ~ Josef Sudek: Es un personaje solitario que se dedico a fotografiar todos los aspectos de la ciudad de Praga, tanto calles, como transeúnte, como monumentos y jardines, es decir, distintos aspectos de la ciudad de Praga que iba fotografiando con una estética que se distingue sobre todo por la imagen difuminada. Empieza con una fotografía pictorialista. Trabaja con una cámara de cajón sobre trípode, y se niega a la ampliación para conseguir una mayor calidad, positivando siempre por contacto.. Capta especialmente la luz cambiante. Igualmente le interesa la refracción de la luz empleando vidrio poligonal que le permite repetir el objeto. Se le incluye en la fotografía subjetiva, porque en realidad hay un momento determinado en el cual no fotografía tal cual son, si no que empleará técnicas de laboratorio para modificar las fotografías de sus bodegones de tal manera que en ese intento por captar la luz y sus efectos, Sudek manipula la imagen para conseguir la imagen deseada. A veces solariza las sombras, las deja en negativo. ~ Robert Häusser : Se habla también de una corriente denominada “Realismo m{gico”. A pesar de que no hay manipulación, el tema elegido y el punto de vista sobre todo, son los elementos que dotan de irrealidad a la imagen. Ejemplo: Boaz Boris Karmes: pantalón colgado que con sus pliegues asemeja un rostro. Arte Pop En los años 50 y 60 aparecerá el arte pop, como reacción frente al arte abstracto. En el prima el realismo más que la figuración y buscará nuevos lenguajes artísticos que exprese el mundo contemporáneo. Intentarán unir el arte y la vida, por eso la sociedad de consumo pasa a convertirse en un tema artístico. Se emplearán diferentes técnicas. Usarán también objetos reales para realizar las obras de arte. La fotografía será muy favorecida dentro del arte pop por el gran uso que se le da, debido a que la fotografía permite llevar a la obra de arte la realidad, es decir, se considera que al incorporarse a la obra de arte, la realidad se une aun más a la obra de arte. En otras ocasiones se usa la fotografía como una realidad alternativa. Se usará como elemento auxiliar o bien como base del arte pop. ~ Richard Hamilton : El arte pop empieza en Inglaterra en el instituto de arte contemporáneo, donde se realizarán exposiciones en los años 50 donde surge el nuevo estilo. En esas exposiciones destacó la obra titulada “¿Qué es lo que hace a los hombres de hoy tan diferentes, tan atractivos? (1956), un collage fotográfico, en la que usa imágenes ajenas, que no son suyas. Compone el cuadro con temas de la realidad a través de la fotografía. El cuadro es figurativo pero no hay sensación d profundidad. En los años 60 Hamilton sigue trabajando con fotografías, el artista ya no hace nada, reutiliza fotografías ajenas, que coloca en el cuadro según como lo desee. ~ Andy Warhol : Su obra se basa muchísimo en la fotografía, mostrándose como un artista conceptual, jugando con la fotografía para expresar el mundo moderno a través de ello, pues el mundo moderno está formado por productos en serie, y la fotografía se puede reproducir miles de veces, es como un producto seriado más. Siempre pinta con colores planos y estridentes. De esa manera, pierde profundidad la fotografía, es una imagen plana, y además pinta la fotografía con la serigrafía que es una técnica oriental, que consiste en pasar la tinta de color a través de la tela mediante presión, para que quede fijada en un soporte. Las fotografías más conocidas de Warhol, son las serigrafiadas, las fotografías ajenas las serigrafías y las expone. La idea de la fotografía en serie son muy importantes, pues pueden ser representados y al representarlos en serie se demuestra que es un objeto de consumo. ~ Lee Friedlander : Muchas de sus fotografías son de este tipo pero también esta considerado en la línea de documentalista subjetivo. Fotografías callejeras, y se destaca la habilidad de riqueza de información. La fotografía pop en muchas ocasiones recurre al fotomontaje. Arte conceptual : Lo que pretende es cuestionar o criticar todos los valores, las funciones y los conceptos que tradicionalmente se asignaban al arte y al artista. Muchas de sus ideas las tomaran de las vanguardias históricas, la principal idea que ellos critican es que la obra de arte tiene que ser material y tangible, planteándolo como una idea mas que como una materialización plástica. Surgen dos vías, la primera, es proponer la realidad como materia artística, es decir, convertir la realidad en algo, que es donde aparece los famosos happening, el arte de acción que se plantea en la realidad en forma de suceso, situación, etc.; en las que el espectador participa. También está el body-art que es la modificación del cuerpo. La obra que se impone en el arte conceptual es la de proponer el arte como una reflexión en torno a su propio lenguaje. Esta corriente se denomina “art and languaje”. Precisamente la fotografía es un método idóneo para comentar la función de la imagen y así ver el grado de comunicación de la obra de arte. ~ Hilla y Bernd Becher: En Alemania se desarrolla desde 1959, presentada por Hilla y Bernd Becher, una serie de fotografías de arquitectura domesticas e industriales buscando tipologías generales entendiéndolas como esculturas anónimas. Fotografían altos hornos, almacenes, casas, cisternas, etc. Se desarrolla con el tiempo a lo largo de los años. Este proyecto tiene sus antecedentes en Alemania. Es muy característico que sus fotografías siempre presentadas en serie, formando grupos. La idea que se persigue es que todas las fotografías se realiza en las mismas condiciones, es decir, en blanco y negro, con idéntica perspectiva, generalmente frontal;
Tema 13: La fotografía en el último cuarto del Siglo XX. A partir de los años 60 se producen importantes cambios en el ámbito de la fotografía. Desde el punto de vista técnico, se perfecciona la fotografía el color, implantándose el sistema sustractivo para reproducir en color la fotografía en película y demás la impresión en color en los años 80 se mejorará con el uso del laser. A partir de los 70 la fotografía en color empieza cada vez más a interesar a fotógrafos de tipo documental como fotógrafos artísticos. El desarrollo de las cámaras es vertiginoso, la mejor siguen siendo las Réflex, aunque hay muchos más modelos. Aparece la Polaroid en color, un tipo de fotografía que se empleará mucho en fotografía en color, que se usará como una especie de apunte fotográfico para comprobar encuadre, luz, etc.; a mediados de los 80 se crea el censor digital de las cámaras siendo creado por la casa Kodak. ~ Marc Riboud: El francés trabajaba como independiente que fue el único de la época que pudo llegar a Vietnam del Norte y entrevistar al máximo dirigente de las tropas. Su fotografía de “La chica de la flor” del año 1968, se emplea como modelo de los movimientos pacifistas. La chica se enfrenta con la flor en la mano a las bayonetas de la guardia nacional de Washington que estaba formada por militantes muy jóvenes.. ~ Donnald McCullin : Estuvo en diversos conflictos bélicos. Tiene fama porque ofrece imágenes muy directas en situaciones muy difíciles, que expresan de forma muy notable lo que está ocurriendo. Acabo retirándose afectado por este tipo de trabajo que reflejaba la guerra de una manera tan directa. Se dedica a la fotografía de paisaje. Después de Vietnam la censura fue impuesta en los conflictos posteriores por los propios gobiernos, porque el periodista informa e influye en la gente con la verdad, y eso no interesa a los gobiernos que promueven la guerra y que necesitan la propaganda. Así el fotógrafo tiene que buscar la manera de mostrarla a través de una manera indirecta. La Fotografía Social Entra en un período de decadencia desde los años 70 según algunos autores, debido a la aparición de la televisión y a la fotografía digital que se puede manipular fácilmente,. Tras el documentalismo subjetivo, desde la década de los 70 se vuelva a valores tradicionales, a una fotografía de corte humanista. Desde fines de los 60, los documentalistas empiezan a utilizar el color. ~ William Eggleston : El padre de la fotografía en color es William Eggleston. Tras una exposición de sus fotografías en Nueva York, es cuando la fotografía en color se empieza a entender como algo artístico, y no solo como algo comercial. Sigue la estela de los documentalistas subjetivos de los años 60. Es como una fotografía casual. Son fotografías difíciles de interpretar, porque a pesar de que muestra temas reconocibles, busca determinadas formas o combinaciones de colores que para nosotros quizás pasarían desapercibidas. Nobuyoshi Araki : Entiende sus fotografías como un diario visual, son como un apunte de las cosas que le pasan en el día a día que el va viviendo y de esa manera comienza su carrera fotográfica en 1971, con el reportaje del viaje de su propia boda. Tienen un fuerte carácter erótico, que posteriormente lo extenderá a otros ámbitos. Trabaja mucho con imágenes recreadas, apareciendo chicas atadas con cuerdas o cadenas. Sus imágenes se muestran o solitarias o en serie, acompañadas de textos que constituyen un diario. ~ Larry Clark : Va a documentar su vida intima y la de su amigos entre 1969 y 1971. Durante esos años fotografía todo tipo de situaciones que vive con sus amigos de manera casi obsesiva, reflejando la juventud de esa época. Además son fotografías que reflejan hechos en los que el propio fotógrafo está implicado. Se dedica a analizar en su obra temas constantes como por ejemplo los de la adolescencia y la juventud, como se construye la identidad, de las familias desestructuradas, y siempre aparece en su fotografía y cine la violencia. Los modelos casi nunca miran a la cámara, pues actúan con naturalidad ante la cámara porque los retrata su propio amigo que participa también en los hechos. ~ Nan Goldin: Es una fotografía norteamericana que ha desarrollado el Relato de la experiencia al máximo, desarrollándolo durante toda su vida. Su obra se puede calificar de autorretrato en el tiempo. El origen de sus trabajos está en Boston, son estudiantes de Historia del Arte y deciden fotografiar su vida intima.”. En los años 90 se instala en Nueva York, reflejando el tema del transexualismo, del sida, la perdida de los amigos, los roles, la ambigüedad, etc. Todo ese tipo de fotografías que hablan de su vida cotidiana o diaria se publicó en una obra llamada “I´ll be your mirror”.
TEMA1:Iconorafía e iconología. Iconografía es la descripción de las imágenes. Iconología es la ciencia de las imágenes. Nos ayuda a identificar el tema y también a localizar y datar su ejecución.* Las hilanderas de Velázquez 1670. En el cuadro podemos apreciar la fabula de Aracne. Nos cuenta que era una princesa de Lidia y destacaba por saber tejer muy bien y decía saber incluso más que las propias diosas, lo q desato la furia de Pallas Atenea, q se presento ante ella amonestándola. Aracne paso y la desafío a ver quien hacia un tapiz más bello. Aracne tejió el rapto de Europa y Atenea tejió tapices que personificaban a ls dioses olímpicos. Atenea rompe el tapiz de Aracne y la va a golpear con su lanza Aracne se arrepiente y va a suicidarse ahorcándose pero atenea lo impide y la convierte n araña como castigo eterno por su falta de humildad. Velázquez en el cuadro quiere reflejar una habitación iluminada e la que podemos ver a atenea vestida con su armadura y casco, en vez de tener lanza está acusando con el dedo índice a Aracne por su soberbia. El motivo del tapiz es el rapto de Europa. El primer plano esta mucho mas oscurecido. En el `primero se encuentra unas sirvientas de Aracne tejiendo para ella. El chelo es un instrumento y en la antigüedad se utilizaba cierta música para curar ciertas picaduras de araña. Otro elemento q vemos es la escalera, los seres humanos partimos de la ignorancia y cada peldaño q subimos alcanzamos mas conocimiento.Monasterio de Guadalupe ( Cáceres). Nuestra señora de Guadalupe en su talla original primitiva, fue labrada en madera de cedro, por artistas desconocido, a finales del s12. Perteneciente al grupo de vírgenes negras de la Europa occidental. Mide 59 c y pesa 4 kg y su rostro es más negro que moreno. Viste túnica de color verde oliva, con vueltas en rojo bermellón, puños de la manga dorados y manta de color ocre. Como decoración de sus vestiduras, cuatro flores tetralobuladas, dos en el derecho y una debajo de su mano derecha, símbolo de su triple virginidad, y la ultima en la parte inferior la otra. El niño sedente del mismo estilo, mide 23 c y 200g. la mano derecha del niño es de plata, labrada en el s16 en sustitución de la primitiva y está en actitud de bendecir.Iglesia del monasterio de Guadalupe. Es de planta de cajón, como corresponde al barroco español.las plantas serán de cajón y van a producir mucha emotividad por medio de sus decoraciones, sobre todo pictóricas que van a llenar las paredes de la iglesia, por el horror vacui, buscando la emoción del fiel a través del color. La sacristía de planta de cajón, está decorada con cuadros realizados por Zurbarán, 8, que corresponden a 8 varones. Este monasterio fue construido bajo el mandato de tres padres. Fray diego de Montalvo quien realizo la traza de la planta el 5 de agosto de 1638. El segundo fue fray Martin y el tercero fray Ambrosio de castellar quien consagra en 1647. De todos los programas iconográficos el de Guadalupe es el que se conserva intacto.Cuadro 1. Fray Fernando yanez de Figueroa ante enrique 3. 1639. El padre yanez es retratado en el momento en que rechaza el bonete de arzobispo de la iglesia primada de España. El padre quería marcharse al monasterio de la lupiana, al no ser elegido como prior va a Toledo a ver al rey que le nombra arzobispo de Toledo, al cual el renuncia. Es la humildad, el primer principio de los frailes jerónimos.Cuadro2. Fray Juan de Carrión se despide de sus compañeros. 1639. A punto de morir se despide de sus hermanos. Él era el ayudante del padre Yánez y cuando este muere, se le aparece y le pide que se digan por él un determinado número de misas para poder entrar al cielo, Juan cumplió el mandato. Es la obediencia.Cuadro 3. La misa milagrosa de fray pedro de cabañuelas 1638. La misa milagrosa del padre cabañuelas, que era maestro de novicios y en e instante de la consagración se le apareció el demonio diciéndole que era mentira el milagro de la transubstanciación. Entonces la sagrada hostia se elevo y comenzó a sangrar, llenando el caliz. El símbolo es la confesión general que debían practicar los novicios ante cualquier duda que se les presentase como lo hizo cabañuelas.Cuadro 4. Fray Gonzalo de Illescas. Fue obispo de cordoba. Se le representa como un hombre docto sentado en un sillón frailero, con una pluma en la mano, frente a una mesa con libros y atributos relacionados a la brevedad de la vida. Esta vestido con el habito de un obispo. Aparece una calavera y un reloj de arena en alusión a la vanidad de las cosas terrenales. El libro con la manzana alude a la tentación de poner el conocimiento por encima de la fe. Se quiere representar la clausura en la cela.Cuadro 5. Visión de Fray Pedro de salamanca. El fraile era mudo y en una ocasión hablo, para anunciar la derrota de las tropas españolas ante las portuguesas. Es la premonición que tuvo al ver como los cielos enrojecían y se representa el silencio.Cuadro 6. La aparición de Cristo a fray Andrés salmerón. Es el gran modelo de pintura barroca. Con este cuadro se representa la compostura de los sentidos.Cuadro7. La tentación de fray diego de orgaz. Fray diego tiene un sueño en el que está luchando contra dos leones y un súcubo. Fray diego, solo con un palo, se enfrenta porque reza a la virgen de Guadalupe y vence. Es la guerra a la carne. *Cuadro 8. Caridad de fray Martin Vizcaya. Reparte pan a los pobres y a los peregrinos que acuden a venerar a la virgen de Guadalupe se representa la caridad.
