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RENACIMIENTO EN ITALIA
1. ARQUITECTURA QUATROCCENTO
- Desarrollo tardío con respecto a la pintura y escultura.
- Florencia en el s. XV encabezaba la producción artística y del pensamiento humanista. Los Médicis son los grandes banqueros, dueños de la ciudad y mecenas de los artistas más importantes.
- En Roma acudían para formarse los artistas. Se estudiaban los grandes monumentos artísticos de la Antigüedad.
- Divina proporciones (Paccioli): teorías de arquitectura. La arquitectura ya no obedece solamente a principios religiosos. El edificio es resultado de un cálculo matemático que deriva del conocimiento científico y del ideal de belleza. La proporción aurea se impone en muchas creaciones.
- Desaparece la concepción medieval basada en la tensión longitudinal. Por influencia de los clásicos se tiende a utilizar planos centrales y horizontales, con interiores anchos y desahogados. Se prefieren las bóvedas de arista y medio cañón. Abundan los arcos de medio punto apoyados en columnas ligeras, en las paredes pilastras (muro sustentáculo de los edificios, no las columnas).
- El orden predominante es el corintio, era el mas empleado por los romanos y el mas imitado en tiempos medievales.
- Hay una primera fase donde se buscan los elementos esenciales y estudian las proporciones y los órdenes. La segunda mitad es de esplendor decorativo.
♦ FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)
De los primeros en emanciparse de las tradiciones locales. Brunelleschi investigó los viejos edificios del clasicismo romano levantando planos, plantas y alzados, obsesionado por representar la arquitectura tridimensionalmente. Ya en la primera mitad del siglo XV, dejará sentadas las características esenciales de la arquitectura humanista del Renacimiento italiano.
- Santa Maria del Fiore, 1420
Cuando acepto el encargo la cúpula llegaba ya al tambor de arranque. No fue una invención suya la idea de la cúpula (Arnolfo di Cambio). Brunelleschi no tenia que resolver un problema de dimensiones sino de construcción, ya que la forma octogonal obligo a una solución gotica nervada.
Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una cúpula en forma de curva parabólica, que en realidad esta formada por dos: una inferior, y otra exterior, de ladrillo y dividida en tramos a modo de gajos.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal (octógono) decorado con mármoles. En cada
uno de los lados se abren ventanas circulares. Exteriormente la enriqueció con una balaustrada que no llego a terminarse por expreso deseo de Miguel Angel.
- Basílica San Lorenzo de Florencia 1421
Inspirada en las basílicas paleocristianas que Brunelleschi estudío, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, con la nave central más alta y ancha. En el interior, la nave central tiene cubierta adintelada con casetones y las laterales bóveda de arista. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas entablamento en el que descarga cada arco de medio punto. En el crucero dispuso de cúpula como abovedamiento. Brunelleschi busca en esta iglesia básicamente dos aspectos: horizontalidad y armonía. Lo inicia aquí y lo repite en Santo Spirito.
- Iglesia Santo Spirito 1436
- Palacio Pitti 1440
No existe documentación de su autoria, hay apuntes que hacen pensar que fue él el arquitecto tracista. Palacio de gran sobriedad y auteridad. Tres pisos superpuestos, destacan el juego y la armonia de la balaustrada y las ventanas. Este palacio marcará las pautas de los palacios posteriores. El aspecto externo es casi de una fortaleza. Tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen en torno a un patio. Aspecto medieval pero sin torreones.
- Fachada Hospital Inocentes 1419
Obra enteramente renacentista. Ligereza del pórtico, amplios vanos y esbeltas columnas. Pórtico de tránsito entre la parte pública y la interna del hospital. En las enjutas de los arcos hay tondos o medallones policromados con figuras blancas (bebés que piden) sobre fondo azul. El piso superior destaca por su opacidad, aparecen ventanas coronadas por frontones. Este es el primer ejemplo de Renacimiento.
pocas columnas exentas. Dentro del marco arquitectónico dedica especial atención a las iglesias. Para el ideal de iglesia del Renacimiento se caracterizaban por: planta centralizada (naturaleza), formas geométricas (pueden inscribirse a un circulo), racionalización del espacio (en un lugar público la iglesia debe situarse sobre un podio), debe tener pórtico o columnata.
- Palacio Rucellai (1445-1451), Florencia
Es su primer encargo arquitectónico importante en Florencia. Dispone el palacio en torno a un patio central, siguiendo la disposición de la típica domus romana, y se centra en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más novedosas. Divide la fachada en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido horizontal, aunque estas divisiones horizontales no coinciden con la altura real de las plantas. Para romper la horizontalidad introduce una serie de pilastras verticales en las que emplea la superposición de órdenes clásicos. Con ello consigue, además, un interesante juego de luces y sombras. El palacio se convirtió en un modelo a seguir en las sucesivas construcciones de residencias señoriales.
- Templo San Francisco o Templo Malatesta de Rimini (1447-1450)
Sigismondo Pandolfo Malatesta, príncipe de Rimini, encargó a Alberti transformar la iglesia de San Francisco y convertirla en un templo en el que disponer su sepultura, la de su amada Issotta degli Tai y las tumbas de los hombres ilustres de Rimini. Aunque el proyecto quedó inacabado, se sabe que Alberti planteó la fachada principal a modo de arco de triunfo y que para el ábside quería desarrollar una gran rotonda cubierta por una bóveda hemisférica. Se estructura partiendo de un alto basamento sobre el que parten 4 columnas adosadas y sobre ellas el arquitrabe. En los intercolumnios situa tres arcos. Quedo inacabada, nos recuerda a un edificio romano en ruinas.
- Santa María Novella (1456-70), Florencia.
Bajo la petición de Rucellai en 1456, acomete la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inacabada. El principal problema era integrar los elementos de épocas anteriores. Alberti completó la fachada, la parte del basamento ya estaba realizada, con una ordenación clásica, basada en la proporción. Para unificar el conjunto y armonizar los elementos previos góticos con los nuevos, renacentistas, utilizó la taracea de mármoles de colores, una tradición constructiva toscana. Consiste en la combinación de mármoles blancos y verdes oscuros. La solución final es una fachada a modo de telón delante de una iglesia gótica. La fachada llega a un planteamiento numérico con una connotación música.
- Iglesia de Sant'Andrea (1472), Mantua.
Alberti sigue en esta iglesia el concepto de "templum etruscum" que ya había expuesto en su De re aedificatoria. La iglesia presenta planta de cruz latina con una única nave y capillas laterales rectangulares. La fachada es majestuosa, con un gigantesco orden de pilastras que soportan un frontón triangular. No sabemos por que implanta este estilo en Mantua, lo que si sabemos es que esta iglesia va a tener una enorme repercusión sobre Vignola que va tomar esra planta y la va a reproducir en Il Gesú y esta iglesia va a servir como modelo para la compañía de Jesús. La iglesia tiene planta de cruz latina, cubierta por bóveda de cañón y cúpula de crucero. La fachada retoma la imagen de los arcos triunfales, inspirada concretamente en la de Tito en Roma pero con una terminación original.
♦ FILARETE (1400-1469)
Las formas toscanas llegaron a la Lombardía por Filarete, artista polifacético (orfebre, escultor y arquitecto). Se formo en Venecia y en Milán trabajo para los Sforza, quienes se convierten en grandes mecenas. Filarete tiene una fantasia desbordante de formas góticas y orientalizantes. Sus proyectos son extraños y románticos. Es un teórico de la arquitectura y del urbanismo. Lo mas elevado de su romanticismo lo plasma en “ciudad ideal”. Concibe un proyecto de una autentica ciudad renacentista llamada Sforzinda. Es un proyecto fantasioso y para nada practico. Lo concibe como una circunferencia rodeada con murallas y una plaza central, donde la arquitectura es simetría e introduce construcciones en formas de pirámides y obeliscos.
- Puertas Basilica San Pedro Roma (1433-45)
- Torre de los Castillos de los Sforza, Milan
- Hospital Mayor de Milán
♦ GIOVANNI ANTONIO AMADEO (1447-1522)
Uno de sus primeros trabajos le sitúa en la cartuja de Pavía hacia 1466, donde ejecuta la puerta del claustro pequeño y las esculturas que cubren la fachada. Para su realización contó con la ayuda de Mantegazza. También queda constancia de que intervino en la Capilla Coleoni de Bérgamo y en 1481 fue nombrado arquitecto de obra del Duomo de Milán. A este periodo también corresponden los relieves de la catedral de Cremona. A partir de la década de los noventa incrementa su actividad como arquitecto y trabaja en la portada de la Cartuja de Pavía. Unos años después interviene en el cimborrio del Santuario de Saronno, entre otras obras. Pero su proyecto más importante, dentro de
- Dominio del desnudo, de la anatomía, protegida en el mundo medieval por imperativo religioso. Se recupera la representación de Venus y Apolos conviviendo la iconografía pagana con la cristiana.