TEMA2. EL LENGUAJE ICONOGRAFICO: EMBLEMAS, EMPRESAS O DIVISAS Y JEROGLIFICOS .1.emblemas. el emblema aparece por primera vez en las cortes minoritarias de Italia, en el s15, durante el renacimiento. El significado se extenderá por toda Europa. El emblema podrá ser captado por toda la sociedad. 2 empresas o divisas. Se distingue del emblema en que la divisa es minoritaria, solo es conocida por un reducido grupo de iniciados. No puede ser reconocido por toda la sociedad. Solo quienes tengan un conocimiento previo sobre un determinado tema sabrá que significa.3.jeroglifico emblemas. El jeroglífico emblema va unido al mundo de la pintura, tiene una moralidad y presenta un texto en el cuadro. Quevedo los llamaba cuadros de desengañoalegoría de la muerte. Hospital de la santa caridad. Sevilla. Es una de las dos obras que juan de valdes leal pinto por encargo de don miguel de mañara para la decoración de la iglesia del hospital. Se representa un esqueleto apagando un cirio. El cirio es la vida y el esqueleto la muerte. Aparece representada con la guadaña y el ataúd debajo del brazo. Nadie se salva de la muerte. Todas pasaran por el tribunal de dios. alegoría de finis gloriae mundi. Hospital de la santa caridad. Sevilla. Es la otra obra de Valdés leal. Situado frente al primero a los pies de la iglesia. En la parte superior del cuadro una mano que sostiene una balanza. Es la mano de Cristo, que presenta el estigma del clavo de la crucifixión. En la parte inferior el cadáver de un obispo, revestido de pontifical. En el fiel de la balanza un letrero con la frase ni más ni menos. Es la representación del juicio final.retrato de nicolas de omazur de murillo. Se representa al personaje con una calavera en la mano, símbolo de la resurrección. Encargo a murillo una serie de cuadros profanos. La calavera aparece con un sentido de resurrección.4jeroglifico empresa. Se trata de un tipo de cultura teatral, que consiste en la exteorizacion, que vendrá marcada por una arquitectura efímera. Es una arquitectura totalmente decorada, serán materiales que no duran solo el tiempo de la conmemoración.Tumulo por la muerte de Felipe II. En Sevilla, con motivo de la muerte de Felipe II, se levanto el mayor jeroglífico-empresa. Se trata de un túmulo funerario mandado a construir para las pompas fúnebres del monarca por orden del cabildo.*grabado del túmulo a Felipe II. Fue considerado por los sevillanos como la octava maravilla del mundo, no sirvió para nada pq las honras por el monarca fallecido no llegaron a realizarse. *túmulo a Joselito el gallo. Con la muerte se hizo un túmulo en la iglesia de san julian y otro en san gil en 1920. A la virgen macarena se la vistió de negro en señal de cuto y todo esto es un jeroglífico empresa.
TEMA3. LAS FUENTES LITERARIAS: LOS EVANGELIOS APOCRIFOS. LAS ACTAS DE LOS MARTIRES Y LOS TRATADISTAS SACROS .- APOCRIFOS DE LA NATIVIDAD.Protoevangelio de Santiago. Fue escrito entre los s2/3, recopilándose en el s4. Capitulo 1 al 16 nacimiento y matrimonio de la virgen. Del 17 al 21 nacimiento de Jesús y prodigios que le acompañaron. Capitulo 21 al 25 la leyenda de Zacarías.Pseudo Mateo. Gran popularidad. Se escribe en el s6 se presenta como traducido al latín por san jerónimo de un original hebreo de san mateo. San jerónimo padre de la iglesia latina, siguiendo las instrucciones del papa san Dámaso, tradujo al latín la biblia.- APROCRIFOS DE LA INFANCIA. evangelios del pseudo tomas. Consta de 19 capítulos se narran los milagros.historia de san José carpintero. Entre 4/5 narra la muerte y funerales de san José. Nombrado patrón de las cofradías de la buena muerte.-APOCRIFOS MARIANOS.Apocalipsis o visión de la virgen. Es la revelación hecha por la virgen al apóstol san juan. La virgen oraba en el Gólgota y es arrebatada a los cielos y desde allí ve las penas de los condenados en el infierno. Los viernes desde la hora sexta hasta el lunes a la hora de maitines, se reduce la temperatura del fuego del infierno.Apocalipsis de la madre de dios. Cuenta la revelación hecha por el arcángel san Gabriel a la virgen maría sobre el sufrimiento de los condenados, por lo q en pentecostés también se reduce el fuego del infierno.* las actas de los mártires. Mártir es sinónimo de testigo y mártir cristiano es aquel testigo que entrega la vida por Cristo. Son los procesos judiciales que se llevan a cabo contra los testigos cristianos.san esteban. De juan de juanes. Murió dilapidado. La lapidación era la pena capital entre los judíos. La representa el momento que se la va dar muerte fuera de la ciudad. Y los vestido los pusieron los testigos a los pies de un joven llamado saulo. Esto se representa en el segundo plano, donde aparece un castillo medieval.Martirio de san Juan ante porta latina. Fue condenado por el emperador. Domiciano a morir introducido en una caldera de aceite hirviendo. Ocurrió un milagro mediante el cual el aceite se transformo en agua de rosas. En la diapositiva el artista podía mostrar el desnudo masculino. San Juan dentro de un caldero, mostrando el torso desnudo.Martirio de San Quintin. Aparece el santo amarrado a un potro de tormento y atravesado por grandes clavos. Este santo escapo de la cárcel y siguió prediciendo el cristianismo, por lo q fue condenado a ser azotado y cocido en aceite hirviendo.los tratadistas sacros. Las vidas de los santos fueron recogidas por pedro de rivadeneira. Croiset recogió las fiestas litúrgicas del santoral en su año cristiano. Francisco pacheco escribió el tratado arte de la pintura. En su apartado final tiene adiciones para explicar cómo se deben pintar las imágenes sagradas.
TEMA4.CRISTO EN EL EVANGELIO EL BUEN PASTOR. Se denomina catacumba a toda depresión en el terreno en forma de hipogea, sirvieron de enterramiento. A los mártires se les enterraban en un lugar destacado. Y el resto de la comunidad quería ser enterrada cerca del mártir. La iglesia era partidaria de la inhumación. Después de las catacumbas aparecen las criptas que pueden tener varias plantas.pinturas de las catacumbas. La pintura era hasta el año 270 será bíblica, AT. Los del NT aparecerá entre el 270 y 300. En el 310 aparece el tema del buen pastor y después aparecerá nuestra concepción de Cristo barbado con unos 35 años.sansón y los filisteos. El paso del mar rojo.resurrección de lázaro.bautismo de Cristoel buen pastor.LA JERUSALEN CELESTE.el buen pastor. De Bartolomé esteban murillo. Al producirse la epidemia de peste en el 1649, la población da la espalda a dios. Es entonces cuando la iglesia encarga a murillo imágenes que devuelvan la confianza de los fieles.
TEMA5.LA PASION DE CRISTO:EL CRUCIFICADO. El crucificado es la única imagen imprescindible en la iglesia para poder celebrar el sacrificio de la misa. Los instrumentos de la pasión, la cruz plana o rugosa, 3 o 4 clavos, el sudario, la corona de espinas. En el románico y el renacimiento son simbolistas y teológicos, momentos naturalistas como el gótico y el barroco y momentos idealistas como el neoclasicismo. a) las cruces las hay de dos tipos.1.la cruz capillada, plana o cuadrada es propia del momento simbolista y teológico y se representa en el románico y renacimiento. La cruz rugosa o arbórea con nudos y corteza, es propia del momento naturalista, representa en el gótico o barroco. Los Cristos románicos no tienen huellas de sufrimientos ni de padecimiento.cristo de zurbaran. Es de 4 clavos, cruz arbórea, cilíndrica, luego es barroco.trampantojo de la capilla de los venerables. Valdés leal represento una cruz arbórea, es un momento naturalista es barroco.Cristo de la paciencia. Luis de Vargas. Es un Cristo de 3 clavos. Un sayón ovada un agujero para los pies.b)los clavos. Se empleo un clavo para cada mano, pero se duda si los pies fueron clavados con uno o dos. CRISTO DE LOS 4 CLAVOS.Cristo del arcediano o de la clemencia sacristía de los cálices. Montañés realizara su obra cumbre con el Cristo de la clemencia en 1603. Es conocido por el Cristo del arcediano. La mirada del Cristo llegaba más fácilmente si la pierna derecha estaba colocada por encima de la izquierda. Su Cristo transmite devoción a parte su imagen nos deleita.crucificado de Zurbarán. Visto desde lejos y atreves de la reja de su capilla, parece una escultura en vez de una pintura. Se encuentra en chicago. Sigue el modelo de pacheco de 4 clavos, pero con una cruz arbórea. Imagen caravagista y tenebrista.Cristo de 3 clavos. Eran muy populares y en Sevilla fueron muy importantes. Los Cristo góticos serán de 3 clavos.Cristo de san Agustín. Se traslado a la parroquia de san Roque. Desapareció en la guerra civil. Era un Cristo al que se le atribuían milagros. Era un Cristo que se sacaba en Sevilla cuando había algún tipo de desgracia.el Cristo del millón. Corona el retablo de la capilla mayor de la catedral de Sevilla. Es un calvario gótico del s14. Es un Cristo de 3 clavos. Cristo gótico.el Cristo de burgos. había estado en la catedral de burgos. Anteriormente había estado en el convento de los agustinos. Se hizo otro Cristo para Sevilla. Hacían milagros. Un Cristo muerto tiene siempre 5 heridas. La 5º herida es la producida cuando le traspasa a Cristo el costado. Después nos fijaremos si está en la fase de relajación es cuando el alma va dejando el cuerpo y la fase de rigidez las manos se van cerrando. normalmente partían las piernas por las rodillas pero a Cristo no lo hicieron. La llaga la presentan en el costado derecho que es donde está el hígado órgano que da vida.representación de una herida de Cristo. Si es un Cristo vivo, ver en que palabras de las 7 pronunciadas se encuentra y si esta muerto en qué fase esta de relajación. C) el sudario. Según san Ambrosio, Cristo fue crucificado desnudo, pero al colocar el cadáver sobre su madre le colocaron el sudario. sudarios románticos. Crucificado con cruz plana, capillada el sudario es como una sotana que llega hasta los pies.sudarios góticos. Cruz arbórea, con el torso desnudo y el pericona llegara por debajo de las rodillas.sudario renacentistas. El Cristo estará sobre una cruz plana y capillada y el sudario estará reducido.sudarios barrocos. Hay de dos tipos. uno consiste en ir dándole vueltas a la tela alrededor de las caderas y el otro corifeo que es el que se anuda sobre la cadera, donde presenta un lazo, dejando al descubierto la desnudez del costado. Suele aparecer con un cordón que deja los laterales descubiertos.Cristo atado a la columna, en la parroquia de hinojos,9cm alto Cristo aparece acompañado por 3 sayones que golpean y eran de tipo populares.Cristo de Joaquín. Bilbao. Mide 2,10m. es un Cristo muy patente. Es muy grande al lado de los sayones. Ha dejado de ser una imagen a ser una escultura que no provoca devoción. D)la corona de espinas. Que si vemos que la corona de espina no formar un bloque con la cabeza es muy posible que puede ser un añadido o una sustitución, que no corresponde con época en que fue tallado el cristo.* cabeza de Cristo. Implanta una corona de soga con clavos. Los jansenistas representan a Cristo crucificado pero no con los brazo en cruz que sería la forma normal, sino con los brazos en alto, pues Cristo no ha venido a salvar a toda la humanidad. Cristo canónico igual a brazos en cruz.crucificado de iconografía jansenista. Brazos hacia arriba. Hay que tener en cuenta la tipología del madero. Si es un Cristo de 3 clavos crucifijo popular o de 4 clavos y analizar las diversas teorías. Si está vivo o muerto, dependiendo de las heridas. Si está vivo, comprobar en que palabra se mantiene de las 7 pronunciadas y si esta muerto fase relajación o rigidez.Adoración de los magos .la escena, solo narrada en el evangelio de san mateo. Los magos, sabedores de que la persona que había nacido bajo su influencia era excepcional, fueron en su busca y cuando la encontraron le ofrecieron, oro incienso y mirra. Melchor que reinaba sobre los persas,, Baltasar que reinaba sobre los indios, y Gaspar sobre los árabes.Adoración de los pastores .la escena narrada en san Lucas, el naturalismo y el realismo del arte barroco eran vehículos más que apropiados para difundir ese nuevo espíritu de la iglesia después del concilio del Trento.anunciación. Se narra en san Lucas y se representa a el ángel san Gabriel arrodillado frente a la virgen. El ángel lleva el cetro q le acredita como mensajero. ascensión. Después de la resurrección, y reunidos los once en un monte de galilea, reciben de Jesús las últimas instrucciones antes de ser elevado al cielo.Asunción. Tomado de los apócrifos llamados asuncionistas, el tema representa la ascensión a los cielos de maría. Después de la muerte de la virgen, los apóstoles depositaron su cuerpo en un sepulcro y permanecieron uránicamente junto a él tres días guardarle. Las representaciones nos muestran por tanto a los apóstoles rodeando un sepulcro vacio, pero siendo impulsada a los cielos por un torbellino de ángeles y nubes, a menudo en actitud oratoria, o siendo ya coronada por Jesús.Bautismo. El bautismo de Jesús realizado por Juan el bautista, es una de las escenas más importantes y mas representadas del cristianismo. En primer lugar la descripción del propio Juan, tenia Juan su vestido hecho de pelos de camello, con un cinturón de cuero a sus lomos y su comida eran langostas y miel. otro atributo más de su iconografía, el cordero lo aporta el evangelio de san Juan con las primeras palabras que pronuncia el bautista al ver a Jesús. lo más importante es la idea de trinidad, la concepción de Jesús como hijo de dios, el simbolismo de la paloma como su espíritu y la presencia de dios mismo.Bodas de Cana. Según el evangelista, es la primera de las señales que realizo Jesús como prueba de su mesianidad. Muy representada como símbolo anunciatorio de la eucaristía al convertir el agua en vino, como convertirá después el vino en sangre.Calvario llamamos calvario a una imagen general de la crucifixión, cuya representación incluye a los dos ladrones crucificados a derecha e izquierda de Jesús.cena de emaus. Después de su resurrección, Jesús se apareció a dos discípulos que se dirigían a emaus. Nos presenta un Jesús joven e imberbe que no resulta reconocible para el espectador.Coronación de espinas. Escena propia de mateo y marcos. Después de soltar a barrabas, pilato entrega a Jesús para azotarle y crucificarle, y es objeto de burla, y de los golpes de los soldados romanos, le ponen encima un manto de purpura, una corona de espinas y en su mano derecha una caña. En las crucifixiones que se realizan desde el gótico, Jesús lleva puesta la corona de espinas, acentuando el carácter sufriente.Coronación de la virgen. La coronación de maría supone la consecuencia culminante de su asunción a los cielos, donde ocupa, desde ese momento un destacado lugar junto a Jesús y desde donde ejercerá u papel de mediadora universal. Después veremos en el s15 a la trinidad coronando a la virgen, Jesús a la derecha del padre y la paloma ocupa la posición central.Deesis. Plegaria o suplica, representa a maría y a san Juan bautista intercediendo por los hombres ante Jesús el día del juicio final.descanso en la huida a Egipto. Después de la adoración de los magos, un ángel advierte a José en sueños de que Herodes busca al niño para matarle.descendimiento, representa el descenso del cuerpo de Jesús de la cruz. puesto q al día siguiente era sábado, los judíos pidieron a las autoridades romanas q, en contra de las costumbre, se retiraran los cuerpos del Gólgota. Se procedió a sud descendimiento y posterior entierro.descenso de los infiernos. Aunque existen referencias bíblicas el tema viene de las actas de pilato. La representación Jesús lleva la bandera de la resurrección, símbolo de triunfo sobre la muerte. La entrada a los infiernos ha sido pensada de muchas maneras.Desposorios de la virgen. Se consideraba impura a una mujer y todo lo