- La escultura supuso volver a cultivar el retrato, un retrato muy apegado al estudio del natural y ferozmente realista. Recuerda a los retratos romanos de época republicana con indumentarias clásicas romanas. Los caballeros son retratados con toga. Aparece el retrato ecuestre inspirado en Marco Aurelio.
- Se utilizan mármoles principalmente pero también se cultiva la escultura en bronce. Donatello fue fundamentalmente broncista y la técnica del bronce se va a seguir utilizando en el s.XVI. Junto al bronce también se utilizará la terracota o barro cocido, un material dúctil y moldeable que responde al primer impulso del artista. Igualmente también se producirán esculturas en madera.
- (^) Florencia en el s.XV era una ciudad prospera donde abundaba el dinero por el comercio y por el buen gobierno de los Médicis. Las buenas circunstancias económicas favorecieron el desarrollo de la escultura. Los principales escultores fueron Giberti, Donatello y Jacopo della Quercia.
♦ JACOPO DE LA QUERCIA (1374-1438)
Nace en Siena, se puede decir que fue el escultor más importante de la ciudad. Se anticipa a su tiempo y junto con Ghiberti y Donatello forman la vanguardia del Renacimiento en Italia. Su formación no esta documentada, es hijo de un mediocre orfebre y tallista que debió formarse en
Florencia, cerca de la catedral. Educado en la tradición gótica, se define como un gran seguidor de
las creaciones renacentistas de Giovanni y Nicola Pisano, pertenecientes a la escuela sienesa. A comienzos del siglo XV se tienen noticias suyas al aparecer como candidato al concurso de la segunda puerta del baptisterio de Florencia, ganado por Ghiberti.
- Tumba Hilaria del Carreto 1406
Fue la primera gran obra que se le conoce y es la que realizo para la Catedral de Lucca. Sigue los modelos romanos antiguos rodeando la cama sepulcral de guirnaldas, que tienen un volumen enorme. La estatua yacente se admira por su severidad con la tendencia del artista a formar curvas angulosas y movidas. A los pies de la difunta que más bien parece dormir plácidamente aparece un perro, símbolo de la fidelidad. Destaca la actitud serena del hombre renacentista ante la muerte. El rostro es de un modelado suavísimo y la luz le confiere gran idealización aunque los ropajes y vestiduras contengan reminiscencias goticas. Incluyo angeles y niños en actitud doliente.
- Fonte Gaia 1414-19, Plaza de la Señoría de Siena
Su forma rectangular rompe con el modelo circular medieval. Esta fuente fue destruida y algunos fragmentos originales se conservan. Entre los fragmentos que se conservan destaca la Virgen con el niño y una mujer con dos niños que contienen diferentes interpretaciones. Para unos representa a Acca Laurentia entre los niños Romulo y Remo y para otros puede ser la representación de la Caridad.
- Puerta Catedral de Sam Petronio de Bolonia 1425
Las realiza al mismo tiempo que Ghiberti realiza las del Paraíso en el Baptisterio de Florencia. En paneles cuadrangulares de mármol representa escenas del Génesis entre las que destaca la Historia de Adán y Eva. Para ello se vale del medio y bajo relieve, llena los paneles de figuras y la ambientación queda relegada a pequeños detalles.
La puerta queda inconclusa y se decora con 10 bajos relieves. Con esto se anuncia nuevos cánones dándole la importancia a la figura humana, descuidando lo anectotico y el paisaje. Las proporciones del desnudo tienen gran fuerza y monumentalidad. Jacopo se adelanto a su época, son figuras de gran realismo y una fuerza expresiva extraordinaria. Siempre utiliza 3 figuras, oponiéndose de forma manifiesta a las escenas multitudinarias de Ghiberti. Este arte fuerte, expresivo de extraordinaria masculinidad va a tener influencias en épocas posteriores. Cuando Miguel Angel se enfrenta al Ppapa huye a Roma y se refugia en Bolonia y allí estudio detenidamente los relieves de esta portada.
Puerta Norte:
Estructurada en molduras cuadradas separadas por cenefas y en los cruces de las cenefas coloca clípeos con cabezas de sibilas y profetas. Las placas muestran 20 escenas de la vida de Cristo, lo que rompe con el plan original de dedicar las puertas al Antiguo Testamento, y 4 tallas de evangelistas y 4 de padres de la Iglesia. La lectura de las puertas va de abajo a arriba y de izquierda a derecha. Cada escena se enmarca en en marco mixtilíneo o cuatrifolio y el autor utilizará el bajo-medio-alto relieve de influencia neo-ática. Busca con ello dar perspectiva, en algunos hace ambientación y otros los deja con fondo liso. Cuida mucho la composición, el orden de las figuras aunque en algunas hay un cierto desequilibrio en la distribución. La decoración vegetal es minuciosa, preocupándose por los detalles como la colocación de aves entre las flores. Coloca un eje principal alrededor del cual gira la escena.
Puertas del Paraíso:
( Puerta Este, 1425-1452), compuesto de 10 episodios de Antiguo Testamento dispuestos en 10 grandes placas de relieve y representaciones de sibilas y profetas junto con pequeños bustos de bronce entre los que aparece su autorretrato. Las placas ya no están enmarcadas por el marco mixtilíneo propio del Gótico y cada una de ellas yuxtapone varias escenas que relatan cada historia del Antiguo Testamento, los retratos de cada figura se repiten en una misma placa de forma perfecta. De nuevo se trata de relieve pictórico con figuras en alto y medio relieve con mucha ambientación. Las decoraciones arquitectónicas le permiten el estudio del espacio. El nombre de “Puerta del Paraíso” lo puso Miguel Ángel después de contemplarlas.
♦ DONATTO DI NICCOLO DI BETTO “DONATELLO” (1386-1466)
Es una figura compleja que permanece en continua evolución. Nacio en Florencia en el seno de una familia sin tradición artística. Su formación fue junto a Ghiberti (10 años mayor que el). Debio formarse mientras trabajaba en las puertas del Baptisterio. Lo que iniciara Ghiberti lo llevara a la perfección Donatello. Se sabe que en 1404 y 1407 fue ayudante de Ghiberti pero su estilo difiere de la elegancia gótica de su maestro. El prefiere la expresividad y renuncia a las superficies pulidas y a la gracia final. Donatello usa el desnudo con un auténtico sentido clásico. También cultiva el retrato, de gran realismo, que realiza de busto o de cuerpo entero y conforme al gusto de la Antigüedad clásica. Presentan cierta rigidez que recuerdan a los retratos de la República romana. Desea conquistar la 3ª dimensión y lo va consiguiendo paulatinamente. Sus esculturas son a la vez realistas e idealizadas, llegando a un alto grado de belleza siempre ajustada a unos cánones, a una relación entre las partes y el todo.
Conoció a Masaccio en 1429 en Pisa, de quién recibió el interés por la perspectiva, y estudió la obra de Alberti “De Pictura”, quien le interesó por el orden en la composición.
El hombre será el centro de su interés, de él estudiará todas sus edades: niño, joven, maduro y viejo, no solamente en su anatomía, sino también en su expresión. Pasa de lo bello a lo feo sin preocuparse, pero siempre tratando de encontrar armonía y belleza. La última etapa de su vida se preocupó por la búsqueda del expresionismo, tratando de captar la idea y las formas, sin importar si están acabadas.
Es el primer escultor que realiza un desnudo en bulto redondo en el siglo XV. Desarrolla la estatua ecuestre a partir de los modelos romanos. Trabaja el bronce, el mármol, la terracota y la madera con igual maestría, pero será en los dos primeros en los que destaque.
- Fachada de Santa María de las Flores (1406-8)
Donatello trabaja junto con Nanni di Banco para realizar la Puerta de la Mandorla en la fachada norte de la Catedral Florentina. Se le atribuyen dos imágenes de profetas realizadas en mármol. “Profeta lateral izquierdo”, muy influenciado por el estilo más goticista de Ghioto. “Profeta lateral derecho”, observamos más la influencia más renacentista de Nanni di Banco o de Luca della Robbia.
- Madonna Pazzi 1420
- Banquete de Herodes 1426-
En estas fechas realiza varios trabajos para la Catedral de Siena, especialmente para el baptisterio en el que realiza un relieve en bronce con el tema del “Banquete de Herodes” utilizando su estilo de relieve clásico. La escena de la danza de Salomé recuerda a las representaciones de las Ménadas griegas.