q ella tocase el tiempo que le durara la regla. La vara florida es pues el atributo.Ecce homo. Una vez q Jesús a sido azotado pilato le saca al balcón del pretorio, del gobernador romano y lo enseña a la multitud. Las representaciones, frecuentes desde el s16 muestran a Cristo frente al espectador con los atributos que se describen en la coronación de espinas, corona de espina y manto purpura.espasmo. Presenta a la virgen desmayada al ver a Cristo en la cruz o llevando la cruz a cuesta, cayo desvanecida hacia atrás y estuvo mucho rato en el suelo.Expolio. Representa a Jesús siendo despojado de sus vestiduras ante de ser crucificado. Limitándose tan solo al manto purpura o clámide roja.la representación más conocida de este tema es la que pinto el greco para la sacristía de la catedral de Toledo. Cristo lleva el manto rojo q, según san Juan, le pusieron antes de crucificarle. El greco pinto a las tres marías en esta escena.expulsión de los mercaderes del templo. La escena presente en los 4 evangelios, templo de salomón, después de su entrada en Jerusalén a lomos de un burro. Haciendo un látigo con cuerdas, echo a todos fuera del templo, con las ovejas y bueyes, volcó las mesas y tiro el dinero. Así pinto el greco la escena.inmaculada. Literalmente sin mancha, sin pecado, maría asegura que fue concebida sin pecado. Una mujer vestida del sol, con la luna bajo sus pies y una corona de doce estrellas, sobre su cabeza. En ocasiones pisa una serpiente * Jesús ante pilato. Representa a Jesús maniatado frente a pilato que se encuentra según san Juan en el tribunal.Jesús atado a la columna. también llamado flagelación, representa a Cristo siendo azotado por los soldados romanos antes de crucificarle. E las representaciones del tema, los verdugos, deliberadamente afeados, disfrutan del castigo que están infringiendo a Jesús.Jesús y la samaritana. Jesús volvía de Judea a galilea, por lo q tenía que atravesar samaria. Así cuando Jesús le pide agua del pozo a la samaritana. Los samaritanos que oyen el testimonio de la mujer y las propias palabras de Jesús, terminan por reconocerle como el mesías esperado.Jesús entre los doctores. Sus padres iban todos los años a Jerusalén a la fiesta de la pascua. En una ocasión cuando Jesús tenía doce año se quedo en el templo sin q sus padres lo supiesen. Sus padres tuvieron q volver del camino a Jerusalén. Estaba en el templo rodeado de los pastores y maestros escuchándoles. Este es el momento elegido por la iconografía del tema. Jesús, en una posición destacada y elevada, con aspecto juvenil, gesticula o mueve las manos en actitud clamatoria.muerte a la virgen. María recibió la comunicación de su muerte por el ángel Gabriel, q le entrega una palma y le dice q entre días abandonara el cuerpo. Quiso la virgen ver antes de morir a los apóstoles y estos fueron transportados por nubes desde el lugar en q se encontraban predicando hasta la casa de maría. Los apóstoles le piden a Jesús q resucite el cuerpo de maría, Jesús vuelve con el alma de la virgen, uniéndola al cuerpo, la devolvió al paraíso.multiplicación de los panes y los peces. comieron unas cinco mil personas y todavía sobraron canastos llenos. Como símbolo de la eucaristía se represento ya desde los primeros tiempos del cristianismo.nacimiento de Jesús. Este detalle de la cueva será recogido a menudo para la icnografía del tema. pero la mayor repercusión ha tenido sin lugar a dudas la presencia del buey y el asno. Tres días después de nacer el señor, salió maría de la gruta y se aposento en un establo. Allí lo puso en un pesebre y el buey y el asno le adoraron.nacimiento de maría. Un hombre llamado Joaquín, q a pesar de ofrecer generosos dones al templo, se le reprocha el no haber tenido aun descendencia, afligido, se retira al desierto. Su mujer Ana que no sabe nada de la huida de su marido, lamenta doblemente su viudez y esterilidad. Mientras se lamentaba se le apareció un ángel anunciándole el nacimiento de una hija. Vete a la puerta dorada y sal al encuentro de tu marido. Este abrazo en la puerta dorada de Joaquín y Ana es un tema frecuente e importante en la iconografía mariana. En las representaciones del nacimiento de maría, santa Ana esta acostada y rodeada por numerosa corte de asistente.Oración en el huerto. Representa la angustia de Jesús en el huerto de los olivos, Getsemaní, la noche del prendimiento. Teme la muerte y quiere alejarla, pero se necesita un sacrificio para la remisión del hombre. Jesús aparto a tres discípulos Pedro Santiago y Juan y estos se quedaron dormido mientras Jesús oraba. También puede aparecer un ángel a reconfortar a Jesús.pantocrátor. Típica representación del dios poderoso muy frecuente en el románico. Es el dios justiciero. Cristo está sentado en el trono, y un arco iris alrededor del trono. El arco iris era la señal establecida por dios como símbolo del pacto después del diluvio. A sus pies la bola del mundo, rodeándola 24 ancianos con vestiduras blancas símbolo de las 24 horas. En los 4 ángulos se encuentran los 4 vivientes, el primero en forma de león, el segundo de novillo, el tercero rostro de hombre y cuarto de águila, representan a mateo marcos Lucas y Juan. En su mano dios tiene el libro de la vida.pentecostés. Las innumerables representaciones del tema presentan a los apóstoles rodeando a la virgen, q ocupando una posición destacada, personifica desde ese momento a la propia iglesia el espíritu santo se manifiesta ahora siguiendo el texto citado en forma de llamas sobre cada una e las cabezas.pesca milagrosa cuando las sacaron del agua había en ellas gran cantidad de peces. En este sentido se relaciona el pe, como elemento acuático, con el bautismo y la redención para los convertidos.piedad. Representa a la virgen con Jesús en su regazo después de su descendimiento de la cruz. En las primeras representaciones se hace muy evidente la dificultad para encajar el cuerpo adulto de Jesús en el regazo de maría. El clásico esquema piramidal se irá abandonado por las dificultad de composición que entraña. prendimiento. Representa el arresto de Jesús la misma noche de su agonía, después de la oración en el huerto. La escena incluye la señal convenida por judas para identificarle, el beso. El beso completaba el saludo habitual q se iniciaba con la expresión salom. El beso de judas, dado pues en señal de salutación.Presentación de Jesús en el templo. Representa a maría y José presentando ofreciendo a dios al niño Jesús en el templo de Jerusalén. Al tiempo que ofrecen los dones necesarios para la purificación de maría. El sacerdote es Simeón, un hombre justo a quien el espíritu santo le ha revelado que no vera la muerte hasta haber visto al mesías enviado por dios. Tomando al niño en brazos da gracias a dios por haber visto la salvación de Israel.dolorosa. Presenta a maría siendo atravesada por una espada por numerosos cuchillos. En la escena está también presente la profetisa Ana quien reconociendo también al niño, hablaba de él a todos los q esperaban la redención.resurrección. La petición de vigilar el sepulcro la hicieron los fariseos y los sumos sacerdote temiendo que los apóstoles robasen el cuerpo para dar después testimonio de su resurrección. La iconografía tradicional del tema presenta a Jesús saliendo de un sepulcro, ante la sorpresa y estupefacción de sus guardianes, y con una bandera como señal de su triunfo sobre la muerte. Cuando las marías van al sepulcro lo encuentran vacio.resurrección de lázaro. Se representa en un capitel, a las hermanas de lázaro marta y maría, al mismo lázaro levantándose y alguno tapándose la nariz como q huele.tentaciones en el desierto. Jesús es tentado por el diablo en el desierto después de un ayuno de 40 días. Primero le incita a demostrar la veracidad de su mesianidad y luego le promete los reinos del mundo y sus glorias terrenales si accede a adorarle.la escena sucede después de su bautismo. Superada la prueba el diablo lo deja y se acercan unos ángeles y le sirven.Trinidad. Representación del padre, el hijo y el espíritu santo , basada fundamentalmente en la escena del bautismo de Jesús. Las representaciones de la trinidad del tipo trono de gracia. No son sino la traducción grafica de este credo. La iglesia de san salvador de toldaos. En el románico es frecuente la imagen de la trinidad paternita: el padre haciendo de trono al hijo, el espíritu santo como paloma entre los dos. Se determino que la paloma debía tocar al mismo tiempo la boca del padre y del hijo, como se ve en la trinidad románica.ultima cena. Es una de las escenas capitales del ciclo de la pasión, pues en ella ocurren dos hechos fundamentalmente, el anuncio de la traición de judas y la institución de la eucaristía. La cena organizada por Jesús que sería la última con sus discípulos, celebraba la pascua judía, la fiesta que recordaba la salida de Egipto. El pan y el vino compartidos son su cuerpo y su sangre sacrificados por el perdón de los pecados.Vía crucis. También llamado camino del calvario, describe el itinerario de Jesús desde la salida del pretorio hasta el calvario con paradas. Aunque se considera catorce, incluyendo desde la crucifixión hasta la sepultura, la iconografía del tema solo presenta las más importantes, imposiciones de la cruz. El episodio más importante y el más representado el de simón cargando con la cruz de Jesús. Las dificultades de Jesús para trasladar la cruz son deducibles por los testimonios de Juan y de los otros evangelistas, pero la confirmación expresa procede de las actas de pilato.virgen con el niño. este es el tipo más común en la plástica románica, la virgen entronizada y solemne que da la réplica al Cristo pantocrátor del juicio final. Desde ahora la virgen deja de ser trono para convertirse en madre de Jesús. Después, e establece con su hijo una comunicación mucho mas cariñosa imitando el tipo elousa. Su rostro es también más alegre y amable. La virgen blanca. Habría que citar un último tipo icnográfico adaptado también al gusto occidental. Se trata del tipo galactotrofusa amamantando al niño. Además de ser, en esencia, una escena cotidiana y maternal, establece mayor énfasis en la dependencia del niño con maría, en claro paralelismo con los fieles, dependientes de su madre, la iglesia, encarnada en maría. Es este carácter protector y maternal de la virgen lo que convertía al tema en el más idóneo para retratarse como donante, arrodillado frente a la virgen con el niño, apelando también a su influencia mediadora ante Jesús para garantizarnos un lugar en el cielo. En este tipo de representaciones la virgen, aparece frontal, sentada en un trono, cubierta normalmente con un dosel, y sosteniendo al niño en brazos. REPRESENTACIONES CRISTIFERAS,RELACIONES CON LA ICONOGRAFIA PAGANAY CON EL MUNDO IMPERIAL.ESCENAS HISTORIADAS DE LA PASIÓN DE CRISTO E INTENTOS DE LA FIGURACION DE LOS DOGMAS.REPRESENTACIONES CRITIFERAS. SE AGRUPAN ENTRES: las representaciones que aluden al bautismo y a la eucaristia. Prefiguraciones de cristo en temas del ant test y el carácter salvifico de cristo en el nuevo test. Simbolos alusivos a cristo.REPRESENTACIONES CRISTIFERAS QUE ALUDEN A LOS SACRAMENTOS DEL BAUTISMO Y LA COMUNION. La eucaristia representa la muerte y resurreccion de cristo y se representa para los fieles. Son el pez y la cesta con panes. Bautismo, la escena de un hombre bautizando a otro siempre es cristiana.SIMBOLO DE CRISTO. El pez referencia a esa divinidad de cristo como hijo de dios, como salvador. El delfin y el ancla simbolo de esperanza la salvacion se representaba por el delfin. Paloma, alude sobre todo a la espiritualidad en el mundo pagano. El pavo real simboliza divinidad suprema. Ave fenix es como alegoria de la propia resurreccion de cristo. Cordero, comparacion su sangre derramada por la humanidad. El buen pastorsin esperar nada a cambio. RELACIONES CON LA ICONOGRAFIA PAGANA. Se alude a los raptos mitologicos para simbolizar la superacion de lo terrenal y la subida alcielo del alma. Los trabajos de hercules, supera la muerte despues de una serie depruebas, al igual que jesus. Cristo helio, representacion del cristo sol. Cristo orfeo, el cristo q amansa las fieras, al pecado. Cristo belerofonte, matar a la quimera, que simboliza el pecado.RELACIONES CON LA ICONOGRAFIA IMPERIAL. CRISMON. Es un simbolo q representa al nuevo imperio. A su aparicion se añade algo muy pagano la corona de laureles. La purpura es un color imperial. LOS 4 EVANGELISTAS. Angel es mateo, leon marcos, buey lucas, aguila juan. RETRATO DE LOS SANTOS. La proquinesis es arrodillarse frente a la divinidad y a los santos como seres sobrenaturales.DOGMAS. Tambien seran representados en el cristianismo primitivo. Dogma de la santisima trinidad. Definido en el I concilio de constantinopla 381. Se representa con 3 figuras humanas, q no tendran ningun éxito. SANTISIMA TRINIDAD COMO AGUILA IMPERIAL Y TRES CIRCULOS CONCENTRICOS. La aparicion del aguila imperialdel cual cuelgan tres medallaso coronas de laurel, alas extendidas. TRONO DE ORO. ASCENSION Y BAUTISMO DE CRISTO. REPRESENTACION DE DIOS, mediante una mano apareciendo de los cielos. REPRESENTACION DE CRISTO: DIVINO Yimberbe(niño), frente despejada. HOMBRE barbado. REPRESENTACION ESPIRITU SANTO, paloma blanca. ENCARNACION DEL VERBO, llama en la frente. DOGMA DE PENTECOSTES, Maria con los apostoles de pie o sentados con lenguas de fuego siempre sobre sus cabezas. DOGMA DE LA MADRE DE DIOS. Hasa el 431 maria fue reconocida como madre de dios. Es participe de la divinidad de dios.
Tema 2: Arte de la época tinita o protodinástica:Introducción istórica:Esta etapa es conocida como “tinita” porque según la tradición el legendario rey Menes, que fue el artificie de la unificación del Estado egipcio, venia de la ciudad de Tinis.Esta época comprende las dos primeras dinastías que cronológicamente se pueden encuadrar entre 3000- a.C.Arquitectura de le época tinita: El principal material fue el adobe y en menos medida la piedra y la madera.Adobe: El adobe era el resultado de mezclar barro aluvial del Nilo con una cierta cantidad de paja y arena para evitar un exceso de contracción del material. Piedra: La piedra que se suele emplear en las construcciones de ese momento suele ser piedra caliza. Madera:Se utilizaba especialmente para las techumbres, suelos y revestimiento de paredes, no obstante como los arboles son escasos en Egipto llegaron a importarse grandes cantidades de vigas, tablazones,… procedentes sobre todo del Líbano. La tumba:En el Bajo Egipto esa superestructura adquirió gradualmente una forma baja y plana de planta rectangular y con sus paredes inclinadas (en talud). Esta estructura se llama mastaba que en castellano significa banco. Para evitar los saqueos estas estructuras cubrían con casquetes y gravas. Objetos artísticos: cuchillas, paletas y mazas votivasEn el transcurso de las campañas arqueológicas han aparecido muchos cuchillos con la hoja de pedernal y el mango de marfil, cuchillos que por su origen delatan el tipo de uso ceremonial y ritual. Esos puños de marfil estaban labrados en un colmillo de hipopótamo lo cual nos asegura una manufactura egipcia, a pesar de que estilo de estos cuchillos nos parezca mesopotámico. El ejemplo más destacado de estos cuchillos ceremoniales es el Cuchillo de Gebel el-Arak en el museo del Louvre.La Paleta de Manchester contiene un relieve donde se han representado 3 avestruces acechadas por un cazador que se ha colocado una máscara de cabeza de avestruz para poder acercarse a ellas con mayor facilidad. Por tanto nos encontramos con una temática que se encuadra en el mundo mágico de la caza.La Paleta de Gerzeh nos muestra un bucráneo (cabeza de toro) vista de frente y orlada de estrellas que según los especialistas de este periodo puede ser el símbolo de una constelación o el emblema de un faraón.