- Tumba del Cardenal Brancacci 1427
Realizado junto con Michelozzo. Mezcla formas clásicas propias del arte florentino (columnas, cariátides,...) con las tradiciones del arte napolitano (los cortinajes que aparecen abiertos por ángeles). Donatello trabajó en su taller de Pisa y luego se trasladó a Nápoles donde se realizó el montaje final.
Pensada como compañera del Profeta Jeremías para decorar el Campanile de la Catedral. Con un rostro lleno de fuerza destaca por la fragilidad de su anatomía, que adquiere cierto volumen gracias al manto que le cubre. A pesar de la fragilidad de sus músculos que dejan ver sus huesos, la mano
aprieta con fuerza el cinturón lo que resalta un gesto ligeramente violento. Zuccone es una palabra italiana cuya traducción literal es burro, y su rostro muestra una rudeza propia de este animal, con el cráneo rasurado, los labios prominentes y el mentón acusado; aunque Donatello realizó el retrato de un personaje de Florencia llamado Barduccio y al que el pueblo llamaba Zuccone, que quiere decir también calabacín, por su cráneo alargado y calvo.
Realizado originalmente para decorar el Palacio Medici Ricardi, pasó por varias manos hasta acabar en el Bargello. Donatello retoma la curva praxiteliana propia del arte clásico griego, y nos muestra el primer desnudo en bulto redondo desde hacía muchos siglos. Pero el artista muestra un interés nuevo por el movimiento y la luz, para lo que decora el personaje con un llamativo sombrero y botas, aunque el claro-oscuro no es centro de atención del autor en esta obra, parece más interesado por los detalles. Sitúa la escena justo después de la acción de matar a Goliat y cortar su cabeza, en ademán victorioso. La escultura adquiere un carácter nuevo, está realizada para ser observada desde todos los puntos de vista, ya no se trata de esmerarse solo en la frontalidad, ya no está pensada para ser cobijada por una hornacina, ahora es una escultura que debe ser observada desde todos los ángulos. El tamaño es ligeramente inferior al natural. La lánguida pose de David tiene un cierto toque sensual. El rostro de David es el de un niño, pero el cuerpo es el de un adolescente.
- Sacristía vieja Basilica de S. Lorenzo 1428-
Decora con escultura la Sacristía realizada por Brunelleschi. Realiza dos relieves enmarcados por sendos arcos que se sitúan sobre las puertas de acceso, cada relieve muestra una pareja de santos “San Cosme y San Damián” y “San Esteban y San Lorenzo” que aparecen departiendo. Realizó también ocho medallones, cuatro para los evangelistas y otros cuatro para representar otros tantos episodios de la vida de San Juan Evangelista (San Juan en Patmos, la resurrección de Drusiana, la muerte y ascensión de San Juan). Las figuras incrustadas en el mobiliario pertenecen a la Antigüedad lo que denota el apego y gusto greco-romano. Realizó por último dos puertas de bronce divididas en diez paneles cada una con escenas de apóstoles y mártires. El conjunto no fue apreciado por Brunellechi ni por sus contemporáneos, que no entendían la modernidad de Donatello.
- Puertas de bronce S. Lorenzo 1440
Las puertas de bronce muestran a 40 apóstoles y doctores de la Iglesia departiendo animadamente. Realizados con el relieve aplanado (stiacciato) propio de él. Los relieves no tienen ambientación pero el artista consigue una profundidad única. Supone un avance único en la concepción del relieve que inspirará a los impresionistas del siglo XIX. Los arcos sobre las puertas están realizados en terracota policromada, probablemente sean los primeros trabajos realizados por Donatello para esta Sacristía. Representan a San Cosme y San Damián y San Esteban y San Lorenzo.
El estilo de Donatello se ha hecho más clásico tras su segunda visita a Roma entre 1432-33, y esto se ve reflejado en su tercer David, con rasgos muy clásicos aparece inacabado.
- Tumba del Anti-papa Juan XXIII 1435
Realizada junto con Michelozzo. Del conjunto, sólo la escultura de bronce del anti-papa es obra de Donatello, el resto es de su colaborador. Es una estructura monumental entre dos columnas colosales de orden corintio que enmarcan el monumento. En el basamento una decoración de guirnaldas que nos recuerdan a las estructuras efímeras. Realiza una fusión de elementos de la Antigüedad y con elementos cristianos. Sobre el frontón se sitúa la urna sepulcral del antipapa que fue obligado a abdicar. El elemento mas efectista es el cortinaje que se nos abre mostrándonos el sepulcro. Ese cortinaje alude a la separación entre la vida terrenal y la celestial.