La Paleta de Narmer (3000 a.C.) es la paleta más elaborada y se encuentra en el Museo del Cairo. En la banda superior de ambas caras de la paleta nos encontramos con representaciones de la diosa Hathor las cuales flanquean el cartucho con el nombre del faraón Narmer. Una de las caras tiene en el centro una cazoleta formada por el entrelazamiento de dos monstruos. Estos monstruos aparecen como domesticados por dos personajes. En la banda inferior nos encontramos con un toro bravo que esta atacando a su enemigo y que simboliza el poder del faraón sobre sus contendientes. En la banda superior aparece representado Narmer con la corona del Bajo Egipto acompañado de dos magistrados, precedido este cortejo por los portaestandartes. Esta cometida se encamina hacia el campo de batalla donde aparecen los enemigos decapitados y alineados en dos filas como símbolo de las conquistas bélicas que protagonizó Narmer. En la otra cara de la paleta nos encontramos con otra representación de Narmer con la corona del Alto Egipto empuñando una maza con la que golpea la cabeza de uno de sus enemigos que parece derrotado a sus pies.También aparece el dios Horus representado en su forma animal agarrando con sus zarpas una representación simbólica del Bajo Egipto del que sobresalen seis clavijas que equivalen a 6000 enemigos. En la banda inferior se representan 2 enemigos que intentan huir del faraón..Escultura y relieve egipcio durante la época tinita o protodinástica:
La figura más antigua de este periodo es la esculturilla de marfil de un faraón de la I Dinastía procedente de la ciudad de Abidos. El faraón aparece con la corona del Alto Egipto en actitud itinerante (caminando).,. Estela del Rey Serpiente (2927-2914 a.C. I Dinastía) que se conserva en el Museo del Louvre. En ella se representa al dios Horus que todavía no ha adquirido rasgos humanos y aparece con la forma enteramente animal. Está apoyando sus zarpas sobre el cartucho que contiene el nombre del faraón, conocido como el Rey Serpiente.
Tema 3: Arte en el Imperio AntiguoIntroducción histórica: Cronológicamente el Imperio Antiguo se encuadra entre 2650-2150 a.C. y comprende hasta cuatro Dinastías (III, IV, V, VI).El tránsito entre la II y la III Dinastía supuso una evolución muy importante tanto desde el punto de vista cultural como económico y político.Para comprobar los grandes avances que se dieron en cuanto a la distribución de las riquezas agrarias o al perfeccionamiento de los instrumentos de trabajo, esta evolución tan positiva tuvo su continuidad y culminación en la II Dinastía cuyos faraones más conocidos son Snefru, Keops, Kefren o Micerinos por serlos constructores de las grandes pirámides de Meydum, Dashur y Gizeh. Los grandes monumentos que se llevaron a cabo nos hablan del inmenso poder de los faraones. El acceso a la V Dinastía supuso un cambio en la orientación religiosa. El primer faraón de la III Dinastía fue Teti I,. Tras un corto reinado le sucederían en el trono su hijo Pepi I y quien por el contrario ocupó el trono durante casi 50 años. Él rechazó a los invasores asiáticos y envió expediciones al Sinaí y a Nubia.Le sucedió en el trono su hijo Merenre quien viajo por primera vez a la primera catarata del Nilo.El largo reinado de Pepi II puede interpretarse como el final del Imperio Antiguo. Hacia el año 2150 a.C. entramos en una fase de crisis que denominamos como Primer Periodo Intermedio. Arquitectura de la III y IV Dinastía: La primera gran pirámide es la Pirámide Escalonada de Zoser en Saqqara (2635-2615 a.C.). Zoser fue el segundo faraón de la III Dinastía, El recinto forma un gran rectángulo El complejo queda rodeado por una muralla tachonada con muchas puertas falsas. La muralla está decorada con unos contrafuertes y nichos. Destacamos la pirámide escalonada Las tres primeras fases corresponderían a los tres primitivos estados de la pirámide que parte de una mastaba que sufre ampliaciones. A partir de la cuarta fase surge la pirámide escalonada, en primer lugar tenía cuatro escalones y al final llego a los seis, de los cuales actualmente solo son visibles cinco ya que uno ha quedado oculto bajo la tierra. En el subsuelo, a unos 28 metros de profundidad, se encuentra la cámara mortuoria con el sarcófago. Desde esa cámara parten una serie de corredores laberinticos que configuran una serie de estancias, Otra estructura importante del complejo funerario de Zoser, es lo que se denomina como el templo funerario, el Templo Norte , ya que esta adosado a la cara norte de la pirámide.Muy cerca del Templo Norte se encuentra el Serdab, Dentro de este complejo funerario hay una sala hipóstila, es decir una sala con columnas con una cubierta adintelada. El Patio de Heb-ted, Lo más llamativo de este patio son las dos capillas con sus cornisas arqueadas. Hay otro gran patio, el Patio del Santuario del Bajo Egipto o Patio de la casa del norte. Lo más importante que se conserva son las tres columnas papiriformes debido a que el papiro era la planta tradicional del Bajo Egipto. Junto a este patio estaría el Patio del Alto Egipto o Patio de la casa del sur. Todo lo que está dentro del complejo se duplica, y la tumba también había una tumba del sur. Al último faraón de la III Dinastía, Huni, hay que atribuir la última y mayor de las pirámides escalonadas de Egipto, la Pirámide de Meidum. Tenía originalmente un total de 7 escalones añadiéndose otro más con posterioridad. Al faraón Snefru podemos clasificarlos como un ambicioso constructor de pirámides porque no se conformó con trasformar la pirámide de Meidum, sino que levantó otras dos pirámides de Dashur. La primera fue la pirámide de doble pendiente o Pirámide acodada. Es la mejor conservada de todo Egipto Tiene un doble acceso que lleva cada uno a una cámara funeraria. La segunda fue la Pirámide Roja de Dashur porque está construida con una piedra arenisca de color rojizo, obstante en sus orígenes no se llamaba así ya que estaba cubierta de caliza blanca. Es la pirámide geométricamente perfecta. Su base abarca tanto terreno como la Gran Pirámide de Keops pero sin embargo su grado de inclinación es menor y es lo que le da esta forma achaparrada. Keops fue el hijo y sucesor de Snefru. Con la Gran Pirámide de Keops Esta pirámide es la más grande (146m de alto por 230m de lado).Ha sufrido muy diversas vicisitudes a lo largo de su historia. Nos sigue asombrando la precisión matemática que muestran los ángulos de la pirámide colocados en los 4 puntos cardinales, la absoluta precisión en que se construyen los lados de la pirámide con los mismos metros y centímetros. La entrada a la pirámide es desde el lado norte desde el cual se excavo una rampa descendente que lleva a la que iba a ser en un principio la amara mortuoria. Esa cámara quedo inacabada y se cambio la localización de la cámara mortuoria. Se talla una galería ascendente a través de la cual se accede a un pasillo que da lugar a otra cámara mortuoria situada en el centro de la pirámide. La tercera y definitiva cámara mortuoria la encontramos a un nivel superior al anterior. La Gran Pirámide de Keops formaba parte de un gran complejo funerario formado por dos templos: el templo del valle y templo funerario. El templo del valle se encuentra en semirruinas pero suficiente para que podamos contemplar como tras penetrar por u pórtico donde nos encontramos con dos grande pilares monolitos aparece un gran patio enlosado con losas de basalto negro. El templo funerario siempre aparece adosado a uno de los costados de la pirámide y también unido al templo del valle por una calzada. Hay que decir que la necrópolis de esta gran pirámide de Keops está constituida por tres grandes cementerios de mastabas, La subestructura de estas mastabas de la IV Dinastía consta de un pozo desde el que se accede a la cámara mortuoria. La Pirámide de Kefren (2520-25000 a.C.) en realidad es solamente tres metros más baja que la Gran Pirámide de Keops pero a nivel de base ocupa una superficie mucho menor lo que ocurre es que al haber conservado en su cúspide el recubrimiento tradicional de caliza, y al estar situada en una pequeña elevación, visualmente parece más alta que la de Keops. Lo que todo el mundo asocia a al templo de Kefren a la Esfinge de Gizeh que se encuentra junto a la calzada que une el templo del valle con la pirámide. Esta esfinge no es otra cosa sino un retrato del propio Kefren que adopta la forma de animal mitológico en forma de león recostado con cabeza humana y sinLa Pirámide de Micerinos. Se suele pensar que esta relativa pequeñez de su pirámide (66 metros de altura) es una muestra de las dificultades por la que atravesaba el poderío del faraón. En cuanto al revestimiento exterior de la pirámide no es de caliza blanca sino de granito rosado.Al sur de la pirámide se elevan tres pirámides satélites que están consideradas como las tumbas de las esposas reales, y cada una de estas pirámides cuenta con su propio templo funerario, pero están en ruinas. Arquitectura de la Dinastía V y VI: El primer faraón de la V Dinastía, Userkaf (2450 a.C.) inaugura una costumbre que seguirán sus cinco sucesores inmediatos que consiste en construir un santuario dedicado al dios Ra (divinidad solar) en la parte occidental del Nilo en las cercanías de la necrópolis de Abusir. El elemento más significativo de estos templos es el obelisco situado sobre una pirámide truncada que se alzaba donde los egipcios pensaban que caían los primeros rayos del sol al amanecer, Los faraones de la V Dinastía Sahure, Neferirkare y Niuserre costruyeron en la necrópolis real de Abusir tres pirámides semejantes en su conformación a las del valle de Gizeh .El complejo funerario de Neferirkare nos sirve de modelo de cómo eran los complejos funerarios de esas tres pirámides. La Pirámide Unas , en la necrópolis de Saqqara. Unas es el último faraón de la V Dinastía y decide construir su pirámide en la necrópolis de Saqqara en vez de en Abusir como sus antepasados. Es la pirámide más pequeña construida hasta el momento, sin embargo es un lugar de visita obligada para los turista sobre todo por su decoración interna, El complejo funerario más completo es el de Pepi II. Alrededor de la pirámide del faraón aparecieron pequeñas pirámides satélites que corresponden a las tres esposas del faraón y cada una de estas pirámides cuentas con su propio complejo funerario, situadas siempre fuera del perímetro amurallado que rodea la pirámide del faraón. El canon de la representación humana: Las medidas de dicho canon eran: desde la frente hasta la base del cuello tenemos 2 cuadrados; desde el cuello hasta la altura de las rodillas tenemos 10 cuadrados; desde la rodilla hasta la planta de los pies 6 cuadrados. Este sistema de proporciones permaneció inmovible hasta la época saita (s. VII a.C.) cuando el numero de hileras paso de 18 a 21, es decir se estiliza la figura humana. El artista egipcio se consideraba miembro de un gremio, trabajando en equipo cada uno encargándose de una tarea diferente (tendencia a la especialización). Los talleres solían instalarse en las cercanías de los templos o del tesoro real y el oficio se trasmitía de generación en generación. La evolución de la escultura durante el Imperio Antiguo: La Estatua del faraón Zoser fue descubierta en el interior del serdab de la pirámide escalonada y que tras su descubrimiento fue trasladada al Museo del Cairo.. El personaje se encuentra sentado en un trono con el respaldar alto, cumpliendo las leyes de simetría y frontalidad. Las manos del faraón están colocadas en la posición que más se repite, la mano izquierda extendida y reposando sobre el muslo, y el brazo derecho como recogido en ángulo sobre el pecho del personaje. Probablemente tendría en su mano derecha un cetro real. La cabeza aparece tocada con el nemes y la barba postiza los cuales constituyen los atributos tradicionales del ritual del jubileo para la conmemoración de la coronación del faraón (heb-sed). Rahotep y su esposa Nofret (Museo del Cairo). están labradas en piedra caliza policromada con un elemento representado que constituye un rasgo característico del Imperio Antiguo, la incrustación de los ojos. La mujer viste una túnica muy ceñida al cuerpo blanca y aparece con joyas que realzan su feminidad (diadema y colar). En las esculturas de esta dinastía se aprecian algunos arcaísmos (tendencia a unos volúmenes muy amplios, modelado sumario, se representan las piernas y tobillos de forma tubular) pero progresivamente se irán superando. La figura del visir Hemiunu. Sus manos están dispuestas en una posición similar a la de los faraones con la mano izquierda sobre el muslo y la mano derecho reposando sobre el muslo pero con el puño cerrado. Sus rasgos son serenos y su cabeza no está revestida con la típica peluca sino que lleva un gorro que comprime sus cabellos. Estatua de Keops esta completa. Es de pequeño formato y tallada en marfil, se encuentra en el museo del Cairo. El faraón aparece tocado con la corana del Bajo Egipto. Sigue el tipo de escultura sedente del faraón. Otra obra importante es la Estatua del faraón Kefren hecha en diorita y procedente del templo del valle de su complejo funerario de su pirámide. El cuerpo del faraón aparece unido al respaldo del trono y encima de sus hombros aparece Horus (dios halcón) en forma enteramente animal y protegiendo con sus alas la cabeza del faraón. El faraón esta semidesnudo, puesto que solo lleva puesto un faldellín plisado.. En las caras laterales del trono se han grabado entrelazadas las flores típicas del Alto y Bajo Egipto. Micerinos con su esposa (Museo de Boston). El faraón aparece compartiendo su omnipotente majestad con su esposa, de manera que las dos figuras a aparecen representadas a la misma escala. Ambos incluso están reproduciendo una misma actitud de avance adelantando los dos la misma pierna izquierda. Los brazos caídos del faraón con los puños cerrados contrastan con los de su mujer la cual abrazan el torso del faraón. En esta Triada de Micerinos el faraón está en actitud itinerante avanzando con la pierna izquierda y cogiendo con su mano derecha la mano izquierda la de la diosa Hathor, el atributo de los cuernos de vaca y el disco solar. El personaje que aparece a la izquierda del faraón se trata de la representación simbólica de la capital de XVII nomos del Alto Egipto, Saka. Este personaje lleva una especie de peine con diecisiete clavijas, lo que nos ayuda a saber que era el XVII nomos del Alto Egipto. Las figuras femeninas visten túnicas largas y transparentes que parecen que están desnudas. El faraón lleva un faldellín y la corona del Alto Egipto.
Las necrópolis de Gizeh y de Saqqara nos han proporcionado una gran cantidad de particulares. Las obras escultóricas adquieren una mayor humanidad alcanzando a veces una relación muy directa con la realidad. Las piezas más populares son los escribas sentados esculpidos en piedra caliza policromada. Los más conocidos son el Escriba del Museo del Louvre y el Escriba del Museo del Cairo. El del Louvre no lleva peluca mientras que el del Cairo si lleva peluca. Ambos son escribas de la corte y aparecen sentados con las piernas cruzadas. En sus manos derechas sujetarían en su origen el punzón para escribir, mientras que con las manos izquierdas despliegan el rollo del papiro.. Destacan sus ojos, muy vivos y realizados por medio de incrustaciones., Ranofer. Nos encontramos ante una representación típica de un alto funcionario. Se representa orgulloso de sí mismo y en actitud de avance, como un faraón, avanzando con la pierna izquierda, los brazos caídos, los puños cerrados, vistiendo faldellín,… en uno de sus retratos aparece sin la peluca (un encargo privado) y en el otro con peluca (un encargo oficial). Seneb y su familia (34 cms). Seneb para compensar su falta de estatura se ha sentado como si fuera un escriba, con las piernas cruzadas, en lo alto de un banco sin respaldo, y en el hueco que aparece libre bajo sus pies se ha colocado las diminutas figuras desnudas de sus hijos realizando el característico gesto de silencio llevándose el dedo a la boca. Su esposa sonríe y muestra cierta ternura al abrazar a su marido en una actitud más desenfadada que la figura masculina Bajorrelieve, la pintura mural y las artes decorativas en el Imperio Antiguo: Con los testimonios que tenemos podemos confirmar que las dinastías en las que son más frecuentes los bajorrelieves y la pintura mural son las Dinastías V y VI (Imperio Antiguo) y las Dinastías XI y XII (Imperio Medio). En cuanto a la procedencia de estos bajorrelieves y pinturas murales debemos citar en primer lugar los monumentos reales (templos y complejos funerarios) y también se encontrarán en las tumbas privadas. dentro del campo del bajorrelieve podemos distinguir hasta tres técnicas diferentes a la hora de esculpirlos:bajorrelieve tradicional: donde se rebajo toda la superficie de la pared entorno a las figuras bosquejadas, figuras que a posteriori son más detalladas. ( Bajorrelieve de los pelicanos , Museo de Berlín).Bajorrelieve rehundido o en hueco: es cuando el escultor solamente rebaja la silueta, el contorno de las figuras, de manera que el fondo de la superficie y las propias figuras quedan en el mismo plano.Gravado en bajorrelieve o en hueco: donde toda la superficie interior de la figura es rebajada y aplanada. En cuanto a la pintura la única técnica que se conoce en Egipto durante el Imperio Antiguo es la técnica del temple, técnica que consiste en pigmentos diluidos en agua a la que se añade un adherente (clara de huevo o tipo de goma vegetal). Esta técnica proporciona colores muy brillantes pero tiene la desventaja de ser muy frágil, por eso muchos bajorrelieves que fueron policromados con el paso del tiempo han ido progresivamente perdiendo el color. Las mastabas más ricas en relieves pertenecen a la segunda mitad de la VI Dinastía. Destaca la Mastaba de Ti (V Dinastía) y la Tumba de Mereruka (VI Dinastía) que cuenta con 32 cámaras interiores las cuales están decoradas con relieves.Las artes suntuarias o artes decorativas u ornamentales de este periodo son muy escasas pero lo poco que nos ha llegado nos demuestra que ya entonces existieron unos artesanos expertos en la materia y que trabajaron con una gran maestría. La tumba original de la Reina Hetepheres , Afortunadamente esta tumba no fue robada y por lo tanto fue la primera tumba descubierta en la que se encontró todo el ajuar funerario intacto.
Tema 4: Arte durante el Imperio Nuevo. El Primer y Segundo Periodo IntermedioPrimer Periodo Intermedio: 2150-2050 a.C. VII y VIII Dinastías: 2150-2110 a.C.IX y Por Dinastías: 2110-2050 a.C. XI (1ª parte): 2110-2050 a.C.Imperio Medio: 2050-1770 a.C.XI (2ª parte) y XIII Dinastías: 2050-1770 a.C.Segundo Periodo Intermedio: 1770- a.C.XIII-XVII Dinastías: 1770-1580 a.C.Introducción histórica:El Primer Periodo Intermedio (2150-2050 a.C.) se inicia con las Dinastías VII y VIII que tuvieron una vida efímera, además son muy poco conocidas y lo que mas nos interesa es que durante estas dinastías la capital del Estado sigue en Menfis. Con la IX y X Dinastía se entra en un periodo crítico porque el estado egipcio vuelve a experimentar una división interna ya que no solamente se cambia de capitalidad y se establece un núcleo político-independiente en Tebas. Ese núcleo es el que da lugar a la XI Dinastía, es decir en sus primeros momentos la XI Dinastía corre paralela a la IX y a la X Dinastía. Un golpe de estado llevo al
poder al faraón Amenemhat I y se inaugura la Dinastía XII, la dinastía eje de todo el Imperio Medio.La gran figura de esta dinastía va a ser Sesostris III con el que se produce una fuerte centralización del Estado y un refuerzo de los poderes administrativos. El Segundo Periodo Intermedio (1770-1580 a.C.) se inicia con la Dinastía XIII con la que Egipto entra en un nuevo periodo de crisis político-administrativa pero hay un florecimiento cultural. Precisamente por eso Tebas será el lugar donde germine la Dinastía XVII la cual volverá a reunificar Egipto.Arquitectura durante el Imperio Medio:
La consecuencia más importante de esta nueva concepción arquitectónica es la Tumba Mentuhotep II , fundador del Imperio Medio. Este complejo funerario aparece en el acantilado rocoso de Deir el-Bahari. Esta calzada desembocaba en una enorme explanada donde se situaba una rampa muy ancha que según los testimonios literarios se habían plantado en ambos lados tamariscos y plataneras. Por esta rampa se asciende al núcleo del templo funerario que estaba porticado y contenía interiormente una sala hipóstila cuadrada con 83 columnas octogonales. las Pirámides de Amenemhat I y Sesostris I. La pirámide del faraón queda rodeada por un primer muro de piedra en cuyo interior se alojan una pirámide satélite de culto y la parte más interna del templo funerario que correspondería a la capilla y a la sala de las ofrendas. Nos encontramos con un segundo muro exterior de adobe que abarcaba la parte exterior del templo funerario y un total de 9 pirámides satélites, cada una de ellas sigue el esquema de la pirámide del faraón. Capilla Blanca mandado construir por Sesostris I en Karnak.Esa capilla blanca fue destruida por el faraón Amenophis III y reaprovechado sus materiales para construir uno de los pilonos del templo de Amón en Karnak. Como vemos esta capilla blanca se alza sobre un pódium de planta rectangular al que se accede por dos rampas que se abren en los costados mayores. Esas rampas de acceso quedan escoltadas por unos antepechos laterales que terminan en forma redondeada. La cornisa de remate adopta una forma muy tradicional del arte egipcio que se repetirá a lo largo de la historia, cornisa en forma de gola. Tato exterior como interiormente aparecen algunos de los relieves más delicados de todo el Imperio Medio. La Pirámide de Amenemhat III es conocida como la Pirámide Negra en función del material que se utilizó para su construcción que aun en nuestros días sigue con esa coloración gris negruzca que le ha otorgado ese nombre. Esta pirámide no fue la tumba definitiva de Amenemhat III sino que este faraón levanto otra pirámide en Hawara. el Laberinto de Amenemhat III ,llamado así por Heródoto porque le recordó el famoso mito griego del laberinto de Greta. En realidad el Laberinto de Amenemhat III para algunos arqueólogos fue el templo funerario de la Pirámide de Amenenhat III.Escultura del Imperio Medio:
Una de las grandes novedades que aporta la estatuaria durante el Primer Periodo Intermedio y durante el Imperio Medio van a ser la aparición de una serie de grupos escultóricos formados por multitud de pequeñas figuras talladas en madera las cuales eran policromadas siguiendo la técnica habitual
.Entre todas las figuras destacan la Estatua de Mentuhotep II tallada en piedra arenisca y policromada que se conserva en el Museo del Cairo. La cabeza está tocada con la corona roja del Bajo Egipto. El faraón viste el tradicional manto blanco del jubileo de Hep-Sed.Los dos brazos aparecen cruzado en el pecho para sujetar los dos cetros característicos del Alto y del Bajo Egipto Estatua de Sesostris I , una de las 10 estatuas descubiertas en uno de los pozos funerarios de la pirámide de este faraón. Las 10 estatuas sedentes son idénticas, en actitud rígida con las manos apoyadas sobre los muslos. La vestimenta que luce es el típico faldellín plisado cuya apertura central queda ceñida por una lengüeta vertical. Lleva en nemes con una cobra en el centro (uraeus) y la barba postiza.
Dinastía XII retratos del faraón Sesostris III , en cuyos rostros podemos percibir el desgaste que había sufrido durante su largo reinado. Quizás el más conocido es el Retrato Pesimista que se conserva en el Museo del Cairo. Esta tallado en granito negro y destaca la expresividad y el realismo característico de la estatuaria de este faraón. El único retrato fiable de Amenemhat II es el de la Esfinge de Amenemhat II que se conserva en el Museo del Louvre. Labrada en granito rosa, con un cuerpo muy estilizado y en su pecho se representa el cartucho con el nombre de un faraón hicso que quiso apropiarse de la imagen del faraón imponiendo su nombre como si esta escultura hubiera sido hecha bajo su reinado. Oferentes de Peces .Se representan a dos personajes tallados en un mismo bloque provistos de barbas y pelucas postizas y llevan entre sus manos unas cestas o redes que contienen peces y plantas acuáticas. estatuilla de Sesostris I procedente de la necrópolis real de Lisht y que se conserva en el Museo del Cairo. Encontramos al faraón tocado con la corona blanca del Alto Egipto, vestido con el típico faldellín plisado y sosteniendo en su mano izquierda un largo báculo como símbolo de su autoridad real. Está en la característica actitud de avance con la pierna izquierda adelantada y con el brazo derecho caído en el costado de la escultura.
Reina Nofret , esposa de Sesostris II, que se conserva en el Museo del Cairo. Lo más curioso es su cabello peinado en dos voluminosas crenchas onduladas y terminadas por delante en sendas espirales. Este es el peinado característico de la diosa Hathor. cabeza de la esfinge femenina de la XII Dinastía del Museo de Brooklyn. No se sabe a qué princesa o reina se representa pero si sabemos que esta tallada en una piedra dura verde y cuyo estilo nos recuerda a los rasgos de la esfinge de Amenemhat II del Museo del Louvre lo que nos lleva a situarla a mediados de la XII Dinastía.
Bajorrelieve, la pintura y las artes suntuarias en el Imperio Medio:Durante el Imperio Medio la pintura mural se empleo con mucha frecuencia en las paredes de piedra de los hipogeos. Pero la pintura no solo la encontraremos aplicada en las paredes de las principales tumbas rupestres sino también en la madera de los sarcófagos ( sarcófago del caciller Nakhti , Museo del Louvre, Diastia XII; Sarcofago de Djehuty-hotep ,Museo de Bellas Artes de Boston, Dinastía XII.
En el Imperio Medio florece el arte de la joyería con una gran cantidad de piezas diferentes Diadema de la Princesa Sithathor (Museo del Cairo, Dinastía XII), está hecha en oro, en su banda superior aparece una serie de broches florales y el ureus. Tiene dos plumas representativas del dios Amón que parten del cáliz de una flor. Otro ejemplo es el Pectoral de la princesa Mereret , hija de Sesostris III, procedente de Dashur (Museo del Cairo). Se realizan en oro y esmaltes de colores predominan las tonalidades rojas, verdes, añiles… El pectoral de esta princesa está delimitado por dos flores de loto que están soportando una cornisa en forma de gola. Vemos también dos animales fantásticos, dos grifos afrontados que pisotean a dos enemigos y vemos como aparece otro elemento que va a triunfar en la joyería egipcia, la figura de la diosa buitre con las alas desplegadas
Tema 5: Arte en el Imperio Nuevo y la época de dominación grecorromanaIntroducción histórica > Dinastía XVIII (1554-1300 a.C.):Egipto va a ser nuevamente reunificado partiendo de las tierras del sur. Amosis fue quien lidero la guerra de liberación nacional contra los invasores hicsos poniendo fin a la dominación extranjera del Bajo Egipto. Faraones de la Dinastía XVIII:Amosis I-Amenofis ITutmosis II-Hatshepsut -Tutmosis III-Amenofis III-Amenofis III-Amenofis IV -Semenkhare -Tutankamon – Ay-HoremhebEntre los faraones que gobernaron durante esta dinastía destaca el reinado de Amenofis III, un momento culminante en el poderío egipcio. Templos de Karnak y Luxor: El constante temor a los saqueadores de tumbas, y por lo tanto a la violación desl sarcófago y momia del faraón tuvo tres consecuencias fundamentales: La supresión de todas las señales exteriores que pudieran delatar la presencia de un enterramiento real, y por consecuencia la desaparición de todas las formulas arquitectónicas. La Sala Hipóstila de Karnak es una de las más grandes creaciones de la arquitectura egipcia que sigue sobrecogiendo al espectador por su grandiosa solemnidad. Es un atentico bosque de 134 columnas, 12 de ellas son campaniforme las restantes son papiriformes. Cada columna se compone de una gruesa basa cilíndrica sin molduras, el fuste está formado por once o doce tambores superpuestos de piedra de alturas desiguales, el capitel puede ser campaniforme o papiriforme y sobre él descansa un bloque prismático que recibe el nombre de ábaco. Tanto las columnas, la techumbre y los arquitrabes están decorados con bajorrelieves de escenas y jeroglíficos que en su origen sabemos que estuvieron policromados..El Templo de Khonsu o Konsú en Karnak (Dinastía XX) es pequeño y se considera como un modelo de lo que fueron los templos en todo el Imperio NuevoDichas partes seria: el patio de entrada denominado también sala hípetra (patio descubierto y porticado); la sala hipóstila (sala cubierta) que alberga en su interior un alto número de columnas; y el santuario o morada del dios donde se cobija la estatua del dios al que esta consagrado ese templo y donde se suele guardar las barcas solares. A medidas que penetramos en las diferentes estancias obtenemos una mayor sensación de intimidad debido a varias razones. En primer lugar porque la altura de los techos va decreciendo progresivamente y porque la altura del suelo va ascendiendo aunque sea casi imperceptible.Estos templos suelen estar rodeados por un muro de piedra o adobe. El templo solo tiene un único acceso, una puerta flanqueada por dos especies de torres denominadas pilonos, que presentan una planta rectangular alargada, paredes en talud coronándose con una montura convexa y esta rematada con la cornisa de gola. avenida de las esfinges , esfinges que nos podemos encontrar de diferentes tipologías como las esfinges criocéfalas con cuerpo de león y cabeza de carnero A continuación se ubica la sala hipóstila que se encuentra dividida en tres o más naves mediante hileras de columnas. Puede haber más de una sala hipóstila, pero en definitiva estas salas hipóstilas nos conducen hacia el santuario, constituido por una serie de dependencias más bajas y estrechas y cuya oscuridad sirve para cobijar la barca sagrada y la estatua del dios Santa Santorum.. El Templo de Amon en Luxor está considerado como el más armonioso de cuantos se conservan en Egipto. Este templo fue levantado por el faraón Amenofis III aunque también recibió multitud de añadidos y alteraciones como el de Karnak. Pasando el pilono de acceso nos encontramos con el denominado Patio o la Sala Hípetra de Ramses II porticado por columnas papiriformes lisas. Seguidamente tenemos la Columnata de Amenofis III constituida por catorce impresionantes columnas campaniformes que están flanqueando la antigua vía procesional. Esta columnata en sus orígenes estuvo cubierta y poseyó pórticos laterales. Tras este corredor se encuentra el Patio de Amenofis III que en tres de sus lados cuenta con un tipo de columnas papiriformes cuyos fustes y capiteles tienen facetas. Al fondo de este patio se encuentra la sala hipóstila. Desde la sala hipóstila se entraba ya en el santuario que contaba con cuatro estancias, y la cuarta y última estancia es el santa santorum o cámara del dios.