- Anunciacion 1435
- Condotiero Gattamelata 1444-
Esta escultura ecuestre sobre podium decorado con motivos clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la Basílica de San Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre de Marco Aurelio de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas ecuestres del Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su maestría en la ejecución de las proporciones. Se trata de un guerrero victorioso, un héroe tal y como se refleja en la literatura renacentista. Pero también destaca el trabajo realizado en el animal, el caballo va ganando conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente hacia la izquierda marcando mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por lo que el artista tiene que buscar un punto de apoyo artificial para conseguir el equilibrio dado el enorme tamaño de la escultura y para que no se venciera hacia la izquierda. Inspirará a otros artistas como Il Verrochio. El rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico, fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.
Sigue los modelos de la Judith de Florencia y de su escultura de María Magdalena, que caracterizan su última etapa.
Realizada para el Baptisterio de Florencia, sufrió mucho durante las inundaciones y tuvo que ser restaurada. Subraya el ascetismo de la figura mediante la policromía y los rasgos del rostro. Se muestra como gran conocedor de la anatomía, al igual que la mayoría de los artistas renacentistas, una anatomía desgastada por los ayunos y sacrificios. La representación se inspira en la Leyenda Áurea de Jacobo de Vorágine, en la que narra los últimos años de la vida de María Magdalena retirada en Francia haciendo penitencia. La forma de unir las manos que no llegan a tocarse, los dedos alargados y las manos suaves subrayan la espiritualidad que busca en esta obra.
Se la encargó Cosimo de Medici para decorar una de las fuentes del Palacio Medici Ricardi, pero al final quedó en los arcos del Palacio de la Signoria de Florencia como símbolo de libertad del pueblo de Florencia. Quedó tan encantado con el resultado que es la única obra que firmó: DONATELLI OPUS. Es una de sus obras maestras por la delicadeza de formas, el análisis profundo de la espiritualidad y la psicología. Es una de las obras más completas de Donatello, para apreciarla bien hay que observarla desde todos los puntos de vista. decoró también el pedestal con escenas de ángeles bailando. Narra visualmente la escena relatada en la Biblia (Judit 13).
♦ LUCCA DELLA ROBBIA (1400-1482)
Descendiente de una familia de artistas, dedicados a la escultura y la cerámica desde el siglo XV, es su representante más destacado. Una de sus aportaciones más importantes a esta disciplina fue la técnica de la terracota vidriada. Entre las figuras que realiza con este material cabe citar una serie de Vírgenes con Niño en forma de medallón. Su estilo refleja su gusto por los ritmos lineales de Ghiberti y las formas clásicas de Donatello. Una de las obras más citadas de su legado es la Cantoría de la catedral de Florencia, que ejecuta entre 1431 y 1438. En esta composición sitúa cada escena en distintos espacios, previamente divididos a imitación de los sarcófagos romanos. La serenidad y el equilibrio son las dos notas que definen la composición. Para el campanario de Santa María de las Flores, también en Florencia, diseña cinco relieves que recuerdan las artes liberales. En este trabajo
La escena que se narra en esta escultura corresponde a uno de los Trabajos de Hércules. Hijo de Posidón y Gea, el gigante Anteo habitaba en Libia, obligando a todos los viajeros que por allí pasaban a luchar contra él. Una vez vencidos y muertos, con sus despojos adornaba el templo de su padre. Mientras que Anteo tocaba la tierra era invulnerable pero cuando Hércules, durante su paso por Libia en busca de las manzanas de oro, luchó contra él, consiguió derrotarle al levantarle sobre sus hombros. Pollaiuolo realiza esta estatuilla que destaca por el detallismo anatómico así como el violento movimiento de las figuras luchando. En la expresión de los rostros existe un gran contraste entre el gesto concentrado de Hércules y el desesperado de Anteo que se sabe ya vencido.
- Retrato de Giuliano de Medicis
Busto en terracota donde estudio la forma, realizando una copia en bronce. Aparece como un gran innovador, lo representa con una coraza circular lo que le permite jugar con el espacio exterior. La cabeza y el rostro no son realistas, busca la expresión del personaje a través del estudio de la luz que discurre por las facciones. La idealización contrasta con los volúmenes del personaje.