TEMA 6: EL ARTE MESOPOTAMICOIntroducción:Mesopotamia es un valle aluvial regado por dos grandes ríos, el Tigris y Éufrates, dos ríos cuyos cursos corren en paralelo. Al contrario que lo que paso con el Nilo el hombre nunca pudo controlar las crecidas de estos 2 ríos, crecidas que como nos lo demuestran los testimonios históricos tuvieron un carácter catastrófico. La zona formada por el Levante Mediterráneo, Mesopotamia y por parte de los territorios del antiguo Egipto forma una banda de tierras que es lo que se conoce como el creciente fértil. Los mesopotámicos dividían el mundo conocido en cuatro regiones: La 1º y más importante Sumer, la región más meridional (más al sur) de Mesopotamia) y colindante del golfo pérsico. Al norte de Sumer se encuentra la 2º región, la región de Acad, el punto de máximo acercamiento de los dos ríos y dicha región recibirán en el futuro el nombre de babilonia. Siguiendo el curso de los ríos os encontramos con la 3º región Subaru o también conocida como la región de los amorreos, y que en el futuro constituiría el centro de asiria. La 4º sería la región de Amurru que comprendería los territorios de Siria y Palestina, territorios regados x los ríos Orontes y Jordán. Lo que sí es posible afirmes es que el arte egipcio se desarrolla linealmente gracias a su homogeneidad étnica y gracias a su autonomía geográfica, sin embargo el arte mesopotámico es fruto de una gran diversidad étnica y al mismo tiempo es también producto de varias vicisitudes. Ambas van a dificultar el estudio del arte mesopotámico. En Egipto la muerte no presagiaba ningún final, la muerte era como un traslado a ese ciclo cósmico hacia la renovación de la vida; en cambio en Sumer fue donde se expreso por primeras vez la tragedia de la existencia humana y el destino fatal que cada cual debe soportar. El hombre mesopotámico se aterroriza ante la muerte y como se aterroriza ante la muerte se aferra a sus posiciones terrenas.Para los egipcios en cambio el más allá era un lugar de renacimiento, sin embargo la visión mesopotámica del otro mundo, el Kur, era la de un lugar hostil lleno de miseria y de desesperanza. Esta concepción pesimista de la tumba va a tener su repercusión en la arquitectura. El arte mesopotámico por tanto exalta la vida frente a la muerte, las manifestaciones artísticas se conciben al servicio de la vida y de la ordenación del mundo, siempre desde la perspectiva de la clase dominante.
TEMA 7: Arte sumerioPeriodos protohistóricos de Uruk y de Jemdetnasr:Introducción:Los sumerios llegaron a la zona de la desembocadura los ríos Tigris y Éufrates en el periodo de Uruk unos 3500 años antes de nuestra era. La escritura surge por necesidades administrativas, por el deseo de llevar un control de la actividad económica de los templos, esta es la razón por la que los primeros textos conocidos de Uruk son contables. El material escogido por los escribas sumerios va a ser una tableta de barro, aun blando, que después se va a endurecer en el horno. Cronológicamente el periodo de Uruk se extiende entre 3500 al 3100 a.C, a ese periodo le sigue el periodo de Jemdetnasr (3100- a.C).Arquitectura durante los periodos de Uruk y de Jemdetnasr:En este terreno aluvial de la baja Mesopotamia no existía ninguna cantera por lo que los sumerios utilizaban el barro y lo convertían en adobe y ladrillos. Distrito Eanna:El templo de piedra caliza se caracteriza en planta por tener en planta una gran nave centra el forma de T, terminando su cabecera con una triple capilla. A los lados de la nave central se distribuye otras dependencias con un concepto muy riguroso de la simetría.La otra gran característica del templo es el perfil dentado de los muros exteriores. El templo blanco de Uruk, del periodo de Jemdetnasr, situado fuera del distrito de Eanna y estuvo consagrado al dios Anu como dios del cielo. Este templo era conocido como templo blanco porque sus paredes estaban cubiertas de cal. El pequeño templo se levanta sobre una terraza artificial de más de 12 metros de altura a la que se accedes a través de una rampa escalona. Estamos por consiguiente a lo que podemos considerar a los orígenes del zigurat. Escultura en los periodos de Uruk y Jemdetnasr :Una de las esculturas más importantes es la Dama de Warka (3300ª.C museo de Iraq), hecha de alabastro de tamaño menor que el natural. Se supone que este busto es de la diosa Inanna. Tiene el torso completamente plano como si fuera para colgarla en la pared, y se especula que podía haber sido una escultura de cuerpo entero el cual estuviera hecho de un material más frágil y de ahí que se haya perdido. La severidad de su expresión, la armonía de sus proporciones y eso que su aspecto actual es muy distinto al de sus orígenes, ya que ha perdido sus ojos de incrustación de conchas y lapislázuli y el tocado de oro que se superpondría a su cabellera de hondas suaves. Relieve: la estela de la caza (museo de Iraq) en su cara principal se describe una cacería de leones. Está hecha de granito negro. El personaje aparece en la parte superior con una lanza y en la parte inferior con un arco.En este sentido es una pieza príncipe este vaso ritual de uruk conocido como el vaso Warka (m. de Irak). Fue realizado en alabastro en el 3 milenio a.C. el vaso se alza sobre un pie cónico reconstruido y mide poco más de un metro de alto. Esta decorado con 4 bandas superpuestas en las que se representa la festividad religiosa más importante del calendario sumerio, la del año nuevo. Las primeras dinastías históricas (2800-2370 aC): La nomina de esta primeras dinastías históricas sumerias nos es trasmitida a través de una crónica relativamente tardía. Sabemos que la monarquía se convirtió en una institución permanente y hereditaria que había nacido como institución en Eridu. Arquitectura del periodo protodinástico: El material constructivo por excelencia va a ser el ladrillo planoconvexo. La arquitectura sumeria también empleo el arco y se localizaban en las entradas de los edificios.Destaca el Templo oval de Khafaje , el cual quedaba cerrado externamente por una muralla oval en la que se abría una puerta monumental de acceso entre sendas torres. A través de esa puerta entramos a un patio descubierto en el que se encontraba la casa de los sacerdotes. A continuación encontramos una segunda muralla interior oval y tras penetrar por ella accedemos a un segundo patio que queda rodeado por una serie de dependencias y al fondo de este segundo patio se alzaba el santuario propiamente dicho. Este santuario quedaba elevado sobre un basamento que quedaba elevado sobre unos 4 metros de altura. La distribución de los espacios de este recinto buscaba producir un efecto de imponente grandiosidad que culminaría en la visión de la capilla. el Palacio A de Kish , el cual fue residencia de uno de los principales monarcas (Mesilim de Kish). El núcleo administrativo queda ceñido por un doble muro que en sus orígenes tenía un aspecto defensivo porque quedaba jalonado con una especie de salientes en forma de torres defensivas. Otra característica es la entrada acodada. En cuanto a las construcciones para la eternidad hablamos del cementerio real de Ur , que Este cementerio consta de unas 1800 tumbas de enterramiento comunes excepto las 16 tumbas reales. Estas tumbas reales se caracterizan por sus ricos ajuares y por sus enterramientos en masa (familiares y sequito). Cada una de esas tumbas quedaba rodeada por una fosa excavada con unos 10 metros de profundidad, en la que se enterraban parte de sus sequito. Escultura exenta o de bulto redondo:La mayor parte de la escultura sumeria protodinástica son estatuillas de pequeño formato destinadas a los templos. Todas estas estatuillas responden a unos caracteres comunes: colocan las manos juntas ante el pecho o situadas bien juntas la una de la otra, con las manos vacías o sujetando ramas, flores o vasos.Por su parte las figuras femeninas visten con una gran pieza de tela enrollada al cuerpo por debajo de los hombros y con un extremo resbalando desde el hombro izquierdo. Encontramos dos tipos de rostros masculinos: uno aparece sin barba y sin cabellos y el segundo presenta una cabellera suelta y ondulante con una larga barba con la punta cortada horizontalmente. El tipo de piedra que se utilizaba en ellas era un alabastro con betas, mientras que los ojos eran de incrustación con conchas y lapislázuli o caliza negra para el iris. Por su parte los cabellos y las barbas se recubrían con una pintura negra de betún con las que también se pintaban veces las cejas.En la diosa Madre también estaba la figura de uno de sus hijos pero se ha perdido quedando solo un pie. Otra característica de estas estatuas es que el cráneo se ha reducido de forma anti natural. Dos luchadores , procedente del templo de Tell Agrab (museo de Iraq). En esa estatua los dos personajes se agarran de los cinturones con dos tinajas en sus cabezas. Otra obra es el Carro votivo, en el que se representa una cuadriga de asno guiada por un hombre procedente del mismo templo. El relieve durante el periodo protodinástico sumerio:Maza de guerra de Mesilim que perteneció al rey de Kish Mesilim hacia el 2600. Se conserva en el museo del Louvre. En la cara superior de la maza se representa un ser monstruoso característico de esta época, el “Anzu” (un águila con cabeza de león, águila leontocéfala). Son seis leones en posición erguidas y cada uno está apoyándose sobre la figura del león que le antecede, formando así una composición perfectamente trabada y continúa.. Placa votiva de Urnanshe , rey de Lagash. Se le representan en el ángulo superior como escultor sosteniendo un cesto en la cabeza con los materiales de construcción. También aparecen 4 hijos del monarca y un alto dignatario, los cuales miran embelesados a la figura del monarca que queda representado en escala mucho más grande que las demás. En la franja inferior nos encontramos también con la figura del monarca sentado con una copa en su mano derecha, mientras la figura del escanciador aparece detrás de él con la botella. Junto al rey vemos a e de sus hijos y a un alto funcionario. Estela de los buitres del museo del Louvre. Esta estela fue mandada erigir por un poderoso monarca, Eannatum, hacia el 2450 a.C. Esta tallada en piedra calcárea pero solo se conserva algunos fragmentos. Las estelas pueden alcanzar casi los 2 metros. Esta estela se divide en 2 registros dedicados al dios. Este dios es el que en el registro superior lleva una maza en la mano y en la otra sujeta un anzu (águila leontocéfala) de la que cuelga una red en la que están atrapados unos enemigos.En el registro inferior esta la propia figura del dios montado en su carro en aptitud triunfal, dicho carro tirado por un grifos. En el reverso de la estela aparece personajes más humanos a pesar de que la figura del rey siempre aparece a una escala superior. Se narra la victoria del rey Eannatun sobre las tropas de la ciudad vecina de Umma. En el registro superior el reya avanza acompañado por su infantería pesada, una formación en forma de falange tras la protección de los escudos. Esta formación avanza sobre un campo de cadáveres de sus propios enemigos. Abajo el rey aparece en su carro tirado por cuatro asnos u onagros, detrás de el avanza su infantería ligera cuyos guerreros están provistos de gorros y con las lanzas apoyadas en el hombro. En el tercer registro aparece el rey sentado contemplando el homenaje a los guerreros caídos. En el último registro solo se ve una cabeza rapada masculina que esta siendo atacada por un personaje que solo se conserva la mano, se piensa que se representa al rey de Umma siendo a tacado por los guerreros del rey Eannatun. Las artes suntuarias y decorativas del periodo protodinástico sumerio:La presencia de materiales exóticos en las artes decorativas sumerias acreditan el comercio mantenido esas ciudades sumerias con países muy lejanos. Una de las manifestaciones más importantes es la taracea o arte de la incrustación. Estandarte de Ur (2500 a.C. Museo Británico) .Este Estandarte de Ur fue encontrado en las tumbas reales de Ur, y suele interpretarse la iconografía como la actuación de un monarca en tiempo de guerra y en tiempo de paz. Este estandarte presenta dos caras cada una de ellas con tres frisos superpuestos y la decoración también se extiende a los laterales que también se dividen en tres registros superpuestos. Una de las caras es conocida como la cara de la guerra, en cuyo registro inferior los protagonistas son los carros de combates que arrollan sin piedad a sus enemigos. En la franja central nos encontramos con un grupo de soldados provistos de cascos que cubren sus cabezas, lanzas en sus manos, y vestidos con unas capas claveteadas (adornadas con clavos de metal. Este grupo de soldados conducen a una serie de enemigos que han sido desprovistos de sus armas y vestimentas, que van siendo conducidos hasta la presencia del rey. En la parte superior aparece el rey situado en el eje central, recién bajado de su carro y esperando a ver a los enemigos derrotados. En la cara de la paz las dos bandas inferiores muestran portadores y criados que llevan pesadas cargar y conduciendo animales para satisfacer las exigencias reales. La orfebrería también destaco en este periodo. Carnero en pie sobre el Árbol de la vida (2500ª.c museo británico, su función era como servir soporte en cada una de las ramas del árbol. El descubridor de la mayoría de estas obras es Sir Leonard Woolley. Vaso de Entemena (2400 a.C. museo del Louvre). Se trata de un recipiente de plata con forma ovoidal y con un cuerpo muy esbelto y alto. Reposa sobre un pie de cobre, muy corroído por el paso del tiempo. El cuerpo está decorado con la técnica al burí donde hasta cuatro veces aparece la figura del anzu o águila leontocéfala con las alas desplegadas y apoyando sus garras sobre dos carneros que están siendo a tacados por leones. El hombro del brazo presenta otro friso decorativo donde se representan becerros recostados.
Tema 8- El Arte Acadio y el arte Neo sumerio.En el transcurso del tercer milenio antes de Cristo, las diferentes tribus seminas empezaron a sedentarizarse al norte de Sumer, en Akkad.Quien es el fundador del imperio acadio, un personaje entre mitológico y real. Se llamo Sargón, él fue el fundador de la capital del imperio acadio (akkad), cuyo emplazamiento no se conoce con exactitud. Siendo ya rey Sargon (2340-2279) logra someter a todo el país de Sumer, Elam, mari (futuro corazón del imperio Asirio) y parte de siria. Los dos sucesores inmediatos de Sargón fueron sus propios hijos Rimush y Manishtusu. Estos dos reyes, muriero asesinados, siendo sucedidos por el hijo de manishtusu, su hijo Naram-Sin.Arquitectura Acadia Conocimiento muy limitado debido a que sus principales centros politos siguen enterrados. En realidad solo podemos analizar dos edificios de nueva planta en Tell Brak en Siria, y Assur.En Tell Brak está el palacio de Naram-Sin, construido en ladrillos de adobe, y en alguno de esos ladrillos aparece el nombre del monarca. Un palacio que en un mismo tiempo sirvió como depósito de mercancías y tributos. Respondiendo a un plan arquitectónico unitario y racional. Llaman poderosamente la atención sus muros posteriores, debido a que tienen más de 10 metros de espesor, y hace de ellos una muralla casi inexpugnable. Escultura Acadia La Estela de Naran- Sim, también en el Louvre. Se trata de un bloque de arenisca rosada, algo erosionado, que fue llevado a la ciudad como botín de guerra, se presenta también una victoria militar. El gran protagonista es el rey Naram-sim, que está representado deificado, convertido en dios. Ya que sobre su cabeza lleva una tiara con cuernos.Pero además se le ha representado como un monarca guerrero, ya que sostiene un hacha de combate, el arco colgado de la espalda, y una flecha en la mano derecha. Y pisotea los cadáveres de sus enemigos, se dirigen a él con gesto de clemencia.No está solo, está acompañado de soldados acadios, que ascienden por la ladera en doble hilera. En lo alto de la talla, aparecen dos estrellas, símbolos de los dioses.Arte Neo SumerioDurante algo más de un siglo, entre el 2200-2100. Mesopotamia estuvo subyugada bajo la supremacía de los guteos, llamados por los sumerios como los dragones de las montañas.La invasión de los nómadas guti, afecto mas al imperio acadio, sin embargo las ciudades sumerias se vieron más resguardadas de sus incursiones, aprovechando para preparar su defensa. .El último rey de La III dinastía de Ur fue Ibbi-Sin (2026-2004) A pesar de sus muchas políticas y diplomáticas, no pudo contener la entrada masiva de amorritas y elemitas. Es Así como los sumerios desaparecen de la historia de Mesopotamia. El Zigurat tiene como precedente aquellas terrazas de uno o dos escalones que formaban parte de la base de muchos templos anteriores. La forma definitiva del zigurat no se erigirá hasta la III dinastía de Ur. Hacia el 2100 a.C. es decir medio milenio después que las pirámides.El entorno de la pirámide es el desierto, formando parte de una necrópolis, siendo inaccesible su acceso. La función básica del zigurat es la de proporcionar un lugar para ofrecer ofrendas a la divinidad. Decían ellos que estaban sobre tumbas de reyes o dioses, cosa que es falsa.Zigurat de Etemenanki:Siete plantas, relacionada con las esferas de los siete planetas.El zigurat es la idea de una montaña sagrada, que haya donde quiera edificarse, vendría a señalar el centro del mundo conocido.De entre todos los zigurats, bajo el reinado de Ur, el más importante y mejor conservado es el zigurat de la ciudad de Ur. El hecho de que se conserve tan bien es debido a la calidad de los materiales usados, ladrillos de adobe de gran resistencia que se usaron para recubrir los muros y rampas exteriores de este zigurat, un zigurat que fue parcialmente destruido por los acadios, de tal manera que tuvo que reconstruirse en tiempos del rey Nabucodonosor II de babilonia.Este zigurat estaba consagrado a Nannar, una divinidad lunar. Alcanzaba alrededor de 22 metros.Sus cuatro ángulos coinciden con los cuatro puntos cardinales.La escultura neo sumeriaEl color preferido va a ser la diorita.La diorita una vez pulimentada brilla intensamente cuando se pone ante los rayos de sol. Gudea va aponer un tipo de indumentaria de moda que antes existía, había aparecido en tiempos de Naram-sin. Estas esculturas de Gudea solían estar en los templos, como si fueran permanentes recordatorios del esplendido servicio que había prestado este rey a sus súbditos siendo además el mejor intermediario entre la divinidad y su pueblo.La Estela de Ur-Nammu, es de las más importantes estelas de este periodo, que alcanza casi tres metros de altura, aunque tuvo que ser reconstruida.En el registro superior donde aparecen unos signos astrales, tenemos una representación del propio monarca que aparece haciendo una ofrenda ante una divinidad. En el registro inferior, se repite simétricamente esa escena, el rey Ur-Nammu aparece con ofrendas ante divinidades.En el tercer registro aparece el rey cargando con instrumentos de construcción y de albañilería, el rey estas siendo ayudado por un sacerdote. El rey esta precedido por el tipo de tiara que lleva.En el cuarto registro aparece una escalera, esto nos presenta una idea de una escena de tipo constructiva. En consecuencia esta estela no trata una escena de victoria militar, sino de tipo devocional, lo cual explica el carácter hierático y estático de sus figuras.
Tema 9 - Arte Babilónico Y AsirioCon el rey Hammurabi (1792-1750a.c) la ciudad de babilonia o babel, adquirió un enorme papel, convirtiéndose en la capital de un nuevo imperio que abarcaría toda Mesopotamia.Tras la muerte de Hammurabi, el imperio entra en decadencia, y hacia el 1530 a.c. la invasión de los hititas pondría definitivamente fin a su poderío.La escultura no alcanza un alto grado de perfección técnica, La pintura mural, de esta época se conserva aun un número de estas. En estas pinturas se presentan temas mitológicos, religiosos y otras de carácter militar. Arte en el imperio AsirioImperio Antiguo Asirio (1813-1760 a.c.)Imperio Medio Asirio (siglos XIV-XI a.c.)Imperio Nuevo Asirio (siglos IX-VII a.c.)La cultura Asiria se caracterizo por una férrea organización militar. Bajo el poder de una monarquía que llego a dominar toda Mesopotamia. El relieve fue el medio de expresión que eligieron lo asirios para poder expresar una intención completamente nueva. Esto es representar un acontecimiento histórico preciso en un tiempo y lugar real.Los ortostatos AsiriosAsiria se va a convertir desde el siglo XIV a.c. en un imperio con diferentes capitales, entre las más importantes estaban Assur, Jorsabat, y mínibe. Se construyeron palacios reales con monumentales relieves en grandes losas de piedra.Estas losas comprenden acciones de cacería y militares, que son dos temas principales que se representan en los ortostatos, y todas ellas protagonizadas por los reyes. También el tema mítico, la lucha del héroe contra las fieras. La pintura mural asiria Se conservan fragmentos del palacio Tiglatpileser III en Til Barsip.Esos fragmentos representan tres escenas, una es desfiles de pueblos tributarios ante el trono del rey.En segundo lugar escenas de batalla, en donde se ajustician a los prisioneros.Y en tercer lugar las escenas de cacería.Predominan los colores puros como el azul con toques de color rojo y negro.El segundo Imperio Babilónico Comienza con la victoria del general babilónico Nabopolasar sobre los Asirios en el año 626 a.c.Gracias a esa victoria se proclamara rey de Mesopotamia occidental además de rey de Elam, Siria y Palestina.El último rey del imperio neo babilónico fue Nabonido (556-539 a.c.) su reinado finalizo con la caída de babilonia a manos del monarca persa Ciro el Grande.Babilonia fue reconstruida en tiempos de Nabocodonosor II.Una de las características más vistosas es que el Éufrates atravesaba la ciudad. Otros de los hitos de la ciudad será su zigurat, que se alzaba 100 metros de altura, famoso, conocido como la torre de babel.También conocida por los jardines colgantes de babilonia, una de las 7 maravillas del mundo antiguo. Durante esta época los ladrillos esmaltados adquirieron una gran importancia, debido a que adornaban las calles y puertas de babilonia. Como la puerta de Ishtar. Que daba paso a la vía de las procesiones, presentaba un alto zócalo de ladrillos esmaltados, donde predomina el fondo azul resaltando varias franjas en tonalidades anaranjadas, empleándose también otros colores como el blanco, negro, verde.Esa vía quiere representar fiereza, son 120 leones de unos 2 metros de longitud, son los que franquean esos zócalos. Son merlones escalonados los que coronan la puerta. Y se intercalan toros y dragones.En el mismo museo se encuentra la fachada delsalón del tro no, en el museo de pérgamo en Berlín. Similitud artística con la puerta. Con volutas que representan palmeras.
díptero, porque está rodeado de dos hileras de columnas.El más interesante o hermoso es el Templo de Zeus Olímpico en Atenas, construido por iniciativa del rey Antioco IV Epifanes Rey de siria.Se trata de un templo octastilo, díptero..Una descendiente del faro de Alejandría seria la Torre de los Vientos Atenas.De arquitecto Andrónico de Cirro 50 a.c.Es un prisma de planta ortogonal, decorado con un friso en relieve, y en cada relieve se ha representado cada una de las figuras de los vientos. Tenía una veleta en la cúspide, y en cada una de las caras había un reloj de sol.Mientras que en el interior había un reloj de agua o clepsidra.Características generales escultura helenística En los momentos iníciales, los dos principales focos escultóricos del mundo helenístico van a seguir siendo Atenas y Sicione el Boethos de Calcedonia (EL niño de la oca) siglo II a.c. la original en bronce se ha perdido. Se ha dado un gran paso hacia adelante a la hora de representar el cuerpo infantil, antes no se representaba apenas, seguramente porque no tenía que ver con su ideal atlético. el Fauno Barberini o el Boxeador sentado.El fauno aparece vencido sobre una roca con una piel de pantera usada como único colchón. Fue una figura muy restaurada en el XVII, restaurada por Bernini, restaurando prácticamente toda su pierna derecha.De gran plenitud nos encontramos la escultura del boxeador sentado, escultura original que ha perdido los ojos incrustados.. Podíamos decir que nos muestra la degradación humana, mostrándonos un musculoso con la nariz rota, y mejillas ensangrentadas. Manos con lajas de cuero dejando los dedos al aire. Y después vendas de lino en los puños y antebrazos.ESCUELAS Q FLORECEN EN EL MUNDO HELENISTICO: Escuela de Pérgamo:Pérgamo fue la única ciudad helenística que tuvo la capacidad de rivalizar con la mismísima Alejandría desde el punto de vista cultural. En el desarrollo de esta escuela se distinguen dos fases. La primera fase se desarrolla entre 250-200 a.C., y en el trascurso de estos años brilla con luz propia un monumento publico mandado levantar por el rey Átalo I en el 228 a.C. para conmemorar la victoria del ejercito de Pérgamo sobre los gálatas y los sirios. Contrasta el cuerpo desnudo del gálata, vestido únicamente con un manto corto, y el cuerpo ya vestido de su esposa cadáver cuyas formas fluyen hacia el suelo, contrastando con el vigor que todavía muestra el soldado. La segunda fase se encuadra en la primera mitad del s. II a.C. La escena más reproducida es en la que aparece la diosa atenea en el centro agarrando por los cabellos a un gigante rodeado por una serpiente. La diosa atenea está siendo coronada de laureles por una representación de la victoria, la diosa Nike. Escuela de Alejandría:Esta ciudad fue fundada por Alejandro Magno en la desembocadura del rio Nilo. La escultura que va a florecer en esta escuela de Alejandría responden a unos rasgos de características generales: su profundo aticismo, es decir su herencia de la escultura ática, siguiendo la escuela marcada por los discípulos de Praxíteles acostumbrados a difuminar y pulir las superficie marmolea, destaca la fusión que se produce entre los elementos griegos y egipcios aunque a veces esa unión sea poco afortunada; Escuela de Rodas:En esta escuela predominará la influencia de ese escultor del s. IV, Lisipo, quien tuvo en esta isla de rodas a uno de sus más importantes discípulo, llamado Cares de Lindos. Este escultor levanto en el puerto principal de la isla el Coloso de Roma, una de las maravillas del mundo antiguo.). Una de las obras más sobresalientes de esta escultura es la Victoria de Samotracia (Museo del Louvre). El primero de esos grupos es el conocido Toro Farnesio (Museo Nacional de Nápoles), obra de dos escultores: Apolonio de Tralles y su hermano Taurisco. Este grupo escultórico fue encontrado en el 1546 en las termas romanas de Caracalla. Se representa el castico que se le impuso a la joven Circe por parte de dos hermanos gemelos llamados Anfion y Zeto quienes la ataron a un toro salvaje. El segundo grupo escultórico es el Laoconte obra de Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Se realizó en el año 50 d.C. estando destinada a un mecenas romano. Se representan el momento en el que el sacerdote troyano, Laoconte es atacado junto a sus hijos por unas serpientes que acabaran con sus vidas insertándose este momento con el final de la Guerra de Troya. MOSAICOS:El arte del mosaico apareció muy pronto en Grecia, probablemente en el s. IV a.C., y estaba destinado a alcanzar una enorme difusión en el mundo grecorromano como una nueva técnica para decorar suelos, paredes, bóvedas,… Dos tipos de mosaicos destacan desde un principio: el mosaico de guijarros y el mosaico de teselas. El primero va a utilizar piedras naturales blancas, grises, o ligeramente coloreadas de pocos centímetros de diámetro que se localizaban en las playas o en los ríos secos y que se trabajaban con ellas manteniendo su forma original Estos mosaicos nos representan temas de tipo geométrico. En cuanto al mosaico de teselas es lo que en roma ya se conocerá como el opus tessellatum. En esta técnica del mosaico de teselas no encontramos una mayor riqueza cromática, de tal manera que con este tipo de mosaico se obtiene unos resultados muy cercanos a la de la propia pintura.
Tema 16: arte etruscoIntroducción histórica:Los etruscos nunca llegaron a formar una nación unificada, sino más bien un especie de confederación o liga de ciudades-estado cada una de las cuales estaba gobernada por su propio rey. -Entre mediados del s. VIII a.C. y los comienzos del s. V a.C. están ciudades-estado fueron colonizando un amplio territorio de la Italia central en una constante expansión que llegaría a incluir la propia ciudad de Roma. Roma llegaría a ser gobernada por una serie de reyes etruscos hasta que se produjo la fundación de la republica romana..Arquitectura etrusca:Los materiales preferentemente utilizados por los etruscos en sus construcciones fueron el adobe y la madera mientras que la piedra, sobre todo la de origen volcánico, se utilizo casi exclusivamente para los pavimentos y para los cimientos de los edificios. Los etruscos conocieron e introdujeron el arco e algunas de sus edificaciones. Ellos colocaron también como en oriente arcos en las puertas principales de sus ciudades. Esos arcos, generalmente de medio punto, estaban construidos en piedra de formato trapezoidal (dovelas) que se mantiene gracias a la presión que se hacen unas contra otras ( arco etrusco en Volterra , Puerta etrusca en Perugia ).A veces se combina el arco con los órdenes arquitectónicos a través de las pilastras, columnas o pilares.La forma de estas tumbas pueden variar, pero distinguimos dos grandes tipos: por una parte los enterramientos excavados en la roca y las tumbas como construcciones independientes entre sí y cuya cámara sepulcral queda cubierta por un túmulo de tierra que constituye su arquitectura exterior. Interiormente las cámaras sepulcrales eran subterráneas y trataban de reproducir el ámbito domestico que el difunto pudo disfrutar en vida por eso nos podemos encontrar con pasillos, habitaciones, escaleras hasta en la techumbre se intenta reproducir las vigas de maderas.La Tumba de los relieves en la necrópolis de Banditaccia, esta totalmente decorada con relieves que imitan los objetos de la vida cotidiana que utilizarían los difuntos de esta tumba y todo ello policromado. Escultura etrusca: La escultura etrusca esta consagrada con fines casi exclusivamente religiosos y funerarios. Entre sus características generales destacan la expresividad, la rapidez de ejecución, la búsqueda de la espontaneidad… rasgos que nos revelan que la escultura es fruto de artista especializados en el barro. La mayor parte de las esculturas etruscas están hechas en terracota aunque también se utilizo bronce. El color también desempeño un papel decisivo en el estatuaria etrusca, no como un simple añadido sino ligado íntimamente a la forma escultórica.. La escultura muestra un claro paralelismo con lo que se estaba realizando en la Grecia contemporánea pero está hecha en terracota y gracias a ello el autor se ha permitido representar al dios Apolo andando con un sentido dinámico, cosa que no encontramos en la escultura griega ya que sus esculturas eran en piedra. El cabello nos recuerda a los kouroi griegos (ojos expresivos, rasgos afilados, sonrisa arcaica…). Todo indica ese intercambio de influencia artística entre el mundo griego contemporáneo y la cultura etrusca. La loba capitolina representa a la loba amamantando a los gemelos Rómulo y Remo. Esta escultura al aplicarle el carbono 14 se descubrió que no es una escultura etrusca sino una figura bajomedieval del s. 14 imitando a la escultura etrusca. Los niños fueron un añadido del s. 15. La Quimera de Arezzo (Museo Arqueológico de Florencia, s. IV a.C.) representa a un monstruo mitológico, con la cabeza y el cuerpo de un león, cola d serpiente y en el lomo le crece una cabeza de cabra. Belerofonte montando en el caballo Pegaso dará muerte a esta bestia.A los etruscos le gustaba representar a los animales con cierta fiereza (boca abierta) y con mucha naturalidad. El Marte de Todi (finales del s. V a.C., Museos Vaticanos) es una de las esculturas etruscas que tienen una mayor influencia ática, de hecho se ha señalado un recuerdo cago de lo que sería la escultura del Doríforo de Policleto.Se representa al dios de la guerra Marte, vestido con una armadura, con una lanza en la mano izquierda y un platillo en la derecha. Ha perdido el casco que tenía en la cabeza pero mantiene sus ojos incrustados. Otra escultura dentro de panorama de la escultura etrusca en bronce es L’ Arringatore. Esta escultura se crea con la técnica de la escultura en hueco en el s. 100 a.C. en el borde inferior de la toga del personaje hay una inscripción etrusca en la que aparecen datos de cierta importancia como el hecho de la identificación del personaje que se representa, Aulo Metello, otro dato más es que fue esculpida en un taller romano. Ha perdido los ojos de incrustación y se representa con la mano derecha extendida como reclamando atención y la toga propia de la clase alta de la sociedad.Pintura mural en el mundo etrusco:La pintura mural etrusco tiene u carácter esencialmente funerario, de hecho podíamos calificarlas como pinturas de tumbas. Estas pinturas sobra las paredes interiores de las tumbas cumplen la función de crear un ambiente familiar para lo que será la existencia definitiva del difunto, en ese sentido la pintura llegan a reproducir en colore hasta los elementos arquitectónicos que serian comunes en cualquier casa etrusca (cornisas, vigas,…).Artes decorativas etruscas: En el campo cerámico la aportación más original e interesante se encuentra en las denominadas vajillas de Bucchero. Estas vajillas que se producen desde mediados del s. VII a.C. En cierto sentido estas cerámicas se pueden considerar como las cerámicas nacional etrusca. El modo de fabricar y cocer estas obras es lo que le va a proporcionar su color negro y brillante característico. También son muy representativos de la cultura etrusca los vasos cinerarios de arcilla. Los etruscos realizaron también en abundancia un tipo de recipiente que se conoce como cista, Son recipientes cilíndricos que cuentan con sus tapas decoradas con figuras y con relieves en su cuerpo cilíndrico.la Cista Ficoroni (Museo Nacional de la Villa Giulia de roma) que se encontró en Palestrina y en ella podemos observar la influencia griega en su aparato ornamentar. De hecho el relieve que se representan en el centro es el mito de los argonautas. Las tres figuras exentas que aparecen coronando la tapa están representando al dios del vino en el centro acompañado con dos sátiros a sus lados.