Tumba exenta de gran superficie y poca altura realizada en bronce. El pedestal en forma de talud queda compartimentado por medio de volutas situando entre ellas. Relieves alegoricos sobre la intelectualidad del pontífice. Representación de figuras femeninas de canon estilizado con pliegues menudos que denotan el carácter inquieto del autor. Sobre la cama el Papa con todos sus atributos e insignias. Sobre la cabeza porta la tiara o triple corona, significado de su reinado sobre los 3 poderes. Llama la atención el perfil del personaje, el tratamiento del rostro. Nos presenta aun anciano decrépito, desdentado, con los pómulos salientes, los ojos y boca hundidos, nariz aguileña,todo un gran realismo que se valio de una mascarilla del difunto obtenida post rigor mortis.
Parietal, adosada al muro. Difiere del tratamiento de las tumbas florentinas porque esta trabajada en bronce. Es un retablo de bronce de un solo cuerpo, dividido en 3 calles y articulado por pilastras que se rematan en el cuerpo superior por un frontón circular. En la calle central coloca la imagen del
pontífice. Presenta un simulacro del Papa en actitud de bendecir. Es un Papa vivo, revestido de todos sus atributos para ceremonia pontifical. Esta imagen será repetida por Bernini y en todo el Barroco.
♦ (^) ANDREA VERROCHIO (1436-1488)
Escultor y pintor, desarrolla su carrera en Florencia y crea un taller que será el lugar de aprendizaje de los grandes escultores del Quatroccento y el Cinquecento, entre otros Leonardo da Vinci, Perugino, Domenico Ghirlandaio, Benedetto di Maiano, Sansorvino, y Botticelli. Muchas de sus obras están inacabadas.
Se formó como orfebre con Guiuliano Verrocchi, de quien tomó el apellido. Algunos historiadores lo relacionan con Donatello, pero esta influencia es dudosa, es más probable que se formara con el escultor Antonio Rossellino.
Sus inicios como pintor van más unidos a Fra Filippo Lippi, y se trata de una vocación tardía ya que la inicia en 1460, cuando colaboró con él junto con Sandro Botticelli en la realización de los murales de la Catedral de Prato, cerca de Florencia.
Sus obras más importantes las realizó en los últimos veinte años de su vida, cuando contó con el apoyo de la familia Medici, especialmente de Piero y de su hijo Lorenzo, que se convirtió en el principal mecenas de Florencia. Pero su fama y el apoyo de esta familia no llegaron hasta la muerte de Donatello en 1466. Verrocchio realizó para la familia pinturas y esculturas, pero también otro tipo de obras como vestidos y disfraces para sus fiestas. También trabajó como restaurador de obras de arte antiguas.
Su estilo escultórico se caracteriza por las formas angulosas y duras, la expresión de los rostros es fundamental para dar sentido al conjunto, lo que introduce el retrato psicológico. Será en el retrato en lo que destaque, realizando numerosos bustos especialmente de la familia Medici. Trabaja todos los materiales, pero es maestro en el bronce. Realizará tanto relieve como bulto redondo. Las obras escultóricas de Verrocchio no son muchas pero su importancia es grande e influirá en la escultura de su época y en la posterior.
De tamaño algo menor del natural, se trata de otro de los ejemplos de escultura dedicada a este rey de Israel realizado por los grandes escultores florentinos, junto con el de Donatello y Miguel Ángel. Se trata de un encargo realizado por la familia Medici que en 1476 lo venderá a la Signoria (ayuntamiento) y será colocado en el Palacio Vecchio junto al de Donatello. Pero ambas obras son muy diferentes, Verrochio realiza a su David vestido y armado con una espada, con la cabeza del gigante al que acaba de ejecutar a sus pies, su gesto es victorioso a pesar de estar representado como un niño, llevando la mano izquierda a su cadera, lo que marca la curva praxiteliana, y mirando de frente al espectador con sonrisa triunfante.
El traje muestra trasparencias lo que permite al autor el estudio de la anatomía de cintura para arriba cubriendo el resto con una falda de pliegues angulosos. La escultura está diseñada para ser observada desde todos los puntos de vista, pero el conjunto nos muestra una figura menos exagerada y compleja que la de Donatello.
- Condottiero Colleoni 1479
Encargo en honor al mercenario originario de Bérgamo Bartolomeo Colleoni, fallecido en 1475 y que había donado fondos a la ciudad para que se realizara este monumento en su honor, aunque la