Tema 17Arquitectura Romana Unos de los momentos culminantes de la historia antigua fue el periodo de ascenso de una ciudad relativamente modesta, austera, de la zona central de Italia, Roma. Como la muralla de Ardea. También está el OPUS POLIGONALE, también las aristas pueden adoptar las aristas de un polígono.El OPUS AFRICANUM, ya que adopta su gran expansión en provincias africanas, alterna materiales pétreos verticales con paños de relleno confeccionados mediante sillarejos, es decir sillares pequeños y de labranza tosca. Otro material de gran orden es el que utiliza mortero y hormigón OPUS CAEMENTICIUM_._ Como el pavimento de Pompeya.El OPUS LATERITIUM utiliza el ladrillo como material, que se utiliza a partir del siglo I a.c. horno panadero en Pompeya El OPUS MIXTUM mescla ladrillo y piedra, técnica que otorga una bicromía a lo que es la visión de los muros. Teatro romano Nápoles. Los romanos van a adoptar los órdenes arquitectónicos griegos, pero ingresaran numerosas novedades.El orden predilecto en roma es el corintio, es el preferentemente utilizado a lo largo de toda la arquitectura romana. Y es el que más se acerca al orden originario griego.Una de las principales aportaciones de roma va a ser el capitel compuesto. En ese capitel se combinan las volutas de orden jónico con las hojas de acanto del corintio. Dando lugar a un nuevo orden.En el arco de Tito , año 81 d.C. aparece el orden.Con bastante frecuencia las columnas de los distintos órdenes arquitectónicos aparece en superposición de órdenes arquitectónicos distintos en la misma fachada. Como en el Coliseo, que aparecen los tres órdenes en su fachada.El tipo de arco preferente romano es el arco de medio punto Anfiteatro de Aquincum Otra novedad es la superposición del dintel al arco, así que va a simultanear dos órdenes contradictorios. Los ordenes arquitrabado y abovedado-Un empleo que no es propiamente constructivo, de los ordenes arquitectónicos, ya que lo habitual seria encontrarnos las columnas adosadas al muro, ello convertirá a la zona del entablamento a una zona decorativa mas.Nos encontramos una gran libertad del empleo ornamental, arco de séptimo severo. En cuanto a la bóveda en roma, presentan un gran número de variedades. Ya se utiliza de una gran perfección técnica ya a partir de la segunda mitad de siglo II a.c.La más utilizada es la bóveda de cañón, resulta simplemente la prolongación de un arco de medio punto (el intradós) es el relieve de la bóveda.También está la bóveda de arista, que es el resultado de cruzar dos bóvedas de cañón. Y un tercer tipo de bóveda, la bóveda de horno, o de cuarto de esfera. Basílica de Majuencio roma. Desde un punto de vista de urbanismo, la ciudad romana suele tener planta cuadrangular y como mínimo una puerta de acceso en sus cuatro flancos, y corresponden con las dos calles principales Plano de Caesaraugusta (Zaragoza)Tales ciudades romanas suelen estar amuralladas y esas murallas suelen estar reforzadas de torres sobresalientes. Murallas Aurelianas de roma. Las ciudades romanas no son islotes independientes entre sí, si que son ciudades que buscan comunicarse a través de la construcción de calzadas o vías de trazado rectilíneo. En roma aparecen también los Poste miliarios, que median las distancias en millas. Poste en Bélgica y calzada romana de la Fuenfría Segovia. La parte más monumental de roma es el foro, ya que allí están los principales edificios de la ciudad y los principales templos. El mayor foro de roma fue el foro de trajano , diseñado por un arquitecto oriental, de Damasco, Apolodoro. Es el que mayor maltrato urbanístico ha tenido. Junto a la ciudad de los vivos, se suelen emerger las necrópolis o ciudades de los muertos. Extramuros, fuera de las murallas. Mausoleo de Cecilia Metella , aunque su coronamiento es medieval. O el mausoleo de Augusto , con mismo formato cilíndrico.Y el mausoleo de Adriano en roma actual Castel Sant’ Angelo. Que aún conserva su basa romana.También los hay de planta cuadrangular_. El mausoleo de Glanum_ , 30-20 a.c. Muy rico en ornamento, sobre ese basamento se sitúa un “Tetrapilon” un templete de cuatro caras, y este se corona por un templete circular de diez columnas corintias. La pirámide de Cayo Cestio en Roma, 12 a.C. se infiltra la moda egipcia.
18.Escultura Romana .Es la más griega, la más dependiente, de todas las bellas artes Romanas. Hay que restarle tres cosas al arte griego que imitan, la primera es el retrato (en primer lugar deriva de la retratística etrusca. En segundo lugar del retrato fisionómico helenístico, y en tercer lugar del imagines maiorum, obtenidas a base de obtener mascarillas de cera de los difuntos). Representaciones de Dioses. Cabeza de un Zeus, en este caso Júpiter, de pelo largo, barba larga, aspecto de persona mayor. Museo de Mérida. Busto de Atenea , en este caso Minerva, pelo típico del siglo IV de Grecia, la distribución del rostro, boca carnosa pero pequeña…Con el casco corintio. Pequeña estatuilla de Afrodita, en este caso Venus, y corresponde al formato de Venus púdica. Al ser una estatua de pequeño tamaño, no tiene el grado de perfección de la estatuaria griega.Cuerpo de Venus, que se ha querido poner en relación con la Afrodita, que está en las Termas. Corresponde a una Venus púdica, a pesar de que le falta los brazos y se ve el torso completo.Venus, que se puede considerar púdica, pero que por los elementos de su alrededor se le llama Anadiomene (saliendo del baño). Está en el museo de Mérida. La Venus aparece desnuda, a sus pies aparece el delfín, y sobre él cabalgando el Cupido.La Venus de Itálica, apareció en las proximidades del teatro, en 1940. No es una Venus púdica, ya que la mano esta a un lado sujetando la hoja de loto, y la rodea el manto que realza la tersura del cuerpo. Ha pasado de decirse que se consideran esplendidas copias romanas del siglo II, a decirse que son originales griegos traídos desde Grecia. Cabeza de Venus, de Itálica, peinado con raya en medio, recogido en un moñete, con unos surcos hechos con trépano, para que tengan un claroscuro que enmarquen el rostro.Cabeza llamada Hispania , de una Venus, con un peinado poco frecuente, pelo liso, pero rostro netamente clásico. teatro de Itálica, es la estatua de Diana cazadora, que se representa vestida con un peplo corto. El manto que suele llevar el peplo encima lo lleva enrollado en la cintura. Sobre el pedestal, la piel del carnero que la acompaña siempre. El peinado propio clásico, con una diadema que la señala como diosa. Mercurio, un dios que con el caparazón de una tortuga y los cuernos de un antílope, se hizo la primera lira. Todo está siguiendo la tradición, la mitología y la estética. De Mérida. El Hermes , el mercurio, de itálica. Nos muestra un personaje desnudo, en actitud de marcha, cargando el peso sobre una pierna, marcando la diarthrosis, con una fíbula sujeta una clámide. Llevaría a Baco en brazos, aunque no se conserva. Lleva sandalias con alas. A fines del siglo XVII apareció un torso, bastante mutilado, en 1901 apareció el pedestal con la pierna derecha. La pierna izquierda es una adosación reciente. Es la tercera gran pieza encontrada cerca del teatro de itálica. EL ARTE ROMANO Rasgos generales En lo referente al arte romano decir que al principio aparece como una pálida imitación de los estilos ya existentes. El mundo romano fue un fiel continuador de las formas artísticas griegas en escultura y en pintura, pero supo hallar interesantes soluciones a los problemas tectónicos planteados por la arquitectura. Podemos decir que los romanos consideraron el arte griego como modelo de referencia copiando alguna de sus grandes obras. La pintura Actualmente se conservan pocas obras, pero se sabe por la literatura antigua que los artistas romanos trataron una gran variedad de temas, incluyendo acontecimientos históricos, mitos, escenas de vida cotidiana, Los retratos pintados Los retratos pintados durante el Imperio han aparecido en diferentes lugares de Egipto. Estos retratos muestran el alto nivel de los pintores romanos y reflejan los gustos del momento aportando una visión de la evolución del retrato durante el periodo imperial. La pintura mural De la pintura mural, en cambio, se conservan varios ejemplos, sobre todo en Pompeya y en las otras ciudades que fueron enterradas en el año 79 d.C. por la erupción del volcán Vesubio. Se distinguen cuatro etapas denominadas estilos pompeyanos. ·Los estilos primero y segundo El primer estilo (120 y 80 a. C.), se basa en la decoración griega de interiores y a veces se denomina como el estilo de incrustación porque sus pinturas sobre el yeso se utilizaron para imitar el aspecto de los muros de mármol pulidosEn el segundo estilo ( 80 al 15 a.C.), se intentó crear por medio de la perspectiva una ilusión espacial que se prolongaba más allá de la superficie mural. Las columnatas, los jardines, los escenarios y los templos circulares fueron motivos usuales. ·Los estilos tercero y cuarto En el tercer estilo (15 a.C.- 63 d.C.) el ilusionismo del segundo estilo se suprimió en favor de arabescos lineales sobre fondos de un único color. De este estilo es importante la decoración de la villa de Agripa Postumo en Boscotrecase. El cuarto estilo (63 al 79 d.C.) , desarrollado antes de la erupción del Vesubio, es el estilo más complejo. Los motivos arquitectónicos estaban formados por estructuras fantásticas e imposibles de construir, como las de la casa Vetii en Pompeya. Otras artes. Los mosaicos En todas las partes del imperio se han encontrado mosaicos. Destaca los modelos abstractos de teselas blancas y negras, o las composiciones polícromas, como el suelo de la casa del Fauno en Pompeya. A veces los techos romanos se recubrían de mosaicos. En España se conservan muchos mosaicos de época romana. Entre ellos cabe destacar los del Museo de Barcelona, los del Museo Arqueológico Nacional de Madrid, los de Tarragona, los del Museo de Navarra en Pamplona, etc...
EL ARTE PALEOCRISTIANOPaleocristiano, etimológicamente significa cristiano viejo, por tanto, será el arte de las primeras comunidades cristianas que se desarrollaron dentro del Imperio Romano..Arquitectura Paleocristiana Antes del Edicto de Milán : “tívolis” son pequeñas oglesias de exterior austero para no despertar sospechas, localizadas normalmente en las “villa” de la población cristiana más acomodada.Catacumbas: lugares de enterramiento que encontramos por todo el imperio. Consisten en una red de galerías en las que se excavan los lugares de enterra,iento ( nichos o sarcófagos) y en las que también encontramos “criptas” como espacios cubiertos con arcos de medio punto bajo del cual se situa un altar que permite desarrollar la liturgia cristiana. Después del Edicto de Milán(313dc ) Después de esta fecha los emperadores regalan a los cristianos edificios paganos que serán reutilizados como templos. Estas construcciones se caracterizan por la sobriedad exterior mientras que la decoración ocupa el interior. A lo largo de esta segunda etapa del arte paleocristianose utilizan dos modalidades de plantas que continuarán siendo los modelos a lo largo de la edad media:Plantas longitudinales: las basílicas tenían un valor simbólico ya que reproducían la cruz. La estructura es la siguiente: planta rectangular compuesta. Son construcciones que constan de tres o cinco naves, la central el doble de ancha que las laterales, esta nave cemtral conduce hacia el altra mayor situado en el ábside. La nave central se separa de las laterales por columnas de capiteles corintiosque sostienen arcos de medio punto o dinteles; recibe la iluminación directa mediante los vanos que se abren sobre las naves laterales. El techo de las naves es plano y puede estar compartimentado en canalones. El cierre del edificio se realiza con un tejado a doble vertiente.Las obras más importantes son: San Paul extramuros, Santa Savina, Santa Maria la Mayor (única que no fue reformada en el renacimiento).Plantas centralizadas: aquellas que además de un espacio-camino, un foco central.Pueden tener diferentes formas: circular, poligonal, o en forma de cruz griega. El desarrollo del monacado dentro de las primeras comunidades cristianas hará necesario que se busque un nuevo tipo de construcción, los monasterios, que faciliten la vida comunitaria.Los monasterios ahora no son importantes, peró sí lo serán a partir de Bizancio, ya que serán el punto básico del mantenimiento y difusión del cristianismo.Escultura PaleocristianaPodemos distinguir las mismas etapas que en la arquitectura: Antes del Edicto de Milán En la primera fase encontramos el uso de formas paganas que vienen de un nuevo conjunto de ideas cristianas; en las época de la iglesia triunfante.Las comunidades cristianas deben buscar un lenguaje sencillo para sus fieles. La plástica paleocristiana deriva de la romana decadente, tiene las mismas características estilísticas, pero es un momento muy importante desde el punto de vista iconográfico porque se desarrollan la mayor parte de los temas de símbolos del cristianismo posterior. Este modelo nos recuerda a la escultura del Moscóforo: se utiliza una form clásica a la que se le ha cambiado la simbología, esta es la base del arte paleocristiano. Después del Edicto de Milán Apartir del Edicto de Milán surge un tema nuevo que es el del Cristo o Dios Doctor, personaje que representa un hombre adulto con barba sentado en el trono divino que lleva en una de las manos las Sagradas Escrituras y en la otra está bendiciendo, se trata de un modelo creado en el territorio romano oriental que se convertirá en una figura fundamental, es en el arte cristiano medieval, el Pantocrator, nombre que designa al creador de todas las cosas.Cabe destacar dentro de las manifestaciones escultóricas los relieves de los sarcófagos que siguen toda la tipología estudiada en Roma:,Sarcófago con estrigilos, es decir, con lineas serpenteantes. A veces también encontramos el crismo.,Sarcófago de una banda, concentrándose la decoración en el friso.,Sarcófago con clipeum,Sarcófago con tabernáculos, las escenas compartimentadas en metopas.Los materiales de estos sarcófagos son mármol, o terracuita.La iconografía procede del antiguo y del nuevo testamento, pero también localizamos temas o motivos paganos cristianizados.Pintura paleocristiana Tiene un carácter tosco y rudimentario. Debemos tener presente que los cristianos no quieren reflejar una realidad física o espiritual; por tanto se descuida la forma y se potencia el simbolismo. Se trata de una pintura planimétrica, sin modelados o perspectiva, sin sensación de relieves..Es una pintura al fresco que utiliza temas o símbolos clásicos, reinterpretados pero que después del Edicto de Milán amplian su repertorio siguiendo la misma linea que la escultura (Cisto Buen Pastor, Cristo Doctor).En el interior de las iglesias se prefiere el uso del mosaico ue sigue la técnica de los romanos.
